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sábado, 24 de enero de 2026

RESEÑA DE "VAMPIRAS. HORROR Y ERÓTICA EN UN MITO MILENARIO" DE EDITORIAL ALMAZARA

 


Reseña de Vampiras. Horror y erótica en un mito milenario

Juan Antonio Sanz (Arcopress / Almuzara, 2025)

Vampiras. Horror y erótica en un mito milenario es una investigación profunda y documentada que invita a explorar el mito del vampirismo desde una perspectiva históricamente femenina, antropológica, literaria y folclórica. El periodista y escritor Juan Antonio Sanz, conocido por su trayectoria como corresponsal internacional y explorador de enigmas culturales, retoma el tema tras Vampiros, príncipes del abismo (2020), en el que rastreó las huellas del vampirismo en múltiples geografías. En Vampiras, sin embargo, el foco cambia: el fenómeno vampírico, tan difundido en la imaginación popular, tiene un origen primordialmente femenino en términos mitológicos, culturales y antropológicos.

El libro combina notas de viajes, evidencia folclórica, análisis literario y reflexiones personales. Sanz recurre tanto a sus cuadernos de campo como a nuevas exploraciones en los montes Tatras y los Cárpatos eslovacos, hasta Pekín, donde recopila historias del vampirismo chino. Esta inmersión internacional permite trascender la visión occidental habitual y revelar cómo figuras femeninas vinculadas a la sangre, la magia y la seducción protagonizan relatos mucho más antiguos y ricos de lo que la cultura popular recuerda.

La narrativa se nutre de anécdotas, análisis literario e interpretación antropológica. Sanz recorre tradiciones y textos que han modelado el imaginario vampírico, desde divinidades vengativas de Mesopotamia o Egipto, como Lilith o Sekhmet, hasta empusas griegas o nügui chinas. Su aproximación articula estos elementos con la literatura de horror decimonónica y moderna —como Drácula (1897) de Bram Stoker o Carmilla (1872) de Sheridan Le Fanu— que incorporaron ecos de tradiciones orales y mitológicas.

Una de las aportaciones más destacadas del libro es cómo la vampira se presenta no solo como un ser de horror, sino como un símbolo que desafía estructuras sociales, culturales y de género. Sanz argumenta que estas figuras femeninas, dominadoras de la magia negra o la seducción mortal, rompieron paradigmas patriarcales al ocupar un rol central en la narrativa del miedo y el deseo, especialmente en sociedades jerárquicas como la Inglaterra victoriana.

El autor dedica secciones importantes a personajes históricos que trascienden el mito, como Erzsébet Báthory, la condesa húngara asociada a un holocausto sangriento. Sanz aborda su figura con rigor, vinculando la sed de sangre con la búsqueda de poder y la transgresión ética, mostrando cómo la línea entre leyenda y realidad puede ser difusa.

A lo largo de la obra, el autor profundiza en la relación entre sangre, magia y poder esotérico, explorando cómo en diversas tradiciones la alquimia de la sangre se asocia con trascendencia o inmortalidad, siempre desde una perspectiva crítica: la eternidad implica la transgresión de normas morales y la corrupción. Como señala Sanz, en estas narrativas no existen vampiros bondadosos; la inmortalidad se convierte en símbolo de decadencia y perversión.

Vampiras mantiene un fuerte componente divulgativo. Sanz busca que el lector explore y comprenda la influencia de la vampira en la cultura global —desde el folclore hasta la literatura de horror— y utilice el libro como una guía de viaje cultural por lugares asociados a estas leyendas. Sus experiencias personales y encuentros con especialistas enriquecen el relato, conectando tradición oral y académica.

El libro también reflexiona sobre la dualidad entre lo oscuro y lo sagrado, mostrando cómo muchos relatos funden magia negra con conceptos de trascendencia, demonizando a la vampira como semidiosa de maldad suprema. Así, Vampiras no es solo un estudio sobre criaturas de la noche, sino una obra que interroga la condición humana, el deseo, el poder y la frontera entre mito y realidad.

Sanz traza un mapa mitológico y antropológico en el que aparecen lamias, empusas, estriges y otras entidades del folclore grecorromano y oriental, siempre asociadas a la sangre como sustancia vital y mágica. La evolución de estas figuras desde monstruos explícitos hasta mujeres seductoras destaca la función de la belleza como instrumento de caza. Frente al vampiro masculino, cuya aura aristocrática surge en el romanticismo, la vampira domina desde el inicio la atracción, el deseo y la transgresión.

El libro vincula el vampirismo femenino con persecuciones históricas: durante la Edad Media y Moderna, muchas mujeres acusadas de brujería fueron señaladas como ladronas de niños o bebedoras de sangre, reflejando cómo la sociedad necesitaba culpables ante epidemias y muertes colectivas.

El recorrido culmina en el siglo XIX, considerada la edad dorada de la vampira literaria. Obras como Carmilla consolidan a la vampira como ser erótico, perturbador y transgresor. Pese al triunfo posterior del vampiro masculino tras Drácula, la figura femenina permanece como amenaza compleja y subversiva.

Sanz presta atención especial a las vampiras humanas, como Erzsébet Báthory, contextualizando su crueldad en un marco europeo obsesionado con ocultismo, alquimia y poder. La condesa se convierte en ejemplo extremo de cómo el mito vampírico puede encarnarse en la realidad, sin elementos sobrenaturales. Su figura se analiza como nodo donde confluyen poder, violencia, superstición y propaganda, mostrando cómo la historiografía ha amplificado y manipulado su imagen.

El mito de la vampira, según Sanz, no es relicto del pasado, sino organismo vivo que se adapta, muta y persiste en arte, literatura, psicología y cultura popular. La vampira funciona como espejo simbólico de temores colectivos: miedo a la autonomía femenina, a la sexualidad no normativa y a la pérdida de control. El libro ofrece así una lectura crítica, mostrando cómo la construcción del mito refleja dinámicas históricas de poder y género.

Finalmente, Vampiras. Horror y erótica en un mito milenario ilumina un aspecto poco explorado del vampirismo: su origen femenino, su complejidad cultural y su impacto simbólico en la historia del horror y la literatura. Con rigor histórico, narrativa envolvente y análisis crítico, Sanz ofrece una obra que se erige como referencia esencial sobre el vampirismo y su presencia duradera en la cultura global.

En Vampiras, Juan Antonio Sanz propone un viaje exhaustivo y fascinante a través de la historia, el mito y la literatura, explorando la mujer vampiro desde sus orígenes hasta su proyección en la cultura moderna. La obra se abre con una introducción que sitúa al lector en la génesis del mito, donde lo femenino aparece como núcleo del vampirismo, desde las primeras evidencias en relatos chamánicos hasta las manifestaciones de las vampiras como transpasadoras de mundos. Siguiendo esta línea, Sanz rastrea a las vampiras en la Madre Rusia, desde Siberia, cuna del vampirismo, hasta su papel como libadoras de sangre, devoradoras de niños y madres de vampiros, destacando cómo estas figuras actúan como mediadoras entre lo humano y lo sobrenatural. La narrativa continúa explorando a las grandes divinidades femeninas asociadas a la violencia y la sangre, como Sekhmet, “la que camina entre los hombres y bebe su sangre”, y otras vampiras rebeldes presentes en los textos sagrados hebreos, donde la tradición y la demonización se entrelazan.

Sanz despliega luego un amplio panorama mediterráneo, con lamias y empusas griegas y romanas, y se adentra en Qandisha y las vampiras del norte de África, para después viajar por la tradición celta, desde Irlanda hasta el norte de España, explorando figuras como la Mairbh y la Baobhan Sith. Cada aparición de estas entidades femeninas subraya la persistencia del arquetipo de la vampira como figura seductora, peligrosa y transgresora. El libro dedica también capítulos al papel de las vampiras en los aquelarres europeos, en el contexto del Malleus Maleficarum, los autos de fe y la caza de brujas en el norte de Europa y en ciudades como Madrid, mostrando cómo la construcción histórica del miedo femenino se vinculó con la sangre, la superstición y la persecución social.

La obra avanza hacia las vampiras ancestrales, explorando los vrykolakas de las ínsulas griegas y el trabajo pionero del abad Calmet, considerado el padre de la upirología, así como los exhumadores que documentaron fenómenos supuestamente vampíricos. Sanz recorre luego América y Canarias, donde las brujas vampiras de los Andes, la vampira de Tahari, las Tlahuelpés y las vampiras danzantes de Tenerife muestran la extensión global del mito y su adaptación a contextos culturales diversos. En Asia, se analiza el territorio Yurei de China y Japón, con entidades femeninas que oscilan entre zombis rígidos, bellas de rojo chillón y las zorras de nueve colas, mostrando la universalidad del arquetipo femenino vinculado a la sangre, el deseo y la muerte.

El recorrido literario es igualmente minucioso: Sanz examina cómo autores como Hoffmann, Gautier y Edgar Allan Poe construyeron vampiras como femme fatales, pasando por las vampiras decimonónicas que anticipan la sombra femenina en la literatura gótica y romántica. Se aborda la influencia de estas figuras en la consolidación de la vampira moderna y en la construcción de iconos culturales, hasta las “novias de Drácula” y las plagas de vampiras en Estados Unidos, con casos célebres como Mercy Brown en Rhode Island y otros fenómenos documentados por detectives como George Stetson.

Finalmente, el libro examina el espectro vampírico histórico, centrándose en Erzsébet Báthory y otras asesinas que encarnan la violencia, la obsesión con la sangre y la transgresión ética, así como en Delphine LaLaurie en Nueva Orleans. Sanz concluye con un epílogo provocador, “Drácula fue mujer”, que invita a reinterpretar el mito clásico desde la perspectiva femenina, mostrando que, más allá de colmillos y sangre, la vampira sigue viva como símbolo de poder, deseo, transgresión y autonomía, reflejando los miedos y fascinaciones que atraviesan culturas y siglos.

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viernes, 23 de enero de 2026

NOVEDAD DE FESTER: "MÁS ALLÁ DE ELM STREET: EL CINE DE WES CRAVEN"



Más allá de elm street: El cine de Wes Craven

Manolito Motosierra 

Este libro ofrece un análisis sobre la carrera de Wes Craven, uno de los cineastas más influyentes del cine de terror, cuyo legado sigue vivo en las generaciones actuales de realizadores. A través de su filmografía, con películas emblemáticas, como Pesadilla en Elm Street, Scream y Las colinas tienen ojos, el texto explora cómo Craven no solo definió el género slasher, sino que también desdibujó las fronteras entre el horror psicológico y el metahumor.


El libro analiza su capacidad para jugar con los miedos más profundos de la sociedad, así como su habilidad para subvertir las convenciones del cine de terror, introduciendo personajes complejos y escenarios donde el terror se fusiona con la reflexión cultural. A través de análisis de escenas clave y una reflexión crítica sobre su estilo visual y narrativo, este libro ofrece una mirada a la obra de un director cuya influencia sigue vigente.

Este libro no solo es una obra para los fans del cine de terror, sino también para aquellos interesados en cómo el arte de contar historias se cruza con la cultura popular y la psicología humana. Un homenaje a un director que transformó el miedo en una forma de arte sofisticada y universal.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G3XTRV2B

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 25 noviembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 172 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8276124438

Peso del producto ‏ : ‎ 318 g

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 0.99 x 22.86 cm

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jueves, 22 de enero de 2026

NOVEDAD DE FESTER: "GRITOS Y SOMBRAS: EL CINE DE TERROR ESPAÑOL DE LOS 70 A LOS 90"

 


NOVEDAD DE FESTER: "GRITOS Y SOMBRAS: EL CINE DE TERROR ESPAÑOL DE LOS 70 A LOS 90"

Gritos y Sombras: El cine de terror español de los 70 a los 90 

 Manolito Motosierra 

"Gritos y sombras: El cine de terror español de los 70 a los 90" es un recorrido a través de 102 fichas detalladas de las películas más representativas del cine de terror español, abarcando desde los años 70 hasta los 90. Este libro ofrece un análisis profundo de cada filme, destacando su importancia dentro del género, su contexto sociopolítico y su impacto en el público. Desde las primeras incursiones del fantaterror hasta los experimentos más arriesgados de los directores más emblemáticos como Álex de la Iglesia o Paul Naschy, "Gritos y sombras" es una obra esencial para los amantes del cine de terror, que ofrece una visión de cómo España vivió y aportó a este género cinematográfico a lo largo de tres décadas clave.


Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FX2BPT2H

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 19 octubre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 220 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8270679637

Peso del producto ‏ : ‎ 395 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 13 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 1.27 x 22.86 cm


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https://amzn.to/3M8JA9e

miércoles, 21 de enero de 2026

NOVEDAD DE FESTER: "DESDE EL MÁS ALLÁ: EL CINE DE STUART GORDON"

 


Desde el más allá: El cine de Stuart Gordon 

Manolito Motosierra

A través de una carrera única y audaz, Stuart Gordon redefinió el cine de terror con una mezcla inconfundible de horror psicológico, surrealismo y una profunda exploración de las sombras de la condición humana. Desde sus primeras incursiones en el teatro hasta sus aclamadas adaptaciones de H.P. Lovecraft, Gordon demostró una capacidad excepcional para transformar lo macabro en arte, fusionando la angustia cósmica con el drama personal. En este libro, exploramos su vida, su carrera y sus influyentes obras, desde clásicos de culto como Re-Animator y From Beyond, hasta su trabajo en series como Masters of Horror. Un homenaje a un director que, con su estilo único, dejó una marca indeleble en el mundo del cine de terror.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G3GMR1L7

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 21 noviembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 128 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8275520507

Peso del producto ‏ : ‎ 136 g

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.74 x 20.32 cm

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https://amzn.to/4iqTmzM

martes, 20 de enero de 2026

RESEÑA DE "FUTUROS QUE NUNCA SOÑAMOS. 50 PELÍCULAS ESENCIALES SOBRE EL GÉNERO DISTÓPICO"

 RESEÑA DE "FUTUROS QUE NUNCA SOÑAMOS. 50 PELÍCULAS ESENCIALES SOBRE EL GÉNERO DISTÓPICO"

En Futuros que nunca soñamos, Sergio Gavilán Escario propone una lectura ambiciosa y profundamente crítica del cine distópico, entendiendo estas películas no solo como ejercicios de imaginación futurista, sino como herramientas culturales para pensar el presente. A través de cincuenta títulos esenciales, el libro articula la idea de que las distopías cinematográficas construyen “mundos imperfectos” que funcionan como espejos deformantes pero reveladores  de nuestras estructuras sociales, políticas y tecnológicas actuales.

El autor sostiene que el cine distópico no constituye un género homogéneo, sino un conjunto diverso de narrativas audiovisuales que reinterpretan, desde distintos estilos y tradiciones cinematográficas, los grandes temores colectivos: el control ideológico, la vigilancia, la pérdida de identidad, la deshumanización tecnológica o la erosión de los vínculos sociales. Estas películas, lejos de repetir fórmulas, reinventan constantemente el lenguaje visual y narrativo de la distopía, adaptándolo a contextos históricos y culturales cambiantes.

Uno de los ejes más originales del libro es su atención a la ansiedad anticipatoria frente al futuro, especialmente en relación con la crisis climática, el colapso social y la violencia estructural. Gavilán Escario analiza cómo muchas de estas películas no representan catástrofes ya consumadas, sino futuros todavía evitables, generando en el espectador una sensación de inquietud previa, casi traumática. El cine distópico aparece así como un espacio donde se ensayan emocionalmente los miedos que aún no se han materializado, pero que ya condicionan nuestra imaginación colectiva.

El autor también subraya que estas visiones del futuro no son neutrales: revelan qué cuerpos, qué voces y qué comunidades son visibles o invisibles en los relatos del fin del mundo. El libro invita a cuestionar quién sobrevive en las distopías cinematográficas, quién queda excluido y qué valores se preservan cuando las estructuras sociales se derrumban. En este sentido, el análisis trasciende lo cinematográfico para convertirse en una reflexión ética y política sobre el presente.

Otro aspecto clave del volumen es su atención a los elementos materiales del mundo distópico: infraestructuras, sistemas energéticos, transportes, alimentos, ruinas urbanas y tecnologías obsoletas. Gavilán Escario demuestra que estos elementos, a menudo relegados a un segundo plano, son fundamentales para comprender cómo el cine imagina la supervivencia, la organización social y el poder en escenarios extremos. Las infraestructuras que permanecen —o que colapsan— revelan qué considera esencial una sociedad cuando todo lo demás ha fallado.

En conjunto, Futuros que nunca soñamos no es solo un recorrido por cincuenta películas fundamentales, sino una cartografía crítica del imaginario distópico contemporáneo. El libro muestra cómo el cine ha ido desplazando la distopía desde un futuro lejano y abstracto hacia escenarios cada vez más próximos y reconocibles, donde la frontera entre ficción y realidad se vuelve inquietantemente difusa. Gavilán Escario plantea que estas películas no nos advierten sobre mundos imposibles, sino sobre futuros que ya estamos construyendo, a menudo sin darnos cuenta.

La distopía cinematográfica nace como una respuesta estética y política a las crisis de la modernidad. Desde sus primeras manifestaciones, el cine ha utilizado futuros deformados para hablar del presente: del miedo al progreso descontrolado, de la pérdida del individuo frente a la masa, del poder tecnológico y de la fragilidad de la democracia. Cada etapa histórica ha generado su propia distopía, adaptando sus temores a las imágenes dominantes de su tiempo.

En el período de entreguerras, las distopías reflejan la ansiedad ante la industrialización, la mecanización del trabajo y el auge de los totalitarismos. Tras la Segunda Guerra Mundial y durante la Guerra Fría, el cine distópico se obsesiona con la aniquilación nuclear, el control ideológico y la deshumanización burocrática. A finales del siglo XX, el foco se desplaza hacia la biotecnología, la vigilancia digital y la simulación de la realidad, mientras que en el siglo XXI la distopía se vuelve íntima, cotidiana y climática: ya no muestra mundos lejanos, sino versiones apenas exageradas del nuestro.

El cine distópico no predice el futuro: lo interroga. Sus imágenes funcionan como advertencias, como ensayos visuales de lo que ocurre cuando determinadas lógicas sociales, económicas o tecnológicas se llevan hasta sus últimas consecuencias.

En los años 20, el cine distópico comenzó a explorar la manipulación social y la opresión como advertencia sobre los peligros del poder. El doctor Mabuse (1922) anticipa esta visión mostrando un poder invisible que domina a la sociedad mediante la manipulación psicológica. Metrópolis (1927) amplía estos temas con una ciudad futurista dividida entre élites y obreros, donde la tecnología se convierte en símbolo de control y alienación. Estas obras establecen las bases visuales y conceptuales del género, reflejando los temores de la industrialización y la deshumanización del trabajo.

Durante los años 30, el cine distópico exploró la alienación cotidiana y la tensión entre progreso y amenaza. Tiempos modernos (1936) muestra cómo la lógica mecánica de la producción anula la dignidad humana, mientras que La vida futura (1936) combina avances científicos con la guerra y la destrucción, reflejando la ambivalencia entre esperanza y miedo de la época.

En los años 50, el cine se centró en los temores nucleares y el fin de la humanidad. La hora final (1959) presenta un mundo condenado tras una guerra nuclear, donde no hay héroes ni salvación, solo aceptación silenciosa del final, representando el miedo atómico de la Guerra Fría.

Los años 60 trajeron reflexiones sobre la memoria, la razón y el control social. La Jetée (1962) convierte la distopía en un experimento sobre tiempo y recuerdo. Alphaville (1965) critica la racionalidad extrema que elimina emoción y poesía, y Fahrenheit 451 (1966) denuncia la censura y el pensamiento superficial. El planeta de los simios (1968) cuestiona la superioridad humana y presenta un futuro irónico como espejo del presente.

En los años 70, el cine mostró sociedades controladas, colapsos ecológicos y crisis del individuo. THX 1138 (1971) retrata una sociedad reprimida emocionalmente, mientras que La naranja mecánica (1971) plantea el conflicto entre libertad y control. Naves misteriosas (1972) refleja la pérdida de la naturaleza, y El dormilón (1973) parodia la burocracia y el control tecnológico. Almas de metal (1973) anticipa la rebelión de las máquinas, Cuando el destino nos alcance (1973) muestra la superpoblación y escasez, Rollerball (1975) exhibe el control social a través del espectáculo, La fuga de Logan (1976) cuestiona la estabilidad a costa de la muerte, y Mad Max (1979) traslada la distopía a la violencia y el caos postapocalíptico. Stalker (1979) aporta una perspectiva espiritual y existencial del futuro.

Durante los años 80, las distopías se centraron en medios, corporaciones y control total. La muerte en directo (1980) muestra la mediación de la muerte como espectáculo, 1997: Rescate en Nueva York (1981) presenta la ciudad como prisión, y Blade Runner (1982) cuestiona la humanidad en un mundo tecnificado. Videodrome (1983) explora la manipulación sensorial, El elemento del crimen (1984) refleja la decadencia europea, 1984 (1984) muestra el totalitarismo extremo, Terminator (1984) presenta la amenaza de la tecnología autónoma, Brazil (1985) denuncia la burocracia absurda, Robocop (1987) critica la privatización del cuerpo y la seguridad, Perseguido (1987) convierte la justicia en espectáculo, y Están vivos (1988) revela el control invisible bajo la normalidad cotidiana.

Los años 90 abordaron identidad, memoria y simulación. Desafío total (1990) analiza recuerdos implantados, Delicatessen (1991) mezcla humor negro y miseria social, Ghost in the Shell (1995) explora conciencia y cuerpo en un mundo digital, Días extraños (1995) convierte la experiencia en mercancía, 12 monos (1995) plantea la inevitabilidad del desastre, Nirvana (1997) trata la autoconciencia digital, Gattaca (1997) muestra discriminación genética, El show de Truman (1998) reflexiona sobre la vida vigilada, Dark City (1998) manipula la memoria colectiva, Pleasantville (1998) revela represión bajo la utopía y Matrix (1999) redefine la distopía como simulación global.

En los años 2000, el cine exploró la vigilancia preventiva y la represión emocional. Battle Royale (2000) expone la violencia como método educativo, Minority Report (2002) cuestiona la justicia predictiva, Equilibrium (2002) elimina emociones para mantener la estabilidad, V de Vendetta (2005) articula memoria y resistencia frente al totalitarismo, Hijos de los hombres (2006) muestra un futuro sin nacimientos ni esperanza, y El inadaptado (2006) examina la marginación como identidad impuesta.

En la década de 2010, las distopías se volvieron más íntimas y cercanas. Langosta (2015) regula las relaciones afectivas, Blade Runner 2049 (2017) profundiza en la memoria y la herencia de la distopía, y Divino Amor (2019) combina religión, tecnología y control emocional en un futuro reconocible.

En conjunto, esta selección constituye una excelente puerta de entrada al subgénero distópico, recorriendo casi un siglo de cine y mostrando cómo la distopía ha evolucionado desde advertencias futuristas hasta reflejos cada vez más próximos y reconocibles de nuestra realidad.

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lunes, 19 de enero de 2026

NOVEDAD DE FESTER: "SPOOKYSHOW A ROB ZOMBIE MOVIES"

 


Spookyshow: a Rob Zombie movies 

Manolito Motosierra 

Spookyshow es un recorrido fascinante y visualmente impactante por el universo único de Rob Zombie, el visionario director, guionista y músico que ha dejado una huella indeleble en la cultura del terror contemporáneo. Este libro ofrece un análisis de las películas más emblemáticas de Zombie, desde su inicio en el cine de terror con La casa de los 1000 cadáveres hasta su reinvención de los clásicos de la cultura pop como The Munsters. A través de una serie de capítulos dedicados a cada uno de sus filmes, Spookyshow explora los temas recurrentes en su obra: lo grotesco, lo perturbador y la estética visceral, así como su inconfundible enfoque visual que mezcla horror, música y una cultura subversiva.

Para los fans del terror, el cine de autor y, por supuesto, los seguidores de Rob Zombie, Spookyshow es una breve guía para entender el legado de un hombre que ha hecho del horror no solo un género, sino una experiencia visual y sonora única.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G2SZG2G8

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 18 noviembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 136 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8275043617

Peso del producto ‏ : ‎ 145 g

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.79 x 20.32 cm

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https://amzn.to/3KsPhyj


domingo, 18 de enero de 2026

RESEÑA DE "NIGROMANCIA Y ARQUEOLOGÍA DE LOS MEDIOS" DE CINESTESIA

 


RESEÑA DE "NIGROMANCIA Y ARQUEOLOGÍA DE LOS MEDIOS" DE CINESTESIA

  Miguel Herrero Herrero   es un creador cultural   multidisciplinar e inquieto  , cuyo trabajo abarca la escritura, el cine, el ilusionismo, la docencia y la investigación en psicología. Nacido en   Sax (Alicante) en 1985  , Herrero Herrero combina una sólida formación académica —como doctorando en Psicología, Máster en Investigación en Psicología, Licenciado en Psicopedagogía y Diplomado en Magisterio con especialidad en música— con una curiosidad permanente por el cine, la cultura audiovisual y las artes escénicas.

Desde temprana edad manifestó un profundo interés por el cine y la narración visual, desarrollando su formación en este ámbito tanto de forma autodidacta como a través de cursos, seminarios y masterclass  con figuras destacadas del cine internacional. Además, ha sido docente en Educación Primaria y Secundaria en diversas áreas como pedagogía terapéutica, música y lenguaje, integrando siempre esta experiencia pedagógica en su mirada sobre la cultura audiovisual. 

Herrero Herrero es  también miembro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de España   y fundador de   Cinestesia  , una productora, editorial y distribuidora cultural que impulsa proyectos innovadores en cine, ensayo audiovisual y eventos culturales. A través de Cinestesia, dirige el   Festival Internacional de Cine de Sax  , certamen que ha sido acreditado para los Premios Goya y que celebra más de 19 ediciones, promoviendo el cine independiente desde un entorno local con proyección internacional. 

Como cineasta ha dirigido, escrito o producido varios largometrajes —como  Arcadeología ,  Operasiones Espesiales  o  Proyecto USA — y una amplia veintena de cortometrajes, muchos de ellos seleccionados en festivales de cine nacionales e internacionales, logrando más de 400 selecciones oficiales y acumulando numerosos premios. Su enfoque combina lo narrativo con lo experimental, a menudo explorando los orígenes y la evolución de los medios audiovisuales. 

Herrero Herrero también ha ejercido como   ilusionista y creador de espectáculos  , como  Ilusionismo XIX  y  Fantasmagorías , y gestiona exposiciones de objetos precinematográficos del siglo XVIII y XIX, reflejando su interés por las conexiones entre magia, percepción y tecnología. Ha sido galardonado en dos ocasiones con el   Premio Mervyn Heard   por la Sociedad Británica  The Magic Lantern , un reconocimiento a su expertise en historia de la imagen y los medios. 

Además, colabora con medios audiovisuales como   Cuarto Milenio  , donde explora temas de misterio, cultura y arqueología de los medios, y actualmente dirige el largometraje documental  El arte de la luz y la sombra , un proyecto que sintetiza décadas de investigación sobre los orígenes del cine. 

Además de su labor cinematográfica, Herrero es   autor prolífico   de una veintena de libros que abordan temas diversos como cine, tecnología, historia de los medios, magia e ilusionismo. Entre sus obras destacan  Hiperficción ,  Divas del cine ,  Metacine ,  Cine japonés  y  Nigromancia y arqueología de los medios del que os venimos a hablar hoy . 

Nigromancia y arqueología de los medios se erige como una obra singular y necesaria dentro del panorama editorial español, un contexto en el que la bibliografía dedicada a la arqueología de los medios, los dispositivos precinematográficos y su relación con el ocultismo es todavía escasa, fragmentaria y, en muchos casos, inexistente. Frente a esta carencia, Miguel Herrero Herrero propone un estudio ambicioso que combina investigación histórica, divulgación cultural y análisis iconográfico, abriendo una vía de estudio prácticamente inédita en castellano.

El punto de partida del libro es la nigromancia, entendida como una práctica ancestral de adivinación basada en la invocación de espíritus, demonios o muertos. Tradicionalmente asociada a la magia negra, perseguida durante siglos y desprovista de validez científica, la nigromancia es reinterpretada aquí no desde la creencia, sino desde su dimensión histórica, tecnológica y espectacular. Herrero demuestra cómo, tras muchas acusaciones de nigromancia, se ocultaban en realidad el uso de ingenios ópticos, efectos visuales y dispositivos precinematográficos —como la cámara oscura, los espejos o la linterna mágica— capaces de generar ilusiones que el público de la época interpretaba como manifestaciones sobrenaturales.

El libro se articula como un recorrido histórico de larga duración, que comienza en la prehistoria, con el análisis de la relación entre luz y sombra en las primeras manifestaciones simbólicas humanas. Desde ahí, el autor se adentra en los templos solares del Antiguo Egipto, donde la arquitectura y la orientación astronómica producían efectos lumínicos cargados de significado ritual, y continúa con los oráculos y misterios de la Grecia clásica, en los que el control del espacio, la acústica y la oscuridad contribuían a la experiencia de lo sagrado y lo oculto.

Uno de los momentos clave del recorrido es la aparición de la bruja de Endor, figura bíblica asociada a la nigromancia, que sirve para mostrar cómo estas prácticas fueron demonizadas en los textos sagrados y perseguidas sistemáticamente por las instituciones religiosas. A partir de aquí, la obra aborda la magia, la brujería y la nigromancia en la Europa medieval y moderna, deteniéndose en el papel de la Inquisición como aparato represivo que, paradójicamente, contribuyó a documentar estas prácticas a través de procesos, testimonios y confesiones.

El eje tecnológico del libro se refuerza con capítulos dedicados a los espejos, la cámara oscura y otros dispositivos ópticos que permiten entender cómo la ilusión visual fue un instrumento fundamental tanto para el ilusionismo como para la supuesta invocación de lo sobrenatural. Figuras históricas como Juan de Espina, Athanasius Kircher, Schröpfer o Cagliostro son analizadas como agentes clave en la transición entre magia, ciencia, espectáculo y tecnología.

Especial relevancia adquiere el estudio de las fantasmagorías, espectáculos que florecieron a finales del siglo XVIII y principios del XIX y que constituyen el verdadero puente entre la nigromancia y el nacimiento del cine. Herrero analiza a personajes como Robertson y el mago judío americano conocido como Philadelphia, mostrando cómo sus espectáculos utilizaban la linterna mágica para proyectar figuras espectrales que provocaban terror, asombro y fascinación. Las fantasmagorías son presentadas como el germen de una cultura visual moderna basada en la proyección, la inmersión y la sugestión colectiva.

La obra también dedica un amplio espacio a los secretos técnicos y escénicos de estos espectáculos, así como a su proyección en la literatura gótica y romántica, donde la nigromancia y los fantasmas se convierten en metáforas del inconsciente, la muerte y lo reprimido. El romanticismo negro, los “fantasmas vivos”, el espiritismo, la fotografía espiritista y el ilusionismo moderno amplían el análisis hasta los albores del siglo XXI, demostrando la persistencia de estas prácticas bajo nuevas formas tecnológicas.

El volumen se completa con un apartado dedicado al espectáculo y la colección personal de Miguel Herrero, lo que aporta una dimensión experiencial y material al estudio. Este planteamiento, unido a la abundante presencia de imágenes poco habituales a lo largo de sus casi quinientas páginas, convierte el libro en una obra de referencia tanto para investigadores como para lectores interesados en la historia del cine, la cultura visual, el ocultismo y la tecnología.

En definitiva, Nigromancia y arqueología de los medios no solo ilumina episodios oscuros y fascinantes de la historia cultural, sino que reivindica la necesidad de estudiar los orígenes del cine y de los medios audiovisuales desde una perspectiva transversal, donde magia, ciencia, espectáculo y creencia se entrelazan. En un contexto editorial español con una bibliografía prácticamente inexistente sobre estos temas, la obra de Miguel Herrero Herrero se consolida como un título fundamental, pionero y revelador, que amplía de forma decisiva los horizontes de la arqueología de los medios en lengua castellana.

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sábado, 17 de enero de 2026

NOVEDAD DE FESTER: "MUNDO CANÍBAL: LAS PELÍCULAS MÁS POLÉMICAS SOBRE CANÍBALES FESTER"

Mundo Caníbal: Las películas más polémicas sobre caníbales 

Manolito Motosierra 

Este libro explora el subgénero del cine de terror conocido como "cine de caníbales", un fenómeno cinematográfico que se desató en las décadas de 1970 y 1980, con películas como Cannibal Holocaust, Cannibal Ferox, Comidos Vivos... Estas películas se caracterizan por su violencia y choque entre la civilización y la barbarie, todo ello ambientado en las selvas tropicales más remotas. A través de un análisis, el libro desentraña la polémica y el morbo que rodea a este cine, reflexionando sobre las representaciones de culturas indígenas, la explotación mediática y las técnicas utilizadas para perturbar al espectador. Además, ofrece una mirada única a cómo el cine de caníbales no solo se convirtió en un fenómeno de culto, sino en un espejo distorsionado de las preocupaciones sociales, políticas y culturales de su tiempo.


Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G11GWZKW

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 5 noviembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 100 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8273114487

Peso del producto ‏ : ‎ 163 g

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.58 x 20.32 cm

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