RESEÑA DE "KUBRICK TOTAL. CÓMO CAMBIÓ EL RUMBO DEL CINE DE HOLLYWOOD" DE SILEX EDICIONES

 

RESEÑA DE "KUBRICK TOTAL. CÓMO CAMBIÓ EL RUMBO DEL CINE DE HOLLYWOOD" DE SILEX EDICIONES

Sergio Peral

La originalidad de esta obra de Sergio Peral, radica en que no se plantea como una biografía más de Stanley Kubrick, sino como un ensayo de historia del cine que utiliza su filmografía como eje para explicar una transformación profunda del sistema cinematográfico estadounidense. Frente a los estudios tradicionales centrados en la vida, el carácter o los métodos del cineasta, el libro desplaza el foco hacia el impacto estructural de su obra dentro de Hollywood.

La introducción del libro plantea desde el inicio la tesis fundamental de la obra: la historia del cine de Hollywood y la trayectoria de Stanley Kubrick no son líneas paralelas, sino caminos destinados a cruzarse. Sergio Peral expone que el cineasta no solo fue testigo de los cambios industriales, estéticos y culturales del cine americano, sino que se convirtió en uno de sus principales catalizadores. El punto de convergencia de ambas trayectorias será 2001: una odisea del espacio (1968), película que el autor sitúa —siguiendo la célebre definición de Steven Spielberg— como el auténtico “big bang” del cine moderno, capaz de redefinir el cine comercial, el género de la ciencia ficción y el concepto mismo de espectáculo cinematográfico. Desde esta premisa, Kubrick total. Cómo cambió el rumbo del cine de Hollywood se presenta como una obra ambiciosa y rigurosa que propone una doble lectura perfectamente entrelazada: por un lado, el análisis exhaustivo de la trayectoria cinematográfica de Stanley Kubrick y, por otro, un recorrido histórico por la evolución del cine de Hollywood desde el modelo clásico hasta la consolidación del cine comercial contemporáneo. El libro a lo largo de sus ochocientas páginas adopta una estructura cronológica y analítica, apoyada en un índice muy detallado que permite comprender cómo Kubrick no fue únicamente un autor singular dentro del sistema de estudios, sino un agente fundamental en la transformación de los modelos industriales, narrativos y estéticos del cine estadounidense.

En lo que respecta a los antecedentes históricos y teóricos, el primer bloque del libro se dedica a construir el marco necesario para comprender el contexto en el que emergerá Kubrick. Peral analiza el nacimiento del cine clásico americano, explicando cómo se consolida un modelo industrial basado en los grandes estudios y un estilo narrativo homogéneo que prioriza la claridad, la continuidad y la transparencia del relato. Este sistema, conocido como Modelo de Representación Institucional, establece las normas que dominarán Hollywood durante décadas y contra las que, más adelante, reaccionarán los cineastas modernos. En este mismo contexto, el autor examina la relación entre cine y sociedad durante el periodo que va del New Deal a la Ley Antitrust de 1948, subrayando cómo el cine se convierte en una herramienta ideológica, económica y cultural de primer orden. La ruptura del monopolio de los estudios marca el inicio de un proceso de transformación irreversible que debilitará el sistema clásico y abrirá la puerta a nuevas formas de producción y autoría, así como al surgimiento del cine independiente y a la progresiva redefinición del papel del director. El análisis del cine clásico de los años treinta y primeros cuarenta permite identificar los rasgos fundamentales de la llamada Era Dorada: el esplendor del cine sonoro, la consolidación de los géneros, el star system y la figura del productor como eje creativo. Este periodo, presentado como una edad de estabilidad aparente, contiene ya las tensiones internas que desembocarán en su posterior crisis. Finalmente, el capítulo introduce a Stanley Kubrick desde un ángulo poco habitual: su trabajo como fotógrafo en la revista Look, etapa que Peral considera clave para entender la mirada del cineasta, su obsesión por el encuadre, la composición y la observación fría del comportamiento humano, elementos que más tarde se convertirán en señas de identidad de su cine.

Al abordar el inicio de la crisis de los grandes estudios, el segundo bloque se centra en el periodo de posguerra y en el progresivo desmoronamiento del sistema clásico. Peral analiza cómo el cine americano, entre 1945 y 1960, refleja un mundo marcado por la Guerra Fría, el miedo nuclear y la pérdida de certezas morales. La aparición de la televisión y los cambios en los hábitos de consumo erosionan la hegemonía del cine, obligando a los estudios a replantear su modelo de negocio. El cine de los años cincuenta se presenta así como un terreno de transición, en el que conviven grandes producciones con experimentos formales y temáticos. El auge de la ciencia ficción de serie B, el cine de género y las propuestas más audaces anticipan la llegada de una sensibilidad moderna que cuestiona los valores tradicionales del cine clásico. En este contexto emergen los primeros trabajos cinematográficos de Kubrick. Peral analiza sus documentales iniciales como ejercicios de estilo donde ya se percibe una fuerte influencia fotográfica y una mirada casi clínica sobre la realidad. Miedo y Deseo es abordada como una obra imperfecta, pero reveladora, que muestra a un cineasta en búsqueda de su voz; El beso del asesino evidencia una mayor madurez formal, con influencias del cine negro y una estilización visual creciente; y con Atraco perfecto Kubrick alcanza por primera vez una plena conciencia autoral, demostrando un control absoluto de la narrativa y del espacio cinematográfico que lo sitúa como una figura emergente dentro del cine americano y como una obra clave en la evolución del cine criminal moderno.

En el núcleo central del libro, dedicado al nacimiento del cine moderno entre Psicosis y Star Wars, Peral sitúa el periodo comprendido entre 1960 y 1968 como una etapa de ruptura en la que el cine americano comienza a liberarse de las restricciones del sistema clásico. El contexto social, marcado por los cambios generacionales, la lucha por los derechos civiles y la radicalización política, se refleja en un cine más crítico, violento y experimental. El autor analiza la decadencia definitiva del sistema de estudios y la emergencia de la teoría del autor, así como la influencia decisiva de los realismos europeos en la transformación del lenguaje cinematográfico estadounidense. El Modelo de Representación Moderno se impone progresivamente, dando lugar a nuevas formas narrativas, personajes ambiguos y finales abiertos. En este escenario, Kubrick consolida su estilo con una serie de obras fundamentales: Senderos de gloria es presentada como su primera gran obra maestra y una denuncia implacable del poder y la guerra; Espartaco muestra al cineasta trabajando dentro de los límites de la superproducción; y Lolita junto a ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú revelan su capacidad para transgredir la moral dominante y utilizar el humor negro como arma crítica.

Dentro de este bloque, el análisis de 2001: una odisea del espacio ocupa un lugar central y privilegiado, al ser considerada por Peral como el auténtico punto de inflexión histórico del cine moderno. El autor sostiene que esta película no solo redefine la ciencia ficción, sino que transforma el concepto mismo de cine comercial. Su apuesta por la abstracción, el silencio y el espectáculo visual inaugura una nueva era en la que el cine se convierte en una experiencia sensorial y total, actuando como punto de unión entre el cine de autor y el cine industrial y como antecedente directo del blockbuster moderno. El bloque se cierra con un análisis del periodo que va de 1968 a 1977, en el que el cine americano oscila entre la nostalgia, el compromiso autoral y la creciente corporativización de la industria, preparando el terreno para el cine-espectáculo que dominará las décadas siguientes.

Cuando Peral se detiene específicamente en 2001: una odisea del espacio como “big bang” del cine moderno, insiste en que no se trata de una película más dentro de la filmografía de Kubrick, sino del verdadero eje axial de la historia del cine contemporáneo. Con esta obra se produce una ruptura profunda y definitiva con el modelo clásico hollywoodiense, al mismo tiempo que se inaugura una nueva concepción del cine comercial basada en el espectáculo visual, la experiencia sensorial y la fascinación tecnológica. Kubrick utiliza los recursos industriales del gran cine de estudio para construir una obra radicalmente moderna, abstracta y filosófica, sustituyendo el relato guiado por el conflicto dramático tradicional por una estructura fragmentaria, elíptica y simbólica en la que la imagen, el sonido y el ritmo reemplazan a la narración verbal. Esta operación supone una negación consciente del MRI clásico y una afirmación plena del Modelo de Representación Moderno.

En este sentido, Peral subraya cómo la ciencia ficción queda dividida en un antes y un después de 2001. Antes de 1968, el género estaba asociado mayoritariamente a la serie B, al cine de monstruos o a alegorías políticas de bajo presupuesto; con 2001, la ciencia ficción se transforma en un espacio de espectáculo total, rigor científico y reflexión metafísica. El espacio deja de ser un mero decorado para convertirse en protagonista, el tiempo se dilata y el silencio adquiere un peso dramático inédito. A ello se suma un impacto industrial decisivo: el éxito del filme demuestra a los estudios que existe un público dispuesto a aceptar propuestas formales audaces siempre que estén respaldadas por un potente aparato visual, introduciendo además un nuevo modelo de consumo cinematográfico basado en la película como evento y experiencia revisitable.

Peral insiste también en la posición singular de Kubrick como puente entre el cine de autor y el cine industrial. 2001 demuestra que la autoría no está reñida con la tecnología ni con el espectáculo, sino que puede integrarlos en un discurso artístico coherente. Esta síntesis será observada atentamente por la siguiente generación de cineastas estadounidenses. De ahí que el libro establezca una relación clara entre 2001 y Star Wars (1977): sin el precedente técnico, industrial y simbólico de la obra de Kubrick, el filme de George Lucas no habría sido posible. Mientras 2001 representa el extremo autoral y experimental del nuevo cine comercial, Star Wars supone su normalización industrial, consolidando el paso del cine-evento al cine-franquicia.

En la lectura global que propone Kubrick total, 2001: una odisea del espacio funciona así como una auténtica frontera histórica. A un lado queda el cine clásico y el primer cine moderno; al otro, el cine contemporáneo dominado por el espectáculo, la tecnología y la industria global. La película no pertenece del todo a ninguno de los dos mundos y precisamente por ello se convierte en un punto de no retorno, confirmando que Kubrick no solo anticipó el futuro del cine, sino que contribuyó decisivamente a hacerlo posible.

Finalmente, al abordar la nueva era del cine americano, el último bloque del libro examina la evolución del cine estadounidense desde finales de los años setenta hasta el inicio del siglo XXI. Peral analiza cómo el neoliberalismo, la globalización y la revolución digital transforman profundamente la industria cinematográfica, convirtiendo el cine en un producto transnacional dominado por las franquicias, el marketing y los efectos especiales. El cine de los ochenta, noventa y comienzos del nuevo siglo es estudiado como un espacio de tensiones entre el cine comercial y el cine independiente, entre la espectacularidad y la autorreflexión posmoderna. En este contexto, Kubrick aparece como una figura casi mítica, ajena a las dinámicas industriales pero profundamente influyente. La chaqueta metálica es analizada como una obra que sintetiza muchas de las obsesiones del cineasta —la violencia estructural, la deshumanización y la dualidad del ser humano—, consolidándolo como un autor atemporal cuya obra dialoga tanto con el cine clásico como con el cine contemporáneo.

El principal rasgo diferencial es su planteamiento de 2001: una odisea del espacio como un acontecimiento histórico y no solo como una obra maestra aislada. Peral la sitúa como el punto de unión entre el cine de autor y el cine industrial, el detonante del cine-evento y el antecedente directo del blockbuster moderno. Esta lectura convierte la película en una bisagra que explica el paso del Hollywood clásico al cine comercial contemporáneo, una perspectiva prácticamente ausente en las biografías convencionales de Kubrick.

Otro elemento distintivo es la integración coherente de análisis fílmico, teoría cinematográfica e historia industrial, lo que permite comprender a Kubrick no como un genio aislado, sino como un cineasta plenamente consciente del sistema que habitaba y capaz de transformarlo desde dentro. El libro evita el enfoque hagiográfico y sustituye el mito por una lectura crítica y contextualizada, donde la autoría se entiende como una estrategia dentro de la industria.

Finalmente, Kubrick total amplía el alcance del estudio más allá de la figura del director, conectando su obra con la evolución posterior del cine estadounidense, desde el New Hollywood hasta la lógica de las franquicias. De este modo, el libro no solo explica a Kubrick, sino que explica el cine que vino después, convirtiéndose en una aportación original y necesaria dentro de los estudios sobre cine moderno.

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RESEÑA DE "AMERICAN NIGHTMARES" DE CINEFILIA POP

 

RESEÑA DE "AMERICAN NIGHTMARES" DE CINEFILIA POP

Nos disponemos a reseñar una obra publicada en 2019 que, a pesar de haber pasado algunos años desde su lanzamiento, consideramos que merece ser reconocida y analizada por su valor e interés dentro del género. Se trata de American Nightmares , publicado por Cinefilia Pop en 2019 y dedicado al universo de las TV movies emitidas dentro del espacio  ABC Movie of the Week  durante la primera mitad de los años setenta. Nos encontramos ante un libro que desafía el canon establecido del terror televisivo. En lugar de recuperar los títulos que ya pertenecen a la memoria colectiva, esos que llenan listas, artículos y documentales, el autor opta por una ruta mucho más audaz: iluminar las sombras. Las TV movies que analiza —todas ellas reales, todas ellas emitidas en su tiempo, todas ellas parte del tejido televisivo norteamericano— no son las más celebradas, no son las más citadas, no son las que hicieron historia de manera estruendosa. Pero precisamente en esa condición marginal reside su potencial. El libro se convierte así en una arqueología del miedo televisivo; un viaje al subsuelo de un archivo que, aunque olvidado por el gran público, ayudó a moldear la sensibilidad del género en la televisión estadounidense. A través de estas obras discretas, modestas y en muchos casos completamente olvidadas, Dr. Insermini reconstruye otro retrato posible del terror americano de los setenta: más íntimo, más cotidiano, más inquietante. Lo que aquí se rescata no es solamente un conjunto de películas, sino un clima emocional, un modo de mirar, un tipo particular de miedo que se difundía en millones de hogares en la era pre-VHS y que hoy, sin dedicación, se perdería para siempre.

Sorprende y se agradece que las películas tratadas en el  libro son, en su mayoría, títulos pocos conocidos, incluso para aficionados al terror de los 70. No están entre las producciones más célebres del ABC Movie of the Week, lo que no es casual: esta selección responde claramente a un propósito del autor. 

Las TV movies del índice del libro son, en su mayoría, títulos menos conocidos. Aunque algunas tienen cierto culto (Don’t Be Afraid of the Dark, Bad Ronald, Killdozer), la mayoría no forman parte del canon televisivo del periodo. No son ni las más recordadas, ni las más citadas, ni las que generaron mayor impacto cultural. Dr. Insermini arma su libro precisamente con un corpus alternativo, compuesto por thrillers psicológicos discretos, dramas televisivos tensos pero modestos, episodios experimentales y películas que tuvieron audiencias importantes en su día pero no sobrevivieron al imaginario popular. Esto convierte  American Nightmares  en una especie de arqueología del terror televisivo.

Entre los grandes éxitos del ABC Movie of the Week —los hitos culturales que el público general sí recuerda— se encuentran El diablo sobre ruedas (1971), la más célebre de todas, un telefilm de Steven Spielberg sobre un camión sin conductor que persigue a un hombre por la carretera; The Night Stalker (1972), el mayor éxito de audiencia en la historia de la TV movie de ABC, origen de la saga de Kolchak; The Night Strangler (1973), su secuela igualmente popular; Trilogy of Terror (1975), antología con Karen Black cuyo segmento final sobre la muñeca zulú es un icono absoluto del miedo televisivo. Ninguno de estos títulos aparece en el libro; el autor evita abordar producciones que podrían haber tenido protagonismo en otras obras.

La ausencia de estos grandes éxitos revela la intención profunda del autor:  American Nightmares  no intenta reiterar lo que ya pertenece al canon. Intenta construir otro canon, uno invisibilizado. El autor se enfoca en TV movies que rara vez se analizan, que no suelen figurar en retrospectivas, que casi no aparecen editadas en formatos domésticos y que fueron devoradas por producciones más contundentes. Su trabajo es casi curatorial, como quien rescata bobinas polvorientas de un archivo perdido. Además, quiere mostrar la diversidad del terror televisivo: si solo hablara de El diablo sobre ruedas , The Night Stalker y Trilogy of Terror, el libro sería predecible, una repetición de las mismas obras maestras comentadas siempre. En cambio, su selección revela la variedad tonal y temática del Movie of the Week: paranoia doméstica, miedos íntimos, conflictos sociales, amenazas silenciosas, tensiones familiares. Estas películas muestran otra cara del terror, menos espectacular y más cotidiano.

El autor también busca rescatar el clima de los setenta, no solo sus hits. Las TV movies menos conocidas son mejores para sentir la atmósfera real de la televisión estadounidense: producción rápida, limitaciones de tiempo, creatividad en los márgenes, historias centradas en personas comunes y terrores pequeños pero intensos. El libro se ocupa de la textura del miedo, no solo de sus grandes monumentos. Hay también una intención personal y sentimental: en su blog, el autor indica que selecciona obras que marcaron su formación cinéfila específica. Los clásicos ya están establecidos; él quiere hablar de sus propios fantasmas televisivos.

La tesis del libro puede resumirse así:  el terror televisivo de los 70 no se compone solo de los grandes éxitos. También está formado por docenas de películas olvidadas, discretas, extraordinarias en su rareza y en su manera de explorar los miedos cotidianos. Recuperarlas es recuperar una época completa.  El libro reivindica la importancia cultural, la creatividad narrativa, la audacia formal y la capacidad de generar inquietud de TV movies que no sobrevivieron a la memoria popular, pero merecen hacerlo.

El gesto que realiza American Nightmares es profundamente significativo porque no se limita a analizar una selección de telefilms: rescata una forma de mirar, una manera de consumir ficción y una sensibilidad cultural que pertenecen a un momento irrepetible de la televisión. En los años setenta, antes de la multiplicación de canales, antes del vídeo doméstico, antes de la obsesión por el archivo, la TV movie era un acontecimiento semanal. Cada hogar americano la esperaba como un ritual. Esa condición efímera, casi frágil, hace que muchas de estas obras hayan quedado relegadas a la memoria borrosa, perdidas entre emisiones únicas o copias deterioradas. Lo que Insermini propone es que el olvido no equivale a irrelevancia: detrás de cada una de esas películas hay una fractura cultural, un temor latente, un reflejo sincero de las angustias sociales del momento.

En este sentido, la apuesta del autor es doble. Por un lado, devuelve visibilidad a títulos que nunca aspiraron a convertirse en clásicos, pero que contienen claves fundamentales para entender la década. Por otro, reformula la historia del terror televisivo desde sus márgenes, construyendo un mapa más complejo, más honesto y más cercano a las condiciones reales de producción y consumo de aquella época. Frente a la tendencia habitual a reducir la memoria de un periodo a tres o cuatro éxitos ineludibles, American Nightmares abre el campo, diversifica la mirada y revela un ecosistema mucho más rico de lo que el presente suele recordar.

Las películas analizadas comparten algo que las distingue del canon oficial: todas se sitúan en un territorio intermedio, entre la artesanía televisiva y la exploración emocional. No necesitan grandes efectos, ni estrellas de primera línea, ni directores consagrados. Lo que ofrecen es algo más íntimo: un miedo pegado a lo cotidiano, al pasillo oscuro de la casa, al teléfono que suena a deshora, al vecino que oculta algo, al extraño que llama a la puerta, al adolescente perturbado, al marido que no es quien dice ser, al clima que se vuelve amenaza. Son terrores que nacen de la vida diaria y por eso mismo resultan tan duraderos. La fuerza de estas TV movies reside en su proximidad a la experiencia común del espectador. Son pesadillas que ocurren en el mismo lugar donde se ven: el hogar.

El libro reúne   cerca de cuarenta telefilmes  , cada uno de ellos presentado mediante   fichas individuales   que combinan sinopsis, contexto de producción, comentarios críticos y abundante material gráfico. Esta estructura permite al lector adentrarse en cada obra de manera autónoma, reconstruyendo no solo su argumento, sino también su lugar dentro del panorama televisivo de la época. Las fichas funcionan como pequeñas monografías que permiten descubrir o redescubrir títulos muy diversos, desde thrillers psicológicos hasta experimentos sobrenaturales, todos ellos tratados con el mismo rigor y sensibilidad cinéfila.

Esa es la clave última del libro: American Nightmares no es un catálogo de rarezas, ni una colección de curiosidades televisivas. Es un ejercicio de memoria emocional. Es un intento de reconstruir cómo se sentía el miedo en una época marcada por tensiones sociales, cambios culturales abruptos, desconfianza institucional y un mundo doméstico que ya no ofrecía la seguridad que prometía. Insermini entiende que la TV movie es un termómetro cultural perfecto: barata, rápida, flexible, capaz de reaccionar a los miedos colectivos con una inmediatez que el cine industrial no podía permitirse. En su aparente modestia reside precisamente su capacidad de capturar el espíritu de un tiempo.

Y así, al iluminar estas películas ocultas, el libro no solo recupera historias olvidadas: rescata también al espectador que fuimos, o que pudo haber sido; un espectador que encendía el televisor sin saber qué pesadilla le aguardaría esa noche, qué nuevo miedo cotidiano iba a instalarse en su imaginación. Las obras famosas ya tienen su lugar asegurado en la historia. Las que American Nightmares trae de vuelta, en cambio, vivían en un limbo, en un silencio injusto, esperando que alguien las nombrara de nuevo. El autor lo hace con una mezcla de rigor, memoria afectiva y pasión por el género. Y al hacerlo, ensancha el horizonte del terror televisivo y nos recuerda que la verdadera historia del miedo también se escribe en los márgenes, en las grietas, en los títulos que casi nadie recuerda pero que dicen más que muchos éxitos inmortales.

Al cerrar este recorrido por las sombras televisivas de los años setenta, queda claro que American Nightmares no es simplemente un estudio sobre un puñado de TV movies perdidas: es un acto de justicia cultural. Al rescatar estas obras que nunca gozaron del brillo del canon, el autor recompone un mosaico mucho más complejo, auténtico y revelador del miedo americano. En estas películas discretas —a veces desparejas, siempre fascinantes— late una verdad emocional que el éxito a menudo opaca: el terror cotidiano, íntimo, doméstico, que brota en los rincones más comunes de la experiencia humana. En sus presupuestos limitados y su frágil existencia televisiva reside su potencia: fueron creadas deprisa, olvidadas rápido, pero tocaron ansiedades profundas que siguen vigentes. Al devolverlas al presente, el libro no solo ilumina un archivo relegado, sino que también reivindica la sensibilidad de una época y de un tipo de espectador que confiaba en la televisión para confrontar, sin saberlo, sus propios fantasmas. Así, American Nightmares demuestra que la historia del terror no se escribe solo con los grandes éxitos, sino también —y a veces sobre todo— con esas pequeñas pesadillas que se deslizan silenciosas entre las grietas de la memoria y que hoy, gracias a este rescate, vuelven a respirar.

En la primera parte, dedicada a los terrores femeninos, se reúnen varios telefilmes centrados en mujeres acosadas o envueltas en situaciones de peligro psicológico, un patrón muy característico de las TV movies de los años setenta. Night of Terror (1972), dirigida por Jeannot Szwarc y protagonizada por Martin Balsam y Catherine Burns, presenta la historia de una joven perseguida en un entorno doméstico que se convierte en una trampa, un ejemplo típico del suspense televisivo de la época. En The Victim (1972), de Herschel Daugherty, Elizabeth Montgomery —famosa por Bewitched— interpreta a una mujer que visita a su hermana y sospecha que ha sido asesinada, dando pie a un thriller opresivo donde la atmósfera juega un papel esencial. Daugherty repite también en She Cried Murder (1973), donde Lynda Day George encarna a una mujer que presencia un asesinato perpetrado por un policía, lo que la sitúa en la clásica posición de la testigo ignorada que lucha por ser creída. The Desperate Woman (1971), dirigida por John Newland y protagonizada por Sally Struthers y Darren McGavin, desarrolla el drama de una mujer que huye tras descubrir un engaño que pone su vida en riesgo. Por su parte, Snatched (1973), de Sutton Roley, con Howard Duff y Leslie Nielsen, aborda un secuestro con tintes de thriller urbano. En Someone Touched Me (1975), John Llewellyn Moxey combina elementos religiosos y paranormales en una historia encabezada por Cloris Leachman donde la aparición de signos misteriosos redefine el destino de sus personajes. Finalmente, Don’t Be Afraid of the Dark (1973), también de John Newland y protagonizada por Kim Darby y Jim Hutton, se ha convertido en una de las TV movies más influyentes: una mujer acosada por criaturas escondidas en una vieja casa que personifican miedos domésticos profundamente arraigados.

La segunda parte, dedicada a los terrores masculinos, explora situaciones donde hombres se enfrentan a peligros que ponen a prueba su identidad o su estabilidad. In Broad Daylight (1971), dirigida por Robert Day y con Richard Boone y Stella Stevens, narra el retorcido plan de un actor ciego que intenta ejecutar el crimen perfecto. En Deliver Us From Evil (1973), Boris Sagal dirige a George Kennedy y Jan-Michael Vincent en una historia de supervivencia en la que un grupo de escaladores es asaltado por exconvictos en plena montaña. Planet Earth (1974), dirigida por Marc Daniels y concebida por Gene Roddenberry, presenta a John Saxon en un futuro postapocalíptico que funciona como proto-Star Trek, explorando sociedades alternativas y conflictos de ciencia ficción. Por otro lado, The Stranger Within (1974), de Lee Philips y protagonizada por Barbara Eden, juega con el tema inquietante del embarazo imposible, insinuando la intervención de fuerzas extraterrestres. The Morning After (1974), dirigida por Richard T. Heffron e interpretada por un sorprendente Dick Van Dyke en un papel dramático, gira en torno a un alcohólico que despierta sin memoria y se ve acusado de un asesinato, combinando crimen y drama psicológico. Cierra esta sección The Last Child (1971), de John Llewellyn Moxey, con Michael Cole y Cloris Leachman, un relato distópico donde el gobierno impone una estricta política de hijo único, adelantándose con inquietante precisión a debates futuros sobre control demográfico.

La tercera parte, titulada “Contra los elementos”, reúne títulos donde los protagonistas deben enfrentarse a entornos hostiles, ya sean naturales, psicológicos o sociales. Heatwave! (1974), de Jerry Jameson y con Ben Murphy, retrata el peligro creciente de una ola de calor extrema que pone en jaque a una familia y refleja el auge de las películas de desastres de la década. A Little Game (1971), dirigida por Paul Wendkos y con Diane Baker, presenta a un niño que podría estar causando de forma deliberada accidentes fatales, configurando un thriller psicológico inquietante. En All the Kind Strangers (1974), de Burt Kennedy, Stacy Keach y Samantha Eggar se ven atrapados por un grupo de niños huérfanos que secuestran adultos con la intención de reconstruir una “familia perfecta”, combinando terror rural y manipulación emocional. Terror on the Beach (1973), también de Paul Wendkos y protagonizada por Dennis Weaver, muestra a una familia acosada por jóvenes violentos mientras acampan, una variación televisiva de la tensión entre turistas y grupos marginales propia del cine de supervivencia. Finalmente, Bad Ronald (1974), dirigido por Buzz Kulik y con Scott Jacoby, es una de las TV movies más célebres: tras cometer un crimen, un adolescente es ocultado por su madre dentro de las paredes de la casa, desde donde desarrolla una existencia siniestra que se desata cuando nuevos inquilinos se mudan al hogar.

También es importante resaltar que la obra merece reconocimiento precisamente por ser un producto autoeditado, nacido de la pasión del autor por rescatar un fragmento olvidado de la historia audiovisual sin el respaldo de una gran editorial. Esta independencia le permite perseguir un objetivo puramente cinéfilo: reivindicar películas que no buscan la validación del mercado, sino la recuperación afectiva de un territorio cultural relegado. Al no estar sometido a las exigencias comerciales habituales, el autor puede centrarse en títulos poco tratados, arriesgar en la selección y dedicar tiempo a obras que, de otro modo, seguirían invisibles para el gran público.

Por otro lado hay que destacar la originalidad del proyecto que se manifiesta en su cuidado diseño apaisado de Eduardo Pelegrín y una decisión estética que otorga un 75 % del protagonismo a la imagen frente al texto. Esta apuesta visual no es un simple adorno, sino una herramienta narrativa: al privilegiar fotogramas de las tv movies, el libro crea una experiencia inmersiva que devuelve al lector al clima televisivo de los setenta. Cada página funciona como una ventana al pasado, evocando la textura, el color y la atmósfera de esas producciones concebidas para la pantalla doméstica. La lectura se convierte así en un acto visual y emocional que potencia la comprensión histórica del fenómeno.

El tema que aborda es igualmente digno de elogio, pues se trata de un territorio prácticamente inexplorado en la bibliografía en español. Las TV movies, pese a su enorme influencia cultural y a su papel esencial en la formación de imaginarios colectivos, rara vez han recibido un análisis riguroso en nuestra lengua. Este libro viene a cubrir precisamente ese vacío, otorgando dignidad crítica a un tipo de producción que siempre quedó en los márgenes del canon, y permitiendo que el lector descubra su riqueza estética, narrativa y sociológica.

El hecho de que esta publicación sea de 2019 la convierte en un referente reciente y muy útil para los cinéfagos, pues despierta curiosidad y fomenta la búsqueda de muchos de los títulos mencionados. La obra funciona como una guía o un mapa: un lector interesado puede, gracias a estas páginas, rastrear copias, descubrir películas olvidadas y sumergirse en un archivo televisivo que hasta ahora permanecía disperso u oculto. El libro no solo informa: abre caminos, despierta el deseo de ver y fomenta la preservación.

Conviene señalar, además, que American Nightmares se inscribe en una línea bibliográfica tan minoritaria como esencial. Junto con Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981 (Tonio L. Alarcón, 2017), constituye una de las primeras aproximaciones serias y sistemáticas a las TV movies en español. Ambas obras, distintas en tono y propósito pero complementarias, representan un esfuerzo pionero por legitimar un territorio cultural que había permanecido ignorado. Su existencia demuestra que, por fin, las TV movies son tratadas con el respeto crítico que merecen y que su estudio ya no se limita al ámbito anglosajón. American Nightmares, por tanto, no solo destaca por su forma y su independencia, sino también porque contribuye a fundar una bibliografía que antes no existía.

Bajo el seudónimo de DR. INSERMINI se esconde Juan Dos Ramos, un creador apasionado por el cine y la literatura. Nacido en 1973, vivió la euforia del cortometraje antes de la era digital, participando y dirigiendo numerosos cortos que, aunque ahora considera parte de un sueño, reflejan su amor por el cine underground. También ha escrito guiones de largometraje de terror, que permanecen inéditos, y desarrolla  un proyecto editorial propio, Cinefilia Pop, con el que busca acercar al lector a la experiencia cinematográfica de manera fresca, original  y directa. Su labor editorial combina un diseño meticuloso y un equilibrio armonioso entre texto e imagen, reflejando su sensibilidad estética y su intención de rendir homenaje a autores y películas que considera imprescindibles, como las obras dedicadas a Richard Matheson y Gánsters Maricas. Su enfoque creativo mezcla pasión, profesionalismo y un espíritu independiente que atraviesa todas sus facetas artísticas.

Más sobre el autor:

https://doctorinsermini.wordpress.com/

https://www.instagram.com/cinefiliapop/

Comprar los libros del autor: 

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Más sobre el libro: 

https://www.ivoox.com/american-nightmares-audios-mp3_rf_45408531_1.html  

NOVEDAD DE EDITORIAL EFE EME:"MALDITOS, HETERODOXOS Y ALUCINADOS"

 

Malditos, heterodoxos y alucinados

 Javier Memba 

Esta es la historia del «otro cine», el de los márgenes que apasiona a las minorías cinéfilas, el de los actores y realizadores malditos, que Javier Memba ordenada cronológicamente introduciéndonos en sus vidas y obras. Una crónica del lado oscuro del cine.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Efe Eme

Fecha de publicación ‏ : ‎ 30 junio 2025

Edición ‏ : ‎ N.º 1

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 544 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 8495749815

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8495749819

Peso del producto ‏ : ‎ 590 g

Dimensiones ‏ : ‎ 4 x 140 x 210 cm

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https://tienda.efeeme.com/libros/997-javier-memba-malditos-heterodoxos-alucinados.html

NOVEDAD DE LOOK EDITORIAL: "EL TRIÁNGULO DEL TERROR"

 

El triangulo del terror 

Jöse Sénder 

LOS TRES JINETES DEL APOCALIPSIS Stephen King, Edgar Allan Poe y H. P. Lovecraft. El terror explicado a través de sus tres grandes arquitectos. Ningún género narrativo ha evolucionado tanto a lo largo de la historia como el terror, que se adapta a los tiempos como un inmortal vampiro. Grandes figuras lo han encumbrado, clásicos atemporales para llenar enciclopedias. Sin embargo, existen tres autores cuyas contribuciones cambiaron el terreno de juego de formas nunca vistas y, sobre todo, que se influyeron entre sí de un modo indisoluble. Edgar Allan Poe, que se centró por primera vez en explorar la psique humana. H. P. Lovecraft, que hizo evolucionar la narrativa psicológica de Poe y planteó la filosofía del cosmicismo. Stephen King, que admiraba los horrores innombrables de Lovecraft y nos los trajo a un mundo a pie de calle. Tres formas de narrar muy propias, que impactaron a la sociedad, engendrando legiones de imitadores, suscitando un sinfín de adaptaciones audiovisuales. Tres autores que se retroalimentan, que no podrían existir unos sin los otros. Aquí descubrirás cómo y por qué se convirtieron en leyendas. • It: el trauma infantil como fuente de inspiración. • La llamada de Cthulhu: el miedo a saber demasiado. • La caída de la casa Usher: la obsesión por la pérdida. • Christine: el terror en lo prosaico. • En las montañas de la locura: el pánico a lo inabarcable. • La máscara de la muerte roja: las garras de la peste. TRES MAESTROS, TRES VISIONES, UN MISMO LEGADO DE HORROR. DESCUBRE CÓMO EDGAR ALLAN POE, H. P. LOVECRAFT Y STEPHEN KING SE CONVIRTIERON EN LEYENDAS.

Descripción del producto

Críticas

¿Alguna vez te has preguntado por qué ciertos autores son considerados los puntales del terror? Vamos a conocer a tres escritores cuyas formas de narrar calaron como la más terca lluvia en la sociedad y las artes literarias. Tres autores que se conectan entre sí de formas que no sospechas. ¿Qué hay en sus vidas y obras capaz de unirlos a través de los siglos?

En el siglo xix, Edgar Allan Poe se hartó de las historias de terror que predominaban, centradas en una ambientación efectista. Decidió que ya era hora de buscar el miedo allá donde nace: en la psique de los seres humanos. Su pluma nos trajo obras como “William Wilson”, “Berenice” o “El cuervo”.

Cien años después, el mayor fan de Poe contribuiría como nadie a la ficción macabra: H. P. Lovecraft. Comprendió que lo que vemos jamás asustará tanto como lo que no, que el verdadero pavor se adhiere a lo inabarcable, lo que escapa a la razón. Nos imbuyó de magia narrativa con “El morador de las tinieblas”, “Los gatos de Ulthar” o “La sombra sobre Innsmouth”.

En Maine, Stephen King se tomó muy en serio los horrores de Lovecraft y quiso traerlos a escenarios cotidianos, donde su presencia es realmente intrusiva, mucho más angustiosa que cuando están en otras dimensiones. Nos regalaría maravillas como “Los chicos del maíz”, “Cementerio de animales” o “El resplandor”.

Cubre con una tela tu retrato ovalado, encierra en el desván al color que vino del espacio y apaga el motor de ese coche asesino de los años cincuenta. Es hora de adentrarte en el mundo de tres maestros —tres dementes, tal vez— que cimentaron el horror literario como las tres patas de un monstruo alienígena. ES HORA DE CONOCER AL TRIÁNGULO DEL TERROR.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Redbook

Fecha de publicación ‏ : ‎ 27 octubre 2025

Edición ‏ : ‎ Edición estándar

Idioma ‏ : ‎ Castellano

Longitud de impresión ‏ : ‎ 224 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 8410459256

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8410459250

Peso del producto ‏ : ‎ 570 g

Dimensiones ‏ : ‎ 1.3 x 17 x 24 cm

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RESEÑA DE "BRIAN DE PALMA: EL MAGO DE LA IMÁGEN" DE LOTO AZUL

 

RESEÑA DE "BRIAN DE PALMA: EL MAGO DE LA IMÁGEN" DE LOTO AZUL

En el panorama de estudios cinematográficos dedicados a Brian De Palma, es imprescindible reivindicar su figura cada cierto tiempo con trabajos que vayan más allá de la biografía clásica. “Brian De Palma: el mago de la imagen”, publicado por Loto Azul en 2024 y escrito por Alejandro Lorente, responde a esa necesidad. Este libro no se limita a narrar su carrera, sino que realiza un profundo examen de su gramática visual: el director es analizado como un auténtico artista de la cámara, un mago que construye sus mundos con travelling, encuadres audaces, juegos de espejos y homenajes a gigantes como Hitchcock, Kubrick o Buñuel. Lorente contextualiza su obra dentro del Nuevo Hollywood, explora sus motivaciones técnicas y temáticas, y demuestra cómo su cine sigue dialogando con las grandes corrientes del séptimo arte. Con claridad, pasión y conocimiento, este estudio reivindica de forma muy actual la relevancia de De Palma, explorando tanto sus éxitos como sus decepciones, y mostrando cómo su legado visual continúa inspirando a nuevas generaciones.

En Brian De Palma: el mago de la imagen, Alejandro Lorente construye una de las aproximaciones más completas y cohesionadas que se han escrito en España sobre la figura del cineasta. El libro parte de una premisa clara: para entender realmente la magnitud de De Palma dentro del cine contemporáneo es necesario combinar teoría, análisis fílmico, documentación de rodaje y una lectura histórica que explique no solo cómo filma, sino por qué filma así. Lorente propone, desde el inicio, un mapa crítico que une las obsesiones temáticas del director ,la mirada, el doble, la vigilancia, la violencia como espectáculo, con sus innovaciones formales y su relación con el legado cinematográfico.

El autor abre el volumen con una detallada reconstrucción del “ecosistema De Palma”, explicando cómo la obra del cineasta se levanta sobre una profunda reflexión acerca de la percepción. Para Lorente, películas como Carrie, La furia, Vestida para matar , Impacto no son simplemente ejercicios de suspense, sino auténticos laboratorios donde la imagen se fragmenta, se multiplica, se distorsiona y se vuelve inestable, obligando al espectador a cuestionar sus propios mecanismos de visión. Esa “pedagogía de la mirada”, como la llama el autor, convierte al director en un verdadero manipulador sensorial capaz de coreografiar la experiencia del espectador plano a plano.

A lo largo del libro, Lorente recorre con minuciosidad el arsenal formal del que se sirve De Palma: el uso extremo del split diopter, los travellings coreografiados, los planos secuencia que funcionan como trampas visuales, el montaje contrapuntístico y la creación de set-pieces que se comportan como auténticas mini-óperas. Cada técnica aparece analizada tanto en su dimensión estética como en la psicológica, destacando la manera en que el cineasta utiliza el artificio para exponer la fragilidad de la percepción y la potencia del engaño cinematográfico.

El libro también dedica amplios apartados a explorar el universo temático del director: el voyeurismo como motor narrativo, la presencia insistente del doble, la relación entre cuerpo y peligro, y la violencia entendida no como simple shock, sino como dispositivo de representación. Lorente evita los clichés habituales que han perseguido al cineasta ,especialmente los debates sobre misoginia o gratuidad de la violencia, y propone lecturas matizadas donde la imagen siempre es un espacio problemático, autorreflexivo y construido para provocar fricción crítica.

La publicación hace un recorrido por el universo de cineastas que se relacionan con su obra: tanto los que le precedieron en la renovación del lenguaje cinematográfico, tales como Stanley Kubrick, Sam Peckinpah o Roman Polanski como sus maestros y referentes entre los que incluye a Howard Hawks, Billy Wilder, Luis Buñuel o Jean-Luc Godard.

Uno de los capítulos más reveladores es el dedicado a las genealogías de influencia. Lorente reconstruye con precisión quirúrgica el linaje visual y conceptual que antecede a De Palma, señalando la importancia decisiva de Alfred Hitchcock, pero mostrando cómo el cineasta reescribe ese legado desde un prisma profundamente moderno: desmonta, exagera, ironiza y reconfigura los mecanismos del suspense. También subraya resonancias con el experimentalismo europeo, el cine americano de autor y la tradición de la sátira política, que atraviesa películas como Hi, Mom! o Casualties of War.

El resultado final es una obra ambiciosa y rigurosa que combina análisis meticuloso con una escritura accesible y apasionada. Brian De Palma: el mago de la imagen se convierte así en un libro imprescindible para estudiantes de cine, investigadores, programadores y amantes de la puesta en escena virtuosa. Lorente no solo recupera y clarifica el lugar de De Palma dentro del canon, sino que ofrece nuevas herramientas para interpretar su cine desde la mirada contemporánea, demostrando que la filmografía del director sigue siendo un territorio eléctrico, complejo y plenamente vigente.

El libro continúa con un repaso a la generación a la que De Palma pertenece por edad y contexto, un grupo heterogéneo donde figuran Friedkin, Bogdanovich, Cimino, Malick y un Carpenter difícil de encasillar por su condición de francotirador creativo. A este retrato generacional le sigue el círculo más íntimo del Nuevo Hollywood: Lucas, Spielberg, Scorsese, Coppola y otros compañeros de aventuras que compartían rodajes, montajes, amistades, rivalidades y hasta repartos.

Una vez establecido su entorno, Lorente dirige el foco hacia el propio De Palma, aplicando el mismo método: una introducción que recoge temas recurrentes, sus hallazgos técnicos, sus aciertos, sus tropiezos y, por supuesto, la gigantesca sombra de Hitchcock. El libro señala cómo la deuda con el maestro del suspense atraviesa buena parte de su filmografía, ya sea en forma de homenajes, apropiaciones o reinterpretaciones creativas.

Pero Lorente insiste en que la cinefilia de De Palma no se agota en Hitchcock. Su mirada también absorbe enseñanzas de Hawks, Welles, Godard, Wilder, Antonioni y, de manera especialmente significativa, de Buñuel. La influencia del director aragonés, afirma, crece de forma notable en la etapa más reciente del cineasta estadounidense, cuando levantar proyectos se vuelve un desafío y los elementos surrealistas y difusos entre realidad y ensoñación ganan protagonismo. En este capítulo explica no solo qué tomó De Palma de ellos, sino cómo los reelabora, evitando caer en la etiqueta reduccionista de “imitador hitchcockiano”.

En uno de sus aportes más valiosos, el libro rastrea la huella que Brian De Palma ha dejado en generaciones posteriores, documentando cómo cineastas contemporáneos , desde autores de culto hasta directores de gran visibilidad mediática ,  han incorporado elementos de su gramática visual: la liturgia del travelling controlado, los clímax construidos mediante montaje paralelo, el uso del artificio como declaración estética y la reivindicación del cine como territorio de exceso. Lorente muestra que este legado se mantiene más fértil que nunca y que su influencia no se limita a resonancias abstractas, sino que ha permeado de forma concreta en creadores muy diversos, como Paco Plaza, Rodrigo Cortés, Quentin Tarantino, los hermanos Coen o Paul Thomas Anderson, que han hecho suyas la estilización extrema, la cámara concebida como mente en tensión, la fragmentación perceptiva y el fetichismo del punto de vista. El autor concluye que, gracias a esta expansión continua, De Palma se ha consolidado como un auténtico “director de directores”.

En este capítulo se analiza la versatilidad del cineasta, lejos del cliché del “director de thrillers”. Lorente explica cómo De Palma se mueve con naturalidad entre el thriller psicológico, el terror de resonancias metafísicas, el cine bélico de crítica moral, el melodrama trágico, la sátira grotesca, el noir de estilo barroco, el cine político y conspiranoico, la comedia desatada de sus primeros años, el thriller erótico de raíz europea e incluso el gran espectáculo de acción mainstream ejemplificado por Misión: Imposible. Más que saltar de un género a otro, el autor sostiene que De Palma los pliega y mezcla hasta crear híbridos profundamente personales, donde la forma visual reconfigura siempre lo que podría parecer convencional.

Uno de los capítulos más destacados de la obra, y sin duda el que la diferencia de la mayoría de libros dedicados a Brian De Palma, es el extenso estudio de veinte páginas dedicado a la planificación de la cámara. Aquí Lorente analiza con minuciosidad el aparato formal depalmiano: el uso estructural de la pantalla partida, el split diopter como herramienta narrativa, la cámara lenta para intensificar el fatalismo, los travellings circulares que introducen la sensación de vigilancia, los planos secuencia que alteran la percepción del tiempo, así como encadenados y zooms que reproducen estados mentales alterados. También aborda la cámara subjetiva como prolongación psicológica del personaje, el sonido como extensión de la mirada, la luz como marcador de duplicidades morales y el montaje paralelo como engranaje de tensión progresiva. Todo ello se expone mediante ejemplos, esquemas y comparaciones técnicas que convierten este capítulo en la sección más académica y reveladora del libro, una auténtica aportación original al estudio del cine de De Palma.

Lorente no concibe el libro para ser leído de un tirón. Su estructura responde a un planteamiento académico: primero una panorámica general sobre el director, y después una especie de guía de consulta para acompañar el visionado de cada película.  De tal forma que el libro ofrece un recorrido exhaustivo por toda la filmografía de Brian De Palma, atendiendo siempre a los títulos con los que cada obra se estrenó en España y dedicando a cada una un análisis que combina contexto histórico, recepción crítica y lectura visual. Lorente examina desde sus primeros trabajos ,Murder a la Mod (1968), Saludos (1968) y Hola, mamá (1970), hasta las obras que consolidaron su sello autoral, como Hermanas (1973), El fantasma del paraíso (1974), Fascinación (1976) o Vestida para matar (1980). Títulos clave como Carrie (1976), El precio del poder (1983) y Atrapado por su pasado (1993) reciben capítulos ampliados, de entre cuatro y cinco páginas, por su relevancia artística y comercial. El recorrido continúa con La Furia (1978), Impacto (1981), Doble cuerpo (1984), Los intocables de Eliot Ness (1987), Corazones de hierro (1989) y En nombre de Caín (1992), para luego adentrarse en su etapa más internacional con Misión: Imposible (1996), Ojos de serpiente (1998) y Misión a Marte (2000). Finalmente, el estudio aborda sus trabajos del siglo XXI ,Femme Fatale (2002), La Dalia Negra (2006), Redacted (2007), Passion (2012) y Domino (2019), completando así una panorámica crítica y detallada de más de cinco décadas de creación cinematográfica.

Con todo, la aportación más valiosa del libro reside en el estudio que Lorente realiza sobre la sintaxis cinematográfica de De Palma: su uso singular de las herramientas audiovisuales, su manera de transformar los textos literarios en imágenes y su habilidad para convertir cada decisión de puesta en escena en una pieza fundamental del relato. Es ahí, en esa lectura profunda del estilo, donde el autor ofrece su contribución más sólida y reveladora al estudio del cineasta.

El libro dedica un capítulo completo a repasar los premios, nominaciones y reconocimientos que Brian De Palma ha acumulado a lo largo de su carrera, desde candidaturas a los Oscar, Globos de Oro o BAFTA hasta su paso por festivales internacionales y la obtención de galardones honoríficos. Lorente analiza también cómo ha evolucionado la recepción crítica de su obra, marcada durante décadas por la división entre el entusiasmo de la cinefilia y el recelo de parte de la crítica institucional, así como su progresiva revalorización en el ámbito académico y entre nuevas generaciones de espectadores.

Otro apartado reúne la bibliografía esencial para acercarse al universo depalmiano. En él se incluyen los estudios académicos más relevantes, los principales libros monográficos dedicados a su figura, entrevistas imprescindibles para comprender su proceso creativo, ensayos sobre el contexto del Nuevo Hollywood y un conjunto de fuentes primarias y publicaciones especializadas que permiten al lector profundizar en los debates formales y temáticos de su filmografía.

La obra se completa con una sección de veinte páginas de fotografías a todo color que funciona como un auténtico álbum visual. En ella se reproducen fotogramas restaurados y material de rodaje que capturan algunas de sus composiciones más emblemáticas, planos secuencia célebres, usos de la pantalla partida, localizaciones icónicas y escenas que han alcanzado la categoría de culto, ofreciendo un complemento gráfico que realza y celebra la potencia estética del cine de De Palma.

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RESEÑA DE "STAR WARS: ENCICLOPEDIA (2025)" DE DK

 

RESEÑA DE "STAR WARS: ENCICLOPEDIA (2025)" DE DK

Desde su estreno en 1977, Star Wars se ha consolidado como un fenómeno cultural y cinematográfico de alcance mundial. Lo que comenzó como una épica aventura en una galaxia lejana, muy lejana, pronto se expandió más allá de las pantallas para convertirse en un universo rico en personajes, planetas, naves y conflictos que han capturado la imaginación de varias generaciones. Cada nueva película, serie o libro no solo amplía la narrativa, sino que también consolida a Star Wars como un referente imprescindible de la cultura popular, capaz de emocionar y fascinar tanto a los nuevos aficionados como a los fans que crecieron con la trilogía original.

En este contexto, el libro Star Wars: La Enciclopedia (2025) editado recientemente por DK se presenta como una obra fundamental para adentrarse en la vastedad del universo Star Wars. Más allá de recopilar información, esta enciclopedia ofrece un compendio detallado de personajes, criaturas, naves, localizaciones y tecnología, integrando tanto la saga cinematográfica como el canon expandido: cómics, series animadas y live-action, videojuegos y novelas recientes. Para los aficionados, representa una guía completa que permite entender cómo se interconectan las historias y cómo han evolucionado los elementos del canon a lo largo de los años.

Además, Star Wars: La Enciclopedia se convierte en una herramienta esencial para los fans que, tras disfrutar de la trilogía original, perdieron contacto con la saga. La obra permite descubrir nuevas series, cómics o libros que amplían el universo, introducen personajes secundarios o revelan detalles antes desconocidos. Cada entrada no solo informa, sino que también despierta curiosidad, invitando a explorar más allá de lo ya visto y a redescubrir la riqueza de la galaxia, desde los Jedi hasta los mundos más remotos y las criaturas más extraordinarias.

Finalmente, esta enciclopedia funciona como un puente entre generaciones de aficionados y fans, ofreciendo a los nuevos lectores el contexto necesario para comprender la saga mientras redescubren los detalles que los veteranos podrían haber pasado por alto. Con un enfoque visual impresionante y un contenido actualizado hasta 2024, Star Wars: La Enciclopedia se posiciona como una obra imprescindible para quienes desean sumergirse plenamente en la complejidad y la magia de este universo que ha fascinado al mundo durante más de cuatro décadas.

La edición 2025 de Star Wars. La enciclopedia de DK constituye un esfuerzo colosal por condensar más de cuarenta años de historias de la galaxia en un solo volumen de 450 páginas. Con más de 2.200 entradas, este libro recoge no solo los elementos clásicos de las películas originales y la trilogía precuela, sino también series animadas, videojuegos y cómics recientes, incluyendo The Mandalorian, El libro de Boba Fett, Andor, The Acolyte, Star Wars: Resistance y Young Jedi Adventures. Esto convierte a la obra en un recurso indispensable para todo tipo de fan, aunque su organización basada en el orden de primera aparición, en lugar de alfabética, puede resultar inicialmente desconcertante para quienes buscan información rápida y directa.

Uno de los aspectos más sobresalientes de esta enciclopedia es su presentación visual. Cada personaje, criatura, nave y localización cuenta con ilustraciones de alta calidad que combinan imágenes de acción real, arte conceptual de series y cómics, y retratos originales que ayudan a comprender mejor la apariencia y el contexto de cada elemento. Por ejemplo, Anakin Skywalker aparece en sus diversas versiones: como joven Jedi, caballero durante la Guerra de los Clones y finalmente como Darth Vader, con todos los cambios en su armadura, vestimenta y postura reflejando su evolución narrativa. De igual manera, incluso los personajes secundarios, como los distintos droides o aquellos de relevancia mínima que solo han aparecido en una serie, película o libro específico, cuentan con retratos que los sitúan claramente dentro de la galaxia, lo que ayuda a evitar la confusión que a veces surge en los medios audiovisuales al presentar una gran cantidad de personajes de manera rápida.

                                         

Los personajes se organizan en secciones que incluyen especie, afiliación y un resumen biográfico. Los héroes principales, como Luke Skywalker, Leia Organa, Rey y Obi-Wan Kenobi, reciben páginas completas con citas y resúmenes de su trayectoria, mientras que los personajes secundarios tienen entradas más breves, pero acompañadas de ilustraciones y datos clave que permiten contextualizarlos. Además, Star Wars: La Enciclopedia (2025) incorpora personajes de series recientes y videojuegos, como Grogu, Bo-Katan Kryze, Ahsoka Tano y Vess, junto a antagonistas menos conocidos provenientes de cómics y material del canon más reciente de la era post-Disney. Este enfoque ofrece una representación amplia y actualizada del universo Star Wars, permitiendo a los lectores no solo reconocer a los personajes, sino también comprender sus roles, relaciones y relevancia dentro de los distintos arcos narrativos, enriqueciendo así la experiencia y el conocimiento del vasto canon.

Las localizaciones están igualmente bien desarrolladas, con más de 275 entradas que detallan región, sector, sistema y terreno, acompañadas de información histórica y cultural. Clásicos como Tatooine, Hoth, Mustafar y Endor se presentan junto a escenarios recientes, como Mandalore, Nevarro o el planeta de The Acolyte. Por ejemplo, el Castillo de Darth Vader en Mustafar no solo se describe como un escenario imponente, sino también en relación con su significado histórico y su influencia en los eventos de las películas y series. Asimismo, “El Mundo Entre Mundos” se detalla como un espacio místico que permite a los personajes interactuar con distintas líneas temporales, ampliando la comprensión de la narrativa y el contexto de la saga.

La sección de criaturas abarca más de 100 especies, proporcionando datos sobre tamaño, hábitat, mundo natal y características especiales. Desde los imponentes rancors y rathtars hasta los adorables porgs y los míticos Mythosaur de The Mandalorian, cada entrada ofrece información que ayuda a imaginar cómo estas criaturas interactúan con personajes y escenarios. La enciclopedia incluso incluye especies menos conocidas de series recientes, demostrando un esfuerzo por abarcar toda la galaxia y no solo los elementos más populares del cine. Además, cada criatura está ilustrada, lo que facilita la visualización de sus características físicas y comportamientos, algo especialmente útil para los fans más jóvenes o para quienes consultan el libro como referencia.           

                                

La sección de naves y vehículos, con más de 275 entradas, ofrece información sobre fabricante, modelo y tipo, acompañada de ilustraciones que muestran el aspecto físico de cada nave. Iconos como el Millennium Falcon, los X-Wings de Luke y Poe, el Naboo N-1 Starfighter, el TIE Fighter y el U-Wing se presentan junto a naves de Star Wars: Resistance, como los X-Wings de la Resistencia o la Outrider. Cada entrada contextualiza las naves dentro de la narrativa, explicando su función y relación con los personajes. Por ejemplo, la Outrider se presenta en detalle con sus armas y capacidad de transporte, mientras que las naves de apoyo en Resistance se describen junto con sus pilotos, conectando la tecnología con la historia.

La sección de tecnología detalla armas, armaduras y dispositivos icónicos, como sables de luz, blásters y armaduras de beskar. Los sables de luz se describen con sus colores, diseño y historia de uso, incluyendo ejemplos de personajes como Rey, Ahsoka Tano, y Darth Maul. Las armaduras Mandalorianas, especialmente las de Din Djarin y Bo-Katan, se presentan con explicaciones sobre su composición, procedencia y función. Este nivel de detalle permite comprender no solo cómo se usan estos objetos, sino también su relevancia narrativa y simbólica dentro de la saga.

Un punto fuerte de esta enciclopedia es su actualización con contenido reciente. Personajes de The Mandalorian, El libro de Boba Fett, Andor, The Acolyte, y Outlaws aparecen junto a los clásicos, ofreciendo una visión completa y coherente de la galaxia. La obra permite ver cómo los eventos recientes conectan con la historia clásica, por ejemplo, detallando cómo los acontecimientos de The Mandalorian afectan a Mandalore, el destino de Grogu, o la influencia de personajes como Moff Gideon. Este enfoque convierte la enciclopedia en un recurso valioso para fans que desean mantenerse al día con las nuevas producciones.

La organización visual y editorial facilita la lectura y consulta. Las dobles páginas dedicadas a personajes, criaturas, naves y localizaciones combinan texto e ilustraciones, con tipografía clara y fondos contrastantes que mejoran la legibilidad. Los cuadros de información resumida, citas y comparaciones visuales permiten consultas rápidas, y las imágenes hacen que la obra sea atractiva tanto para el estudio como para el disfrute estético. Los mapas de localizaciones y diagramas de naves facilitan la comprensión espacial y técnica, mientras que las secciones de tecnología permiten seguir la evolución de armamentos y vehículos a lo largo de la saga.

                               

En cuanto a utilidad, esta enciclopedia se adapta a distintos perfiles de lector. Los nuevos fans obtienen una introducción clara y visualmente atractiva al universo, mientras que los veteranos pueden conectar arcos narrativos y descubrir detalles sobre personajes y naves secundarios. Además, sirve como referencia para creadores de contenido, ilustradores y coleccionistas que necesitan información precisa y visual sobre los elementos del canon. La inclusión de ilustraciones para casi todos los personajes y objetos facilita la identificación y la referencia, algo que no siempre estaba presente en ediciones anteriores.

La edición 2025 de Star Wars: La Enciclopedia se diferencia notablemente de las versiones anteriores de 2015 y 2019 por su actualización exhaustiva del canon y su extensión. Con más de 2 200 entradas, esta versión integra información de películas, series de televisión, libros, cómics y videojuegos recientes, incluyendo producciones post‑Disney, lo que permite una cobertura mucho más amplia del universo Star Wars. A diferencia de las enciclopedias previas, que mezclaban material del canon clásico y el universo Legends, esta edición se centra en el canon oficial actual, ofreciendo descripciones detalladas de personajes, criaturas, localizaciones, vehículos y tecnologías, así como nuevas incorporaciones que reflejan la expansión de la saga en múltiples medios.

Además, esta enciclopedia destaca por su presentación visual y diseño editorial, combinando texto claro con ilustraciones de alta calidad que abarcan tanto producciones clásicas como recientes, facilitando la comprensión de la galaxia a los lectores. Su estrecha colaboración con Lucasfilm garantiza información oficial y precisa, y su formato actualizado permite no solo identificar a los personajes y lugares, sino también comprender sus roles, relaciones y relevancia dentro de distintos arcos narrativos. En conjunto, la edición 2025 ofrece una guía moderna, completa y visualmente atractiva, consolidándose como una referencia indispensable para aficionados y fans del universo Star Wars.

En resumen, la edición 2025 de Star Wars. La enciclopedia de DK es un recurso monumental que combina exhaustividad, actualización, fidelidad al canon y excelencia visual. Aunque algunos puedan preferir una organización alfabética o más espacio para ciertos personajes o naves, el balance general entre contenido, diseño y accesibilidad la convierte en una obra indispensable. Sirve tanto como libro de consulta como objeto de colección, permitiendo explorar la galaxia de Star Wars desde múltiples perspectivas y conectando décadas de historias, personajes y medios en un solo volumen. Este libro no solo celebra la riqueza del universo Star Wars, sino que invita a los fans a descubrir, redescubrir y disfrutar de la galaxia en toda su amplitud.

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NOVEDAD DE DOLMEN EDITORIAL:"PACK - MUNDO MIYAZAKI"

 

PACK - MUNDO MIYAZAKI 

Susan Napier (Autor), Elena Gil Escudier (Autor)

¡Descubre todos los secretos del universo del Mundo Mizayaki! En estos dos volúmenes podréis encontrar un extenso y completísimo análisis de la filmografía de Hayao Miyazaki y todas las claves para entender su modo de ver la animación, la industria y, en definitiva, su universo cinematográfico. Descubre decenas de anécdotas, imágenes y materiales, hasta ahora desconocidos, acerca del creador del Studio Ghibli.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FZC7TMLQ

Editorial ‏ : ‎ Plan B Publicaciones, S.L.

Fecha de publicación ‏ : ‎ 13 noviembre 2025

Edición ‏ : ‎ N.º 1

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 300 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-1387689902

Peso del producto ‏ : ‎ 1,89 kg

Dimensiones ‏ : ‎ 17 x 2 x 24 cm

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PRÓXIMA NOVEDAD DE APPLEHEAD TEAM CREACIONES: "PERDÓNAME POR SER JOVEN: LA BIBLIA DE LA COMEDIA ADOLESCENTE AMERICANA (1978-1990)"

 

PERDÓNAME POR SER JOVEN: LA BIBLIA DE LA COMEDIA ADOLESCENTE AMERICANA (1978-1990)

De Pablo Vázquez

Completísimo estudio, único a nivel mundial, de un género maldito, querido y odiado a partes iguales, pero grabado a fuego en la memoria colectiva de toda una generación: la comedia juvenil norteamericana. El autor estudia las raíces de un fenómeno que enmarca entre el éxito de la salvaje Desmadre a la americana de John Landis y el estreno de la irónica y posmoderna Escuela de jóvenes asesinos de Michael Lehmann, que abre la senda a una segunda edad dorada del género a finales de los años 90 del siglo pasado. Para ello, repasa la figura del adolescente desde el cine mudo, recorriendo el universo de los college films, el rock and roll, las películas de delincuentes juveniles, la cultura hippie, las beach party movies, las películas live action de Disney y el cine sexploitation, hasta finales de los 70. A partir de ahí, Vázquez disecciona, con humor, perspicacia y rigurosidad, las distintas vertientes del género, de las películas de campamentos a las comedias playeras, del cine de John Hughes a las películas del Brat Pack, rescatando del olvido a directores como Rafal Zielinski, Chuck Vincent, Savage Steve Holland, Floyd Mutrux o Mel Damski, y analizando a fondo fenómenos como los de Porky’s, Aquel excitante curso, la saga Polo de limón, La revancha de los novatos, Risky Business o comedias románticas adolescentes que continúan siendo un referente en la actualidad, como No puedes comprar mi amor o Juegos de amor en la universidad.

El volumen se propone, además, desmontar dos falsos mitos asociados al género, tanto en sus modalidades románticas como en las más gamberras y sexuales: la falta de preocupaciones sociales y la ausencia de perspectivas femeninas, estudiando, a este respecto, los casos de varias cineastas que cultivaron la comedia estudiantil en la década, como Martha Coolidge, Penelope Spheeris o Amy Heckerling. Para ello, el autor cuenta con el apoyo de los testimonios personales de cineastas como Óscar Aibar, David Galán Galindo, David Marqués, Carlota Pereda, Norberto Ramos del Val, Jimina Sabadú, Manuel Sanabria, Santiago Segura o Nacho Vigalondo; guionistas como Diego San José; escritoras expertas en cultura popular como Diana Aller, Beatriz Cepeda o Ana Elena Pena, y críticos, novelistas y ensayistas como Popy Blasco, Mar Corrales, Borja Crespo, Iñaki Domínguez, Fausto Fernández, Hernán Migoya, Laura Pérez, Víctor Olid, Jesús Palacios o Diego Salgado.

Un viaje alucinante a través de institutos y universidades, fraternidades y fiestas descontroladas que disecciona un tipo de cine tan mítico, rompedor e inolvidable como impensable en las coordenadas actuales.

https://appleheadteam.com/producto/perdoname-por-ser-joven-la-biblia-de-la-comedia-adolescente-americana-1978-1990/