RESEÑA DE "RETROFANTÁSTICO: PERSPECTIVAS DE UN PASADO IMAGINADO" DE CINESTESIA

 

RESEÑA DE "RETROFANTÁSTICO: PERSPECTIVAS DE UA PASADO IMAGINADO"

Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado es una publicación colectiva que recoge los resultados de investigación del IV Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías, celebrado en Elche en noviembre de 2021. Coordinado y editado por Mario-Paul Martínez Fabre, Fran Mateu y Miguel Herrero Herrero, y publicado por la editorial Cinestesia, el libro se presenta como un espacio académico de referencia para el estudio del género fantástico y sus múltiples manifestaciones culturales y mediáticas.

Es especialmente relevante destacar que este libro no surge de manera aislada, sino que es producto de una iniciativa pionera: la creación de un congreso internacional por parte del Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX, un festival que ha sabido articular desde 2018 un espacio académico propio dentro de su programación. Cada edición del Congreso no solo fomenta la investigación sobre cine fantástico y nuevas tecnologías, sino que también genera un libro anual que recopila las ponencias y contribuciones más significativas, consolidando un legado editorial único en España en torno al estudio académico del género fantástico y sus múltiples plataformas.

La obra surge de un congreso internacional que combinó modalidades presencial y online, contando con la participación de 34 investigadores de instituciones académicas de China, Francia, Portugal, Ecuador y España, entre otras. El libro refleja el carácter interdisciplinar del evento, en el que convergen estudios de cine, televisión, literatura, cómic, videojuegos, realidad virtual, artes plásticas, sociología y metodologías de enseñanza.

En particular, Retrofantástico centra su atención en la línea temática de lo retrofantástico, entendida como la exploración de imaginarios pasados a través de diversas plataformas culturales y tecnológicas. Los ensayos incluidos analizan cómo elementos del pasado se reinterpretan en la cultura contemporánea, abarcando desde la narrativa audiovisual y los videojuegos hasta la publicidad y la historiografía, ofreciendo un enfoque amplio y diverso sobre cómo el pasado imaginado configura nuestra comprensión del presente y del futuro.

La publicación combina rigor académico con una perspectiva abierta y plural, reflejando tanto la investigación teórica como las aplicaciones prácticas del género fantástico. Asimismo, constituye un testimonio del carácter internacional y colaborativo del Congreso, mostrando la vitalidad de los estudios sobre cultura retrofantástica y su capacidad para dialogar con disciplinas variadas y metodologías innovadoras.

Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado es, en definitiva, una obra de referencia para investigadores, docentes y aficionados al género fantástico, que consolida el papel de Cinestesia y del Grupo de Investigación Massiva en la difusión de estudios culturales sobre cine, medios audiovisuales y nuevas tecnologías.

El libro reúne 22 capítulos escritos por investigadores nacionales e internacionales, abarcando cine, literatura, videojuegos, animación, videoclip, artes plásticas y otras expresiones culturales. Su objetivo es analizar cómo la estética y la narrativa retro, desde el posmodernismo, reconfiguran el pasado para proyectar imaginarios futuros. La obra se puede organizar en tres grandes bloques temáticos: retro-apropiaciones y retrofuturismo, retrogaming y videojuegos fantásticos, y lo retro en cine y narrativa audiovisual.

La primera sección del libro se centra en las retro-apropiaciones y el retrofuturismo, estableciendo los fundamentos teóricos y conceptuales que atraviesan toda la obra. Jeffrey Andrew Weinstock abre el volumen con Cartas de amor desde el futuro: el desguace sublime, donde introduce el concepto de salvagepunk, un subgénero postapocalíptico en el que la recuperación y el reciclaje de materiales se convierten en metáfora de resiliencia, supervivencia y crítica al capitalismo contemporáneo. Elizabeth Guffey, en De lo retro a lo steampunk y más allá, analiza cómo la estética steampunk y la filosofía DIY (hazlo tú mismo) obligan a reconsiderar la relación entre cuerpo, tecnología y rebeldía, conectando la nostalgia industrial con la proyección de futuros imaginados. Johanna Caplliure, con Arabofuturismo. Mundos por venir, futuros pasados posibles y ficciones desde el worlding, amplía la perspectiva hacia el mundo árabe, explorando narrativas audiovisuales de autores contemporáneos que construyen futuros posibles desde imaginarios culturales diversos, demostrando que el retrofuturismo no es exclusivamente occidental. Marta Piñol Lloret, en De la Beast People a las Beasties, estudia cómo la trilogía de Scott Westerfeld incorpora genética y Darwinismo en mundos alternativos, estableciendo un diálogo entre ciencia y ficción bajo una estética retrofantástica. Olivia Dorado, con Estructuración de una ‘tecnoestética’ de las herramientas digitales en la película fantástica, analiza cómo ciertos elementos visuales perduran en el tiempo y cómo la combinación de tecnología y nostalgia permite construir universos cinematográficos coherentes y reconocibles. Raúl Fortes-Guerrero, en Retrofuturismo y steampunk en el cine de Hayao Miyazaki, aborda el cine del director japonés como un ejemplo de romanticismo de las máquinas, donde la nostalgia industrial se entrelaza con la evolución emocional de los personajes, proyectando un futuro poético y humanizado.

En el bloque dedicado a lo retro en cine clásico y narrativa audiovisual, los autores profundizan en cómo lo retro se materializa en la imagen y la narrativa. Mónica Sánchez Tierraseca, en Imágenes desde el futuro, examina la adaptación cinematográfica de El hombre ilustrado de Ray Bradbury, mostrando cómo los elementos visuales trasladan el retrofuturismo literario a la pantalla. Daniel Pérez-Pamies, en Reminiscencias de un futuro improbable: Premonitions Following an Evil Deed, estudia el cortometraje de David Lynch, destacando la tensión entre pasado y futuro y la construcción de lo extraño como eje de lo retrofantástico. Juan Agustín Mancebo Roca analiza el cine de Karel Zeman, evidenciando cómo sus mundos fantásticos incorporan códigos visuales del pasado mediante técnicas tradicionales y narrativas innovadoras. Anna Tarragó Mussons y Juan José Caballero Molina, con Nostalgia mainstream: Stranger Things, estudian la serie como ejemplo de retrofantástico popular, explicando cómo la nostalgia estética y narrativa permite conectar generaciones de espectadores mediante iconografía y referencias culturales de los años 70 y 80. Germán Piqueras Arona, en Historias para poder pensar, analiza la obra de Narciso Ibáñez Serrador, mostrando cómo lo retro funciona como recurso crítico y reflexivo sobre la sociedad y la historia reciente. Marina Díaz-Caneja Alepuz y Amparo Alepuz Rostoll examinan la obra de Eduardo Casanova, destacando cómo la combinación de lo retro y lo fantástico estructura su poética audiovisual desde cortometrajes hasta videoclips, integrando técnicas contemporáneas en un diálogo posmoderno con el pasado. João Luís Nunes Serra de Almeida, en Cambiar las precondiciones de la propia existencia, analiza Regreso al Futuro, explorando la dimensión ontológica del viaje temporal y la posibilidad de intervenir en la propia historia, entre nostalgia, fantasía y crítica social de los años ochenta. Sergio Luna, en Fuego engendra nieve, estudia el morphing digital pionero de Willow, mostrando cómo la innovación tecnológica contribuye a la construcción de la estética retrofuturista del cine fantástico de la época. Finalmente, Marta Miquel-Baldellou, con Dualidades, dobles y espejos: Agnosia de Eugenio Mira, demuestra cómo los recursos del romance gótico y la narrativa decimonónica se reconfiguran en el cine contemporáneo, generando metáforas visuales y sensoriales que reinterpretan lo fantástico desde la posmodernidad.

El libro dedica un apartado completo al retrogaming y los videojuegos fantásticos, destacando cómo el retrofuturismo se expresa en la cultura digital y lúdica. Juan Pablo Montalvo Valencia, con En búsqueda del retrogaming del futuro, analiza la preservación de videojuegos antiguos y la construcción de una memoria colectiva activa por parte de la comunidad de jugadores. José Luis Maravall Llagaria, en El videojuego retro como objeto de estudio, clasifica las aproximaciones al pixel art en tres tipos: autolimitación creativa, recurso estético y reinterpretación consciente de la tradición digital. Juan Vela Bermejo, en La (des)actualización del videojuego fantástico, estudia remakes y demakes en Final Fantasy VII, reflexionando sobre la obsolescencia tecnológica y la reescritura del pasado digital. Raúl Gisbert Cantó amplía el análisis en La combinación del concepto retro y steampunk medieval en Final Fantasy IX, aplicando un enfoque semiótico para desentrañar la construcción visual y narrativa del juego. Francisco Cuéllar Santiago, con Polybius, una leyenda creepypasta, explora la creación de mitos y leyendas urbanas vinculadas a videojuegos, evidenciando la interacción entre retro, fantasía y memoria colectiva digital. Isabelle-Rachel Casta, en Consola y consuelo, analiza el uso del retrogaming en la serie Ozark, mostrando cómo el videojuego actúa como dispositivo narrativo, nostálgico y simbólico dentro de la ficción.

Finalmente, la obra se abre a arte, música y prácticas transversales, destacando cómo lo retrofantástico se manifiesta más allá del cine y los videojuegos. Sílvia Catarina Pereira Diogo, en El tableau vivant huele a retrofuturism, estudia la figura de Élisabeth en Les Enfants Terribles, demostrando cómo se convierte en referente recurrente de la heroína retrofantástica en adaptaciones audiovisuales y musicales. Estos capítulos evidencian que lo retro no se limita a la nostalgia, sino que se configura como un instrumento crítico y creativo para repensar la historia, la tecnología y la ficción desde una mirada posmoderna.

En conclusión, Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado ofrece un mapa exhaustivo y heterogéneo del retrofantástico, mostrando cómo la posmodernidad resignifica el pasado para proyectar futuros posibles. La obra demuestra la interacción entre nostalgia, ironía y reinterpretación a través de cine, literatura, videojuegos, música y artes visuales, consolidándose como una referencia esencial para académicos, investigadores y aficionados del género fantástico que buscan comprender cómo lo pasado inspira, provoca y moldea lo que está por venir. Cada capítulo aporta una pieza de este complejo puzzle, articulando una visión integrada del retro como fenómeno cultural, crítico y creativo.

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NOVEDAD DE FESTER: "GERMANÍACOS: EL MEJOR ULTRA-GORE ALEMÁN"

 

Germaníacos: El mejor ultra-gore alemán

Manolito Motosierra 

A finales de los años 80, un grupo de cineastas alemanes revolucionó el terror con el nacimiento del "ultra-gore". A través de figuras clave como Jörg Buttgereit, Olaf Ittenbach y Andreas Schnaas, el cine alemán llevó el gore a un nivel extremo, explorando lo más oscuro de la violencia y el sufrimiento humano. Películas como "Nekromantik" y "Violent Shit" no solo desafiaron los límites de la moralidad, sino que también crearon una estética única de horror visceral y perturbador. Esta corriente cinematográfica no solo transformó el cine de terror, sino que dejó una marca indeleble en la cultura del cine

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FYVXF9PV

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 31 octubre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 152 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8272434180

Peso del producto ‏ : ‎ 213 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 17 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 0.89 x 22.86 cm

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RESEÑA DE "EL SUPERHÉROE DE LAS MIL CARAS" DE ERRATA NATURAE

 

RESEÑA DE "EL SUPERHÉROE DE LAS MIL CARAS" DE ERRATA NATURAE

En El superhéroe de las mil caras, Enric Ros se aproxima al territorio de los superhéroes desde una posición poco habitual: la de un lector apasionado que no renuncia a la distancia crítica ni a la libertad ensayística. El punto de partida del libro es claro y ambicioso: estas figuras no pueden reducirse a simples mercancías del entretenimiento, sino que constituyen un sistema mítico contemporáneo plenamente activo, heredero de los relatos fundacionales de la cultura occidental. En sus páginas, el cómic aparece como un laboratorio simbólico donde se condensan conflictos psicológicos, tensiones políticas y dilemas morales propios de la modernidad, reivindicado no como objeto menor, sino como un espacio narrativo legítimo para pensar la realidad contemporánea.

La apertura del ensayo, articulada en torno a la noción de arrebato —entendida como experiencia estética intensa y transformadora— establece desde el inicio una poética del entusiasmo reflexivo. Para Ros, escribir sobre cómics implica recuperar el impacto de aquellas primeras lecturas que operaron como detonantes de sentido y de imaginación. El libro surge en un tiempo de suspensión colectiva, marcado por la pandemia, pero evita el repliegue confesional para convertir ese paréntesis histórico en una ocasión propicia para la reflexión cultural. Los cómics de la infancia y la adolescencia no se presentan como fetiches nostálgicos, sino como umbrales simbólicos desde los que se configuran mitologías íntimas y compartidas.

El desarrollo del libro adopta una estructura deliberadamente no lineal, acorde con la lógica expansiva del propio género superheroico. Ros construye una lectura rizomática que dialoga con la mitología comparada, el psicoanálisis, la filosofía y la historia cultural sin someterse a un aparato teórico rígido. El texto transita con naturalidad por distintas épocas, autores y tradiciones —desde los pioneros del cómic hasta sus reformulaciones contemporáneas— para mostrar cómo los superhéroes reactualizan figuras arquetípicas como el dios caído, el doble, el monstruo, el mesías o el excluido. El resultado es la cartografía de un Gran Relato fragmentario pero coherente, sostenido por décadas de narración colectiva.

Uno de los núcleos más fértiles del ensayo es su aproximación psicológica al superhéroe como figura sintomática. Ros analiza cómo la culpa, el trauma, la pulsión de muerte o la violencia estructuran muchas de las grandes sagas del género, convirtiendo a estos personajes en vehículos para procesar miedos sociales persistentes: la guerra, la amenaza nuclear, la marginación, el racismo o la alienación producida por el capitalismo. El superhéroe se revela así como una figura profundamente ambigua, atrapada entre la promesa de salvación y la imposibilidad de clausurar el conflicto que le da sentido.

A esta lectura se suma una atención sostenida a la dimensión política del género. El libro examina cómo la narrativa superheroica ha dialogado históricamente con el poder, oscilando entre la propaganda ideológica y la crítica del sistema. Desde los discursos patrióticos más explícitos hasta las relecturas autorreflexivas y subversivas, Ros muestra que el cómic ha sabido absorber tanto impulsos conservadores como fuerzas de disidencia. Esta capacidad de contradicción lo convierte en un espejo especialmente elocuente de las ambigüedades de la cultura de masas en el capitalismo tardío.

Otro de los grandes aciertos del ensayo es su defensa del cómic como arte híbrido, voraz y sin complejos. Las narrativas superheroicas se nutren indistintamente de mitologías clásicas, literatura gótica, pulp, cine, arte pop, vanguardia y cultura underground, sin establecer jerarquías entre lo culto y lo popular. Ros rehúye conscientemente cualquier tentativa de canon cerrado o de exhaustividad académica; su escritura se permite el rodeo, la digresión y el descubrimiento fortuito, invitando al lector a recorrer el archivo infinito del cómic como un territorio de exploración simbólica.

El propio título del libro, en diálogo irónico con la obra de Joseph Campbell, condensa bien esta postura. Más que aplicar mecánicamente el esquema del monomito al superhéroe, Ros se interesa por mostrar su fragmentación, multiplicación y constante reescritura en la cultura contemporánea. El superhéroe ya no responde a un trayecto único y cerrado, sino a una proliferación de relatos que reflejan una época saturada de imágenes, remakes y universos compartidos. En este sentido, el libro trasciende el análisis del cómic para convertirse en una reflexión más amplia sobre la persistencia —y la mutación— del mito en el presente.

Durante décadas, el cómic de superhéroes estuvo marcado por un prejuicio cultural que lo relegó a un consumo vergonzante, tolerado solo bajo la coartada de formatos considerados más nobles. El superhéroe de las mil caras desmonta ese complejo de inferioridad con argumentos sólidos y una mirada histórica amplia. El libro afirma que el cómic no es una distracción menor, sino una vía plenamente válida de acceso al pensamiento simbólico y a la imaginación mitológica, en continuidad directa con los grandes relatos clásicos que han estructurado la cultura occidental.

Desde esta óptica, el superhéroe se presenta como una proyección psicológica del sujeto contemporáneo: una figura que canaliza la frustración, el miedo y el deseo de orden en un mundo percibido como inestable y desbordado. Esta lectura se entrelaza con un análisis crítico de la evolución industrial del medio, que ha pasado de ser un producto popular y accesible a convertirse en un objeto de consumo elitista, marcado por ediciones de lujo y una lógica fetichista. Ros no idealiza ni condena este proceso, sino que señala la tensión entre el arrebato lector originario y la apropiación adulta del cómic como mercancía cultural.

Uno de los ejes conceptuales más potentes del libro es la reivindicación del mito como entidad impura, mestiza y en perpetua transformación. Frente a la obsesión moderna por la autoría y la pureza cultural, el ensayo defiende la reescritura, la contradicción y la traición como fuerzas creativas fundamentales. Los superhéroes, como los héroes homéricos, no pertenecen a una sola voz ni a una única época, sino que se configuran como entidades narrativas atravesadas por sensibilidades múltiples. En un tiempo en el que los grandes relatos tradicionales han perdido su autoridad, estas figuras adquieren una renovada centralidad simbólica como respuesta imaginaria al vacío de sentido.

El libro propone además una sugerente lectura del imaginario superheroico como una forma de teología laica. Los universos de Marvel y DC no sustituyen simplemente a los antiguos panteones, sino que los expanden en estructuras narrativas cada vez más complejas. Entidades abstractas que encarnan fuerzas como el tiempo, el juicio o la destrucción revelan una persistente necesidad de representar lo absoluto. En este cosmos pop, lo sagrado ya no adopta formas antropomórficas, sino conceptuales, y la metafísica se expresa mediante iconografía popular.

Ros también presta atención a la dimensión material e histórica del cómic, recordando las condiciones precarias de su producción y recepción durante buena parte del siglo XX. La censura, la precariedad editorial y el desprecio institucional deformaron muchas obras, relegándolas a ediciones defectuosas y lecturas fragmentarias. Frente a ello, el libro recupera una memoria material del medio que permite entender tanto su marginación histórica como su posterior revalorización estética y cultural.

Otro aspecto central del ensayo es la reivindicación del cómic como arte visual en sentido pleno. Las grandes planchas de los autores clásicos, concebidas a menudo para una reproducción deficiente, encierran una riqueza compositiva y formal que solo el tiempo y las ediciones cuidadas han permitido apreciar. Ros subraya que, incluso cuando esos detalles resultaban invisibles para el lector original, formaban parte de una ética creativa donde el acto de dibujar conservaba un valor intrínseco más allá del mercado.

En este recorrido, ocupa un lugar destacado la figura del androide y del ser artificial como uno de los grandes mitos modernos. Personajes diseñados para obedecer o servir acaban desarrollando conciencia, afectos y dilemas morales que los sitúan en una posición ética paradójica frente a sus creadores. El libro muestra cómo el cómic anticipó debates actuales sobre inteligencia artificial, transhumanismo y subjetividad, convirtiendo a estos seres en espejos inquietantes de nuestras propias aspiraciones y temores.

Ros no olvida, finalmente, la dimensión generacional y afectiva del cómic de superhéroes. Estas historias han sido refugio, escuela emocional y espacio de pertenencia para lectores que durante años ocultaron esa pasión bajo el peso del desprecio cultural. El ensayo reconoce ese vínculo íntimo sin idealizarlo, integrándolo en una reflexión más amplia sobre memoria, identidad y legitimación simbólica. Leer superhéroes deja de ser un gesto privado para afirmarse como una forma legítima de conocimiento cultural.

En conjunto, El superhéroe de las mil caras se presenta como un ensayo heterodoxo, lúcido y profundamente disfrutable, que reivindica el valor intelectual y simbólico del cómic sin pedir permiso ni a la academia ni al mercado. Dirigido tanto a lectores veteranos como a exploradores culturales, el libro demuestra que, más allá de la sobreexplotación industrial del género, los superhéroes siguen albergando una potencia mítica capaz de interpelarnos y ayudarnos a pensar quiénes somos y por qué, incluso hoy, seguimos necesitando héroes.

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NOVEDAD DE FESTER:"THE HOOPER CHAINSAW MASSACRE"

The Hooper chainsaw massacre 

Manolito Motosierra

Este libro explora la visión única del director Tobe Hooper, uno de los cineastas más influyentes en el género del terror. Desde su obra maestra La masacre de Texas hasta sus experimentos televisivos con Salem's Lot, Hooper redefinió los límites del miedo y la violencia en la pantalla. A través de un análisis de sus películas más representativas, se examinan los temas recurrentes en su filmografía: la deshumanización, la amenaza invisible y la crítica a la sociedad americana. A lo largo de este recorrido, descubrimos cómo Hooper logró combinar lo grotesco y lo surreal para crear una estética singular, siendo un pionero en el uso de lo horroroso como vehículo de reflexión social. Un homenaje a su legado y a su influencia en el cine de terror contemporáneo.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G5PY31KM

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 8 diciembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 128 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8277928349

Peso del producto ‏ : ‎ 136 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 13 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.74 x 20.32 cm

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RESEÑA DE "LA METÁFORA ZOMBI EN EL CINE Y LA FICCIÓN TELEVISIVA" DE LA EDITORIAL UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA

Reseña del libro La metáfora zombi en el cine y la ficción televisiva, de Alberto Añón Lara

La colección Estudios de Cine de UCOPress de la universidad de Córdoba, nacida en 2016, tiene como finalidad publicar trabajos científicos sobre el séptimo arte, abordando tanto la historia, la teoría y el análisis del cine, como su relación con la filosofía. Su propósito principal es ofrecer a la comunidad universitaria textos que “trasluzcan su voluntad de ir un poco más allá, y ofrezcan una mirada distinta sobre los contenidos habituales de la cinematografía”, tal como destacó el jurado de los XXIV Premios Nacionales de Edición Universitaria al concederle el premio a la mejor colección en 2021. Las obras de esta colección, elaboradas con el máximo rigor académico, están dirigidas no solo a profesores y estudiantes universitarios, sino también a un público general interesado en el cine y sus relaciones con las artes y la filosofía. UCOPress, responsable de la publicación, cuenta además con otros títulos de gran interés en esta línea de estudio.

En 2023, UCOPress publicó "La metáfora zombi en el cine y la ficción televisiva", de Alberto Añón Lara, obra que surge del Trabajo de Fin de Máster del autor, "Aproximación a la metáfora zombi en el cine: de Halperin a Romero". Este origen académico aporta al libro un sólido rigor metodológico, que se refleja en la claridad y profundidad de su análisis.

La obra se acerca al fenómeno cultural del zombi y estudia cómo la naturaleza metafórica de esta criatura ha ido reformulándose desde sus primeras apariciones en el cine hasta las actuales series de televisión. Partiendo de una necesaria propuesta definitoria del personaje, Añón Lara realiza un análisis pormenorizado de las múltiples formas en que los zombis han sido utilizados para expresar críticas sociopolíticas. Temas como el racismo en la sociedad norteamericana, la homofobia, los problemas del hiperconsumismo capitalista o los efectos del patriarcado sobre la mujer encuentran espacio en esta obra, evidenciando la extraordinaria capacidad metafórica del muerto viviente.

Desde sus inicios, el cine de terror y sus monstruos han sabido reflejar los miedos y ansiedades sociales. Siguiendo esta línea, el libro plantea interrogantes sobre hasta qué punto el género funciona como espejo de los principales acontecimientos históricos que han marcado la sociedad en las últimas décadas. Así, los zombis no solo aparecen como elementos de entretenimiento, sino como metáforas culturales que permiten a los espectadores explorar y canalizar los terrores cotidianos de la vida diaria.

La metáfora zombi en el cine y la ficción televisiva combina rigor académico con accesibilidad, convirtiéndose en una referencia imprescindible para estudiosos del cine, la televisión y la narrativa audiovisual, así como para cualquier lector interesado en comprender la importancia y relevancia cultural del fenómeno zombi.

El libro propone un recorrido exhaustivo que va más allá de la simple caracterización del monstruo cinematográfico, abordando su evolución histórica, cultural y social. Desde la introducción se establece un marco conceptual que permite definir qué es un zombi y cómo ha sido construido como personaje, para luego trazar su origen antropológico y literario, con referencias a los relatos caribeños de The Magic Island y los primeros filmes como White Zombie. La obra analiza la consolidación del zombi haitiano y su transformación en icono cinematográfico, destacando cómo películas como I Walked with a Zombie consolidaron ciertas convenciones del género.

A partir de ahí, se adentra en los contextos sociopolíticos que dieron lugar al “primer zombi político” durante la Guerra Fría y el miedo atómico, y posteriormente examina el renacimiento del zombi de la mano de George A. Romero, cuya narrativa posmoderna y crítica social redefinió el cine de terror, explorando temas como la descomposición de la unidad familiar en Night of the Living Dead, el consumismo y la alienación en Dawn of the Dead, o la humanización del muerto viviente en Day of the Dead.

El texto también aborda innovaciones dentro de subgéneros como las comedias de zombis, que profundizan en la humanización del monstruo, y analiza cómo el cine de terror posterior al 11-S integró los miedos contemporáneos en la metáfora zombi. La obra dedica especial atención al papel de la televisión y las series, examinando la legitimación cultural de las ficciones zombis a través de narrativas transmedia y la participación activa de los fans. Se estudian adaptaciones televisivas que trasladan la metáfora del zombi a problemáticas contemporáneas, como la crítica a la homofobia en In the Flesh, los peligros de la telerrealidad en Dead Set, y la exploración de los temores sociopolíticos vinculados al auge de la extrema derecha europea en ZombieLars.

En conjunto, el libro combina análisis histórico, crítico y sociocultural, ofreciendo una perspectiva multidimensional sobre la figura del zombi, su simbología y su impacto en diferentes medios y contextos, consolidándose como una referencia imprescindible para estudios de cine, literatura y cultura popular contemporánea.

La obra de Alberto Añón Lara ofrece un exhaustivo recorrido por la evolución del zombi en la literatura y el cine, destacando su consolidación como icono cultural y metáfora social. Desde sus orígenes literarios en La isla mágica (1929) de William B. Seabrook, donde se describe por primera vez al zombi como un cuerpo sin alma vinculado al folclore haitiano y al vudú, hasta sus primeras manifestaciones cinematográficas en White Zombie (1932) y I Walked with a Zombie (1943), la obra analiza cómo estas primeras películas reflejan las tensiones raciales y coloniales de su época.

Gran parte del análisis del volumen se centra especialmente en la trilogía de George A. Romero —La noche de los muertos vivientes, Zombi y El día de los muertos—, considerada un punto de inflexión dentro del cine de terror y la narrativa zombi. Romero transforma al zombi en un instrumento metafórico capaz de criticar aspectos sociales y políticos de Estados Unidos, desde el racismo y el machismo hasta el consumismo y el militarismo. La obra explica cómo la interacción simbólica entre humanos y muertos vivientes, junto con la elección de escenarios significativos como la casa aislada o el centro comercial, contribuye a crear un discurso crítico profundo.

Además, el libro traza la influencia de Romero en la popularización del zombi en el cine posterior y la televisión, destacando cómo producciones contemporáneas como 28 Días Después (2002) o Zombies Party (2004) retoman su trasfondo crítico mientras expanden el género hacia nuevas audiencias. La obra combina un análisis histórico, cinematográfico y sociopolítico, apoyándose en fuentes primarias, guiones, estudios académicos y ensayos filosóficos, ofreciendo así una lectura completa sobre la figura del zombi como fenómeno cultural y político.

Una de las grandes virtudes del libro es su enfoque histórico y crítico: Añón Lara realiza un recorrido exhaustivo por los hitos fundamentales del cine zombi, desde White Zombie (Victor Halperin, 1932) y I Walked with a Zombie (Jacques Tourneur, 1943) hasta las películas de George A. Romero, como Night of the Living Dead (1968), Dawn of the Dead (1978) y Day of the Dead (1983). Este análisis permite comprender cómo la figura del zombi, inicialmente vinculada al folclore haitiano y a la literatura de William B. Seabrook, se transforma en un vehículo metafórico capaz de reflejar problemáticas sociales complejas, como el racismo, el patriarcado, la homofobia o los excesos del capitalismo de consumo.

El libro destaca especialmente por la atención prestada a Romero, considerado “padre simbólico” del zombi moderno. Añón Lara analiza la trilogía original de Romero no solo desde la perspectiva de la narrativa cinematográfica, sino también atendiendo a la riqueza simbólica de sus imágenes, la relación zombi-humano y la crítica social inherente en la disposición espacial y los escenarios de sus películas, como el centro comercial en Dawn of the Dead, símbolo del consumismo capitalista. Este enfoque permite al lector apreciar cómo Romero convirtió un subgénero estancado en una plataforma para la reflexión política y social, algo que otros estudios del zombi suelen pasar por alto.

Otro acierto de la obra es la integración de la evolución del zombi hacia la ficción televisiva contemporánea. Añón Lara propone una cuarta etapa en la historia del zombi, centrada en la expansión de los muertos vivientes en series y producciones televisivas a partir de 2002, con títulos como 28 Days Later (Danny Boyle, 2002) o Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004), que recuperan el trasfondo crítico del zombi romeriano y lo adaptan a un público masivo. Esta perspectiva abre nuevas líneas de estudio y distingue a la obra frente a otros análisis académicos, que suelen centrarse únicamente en el cine.

Además, el libro realiza una profunda revisión del origen literario del zombi, desde La isla mágica: Un viaje al corazón del vudú de Seabrook hasta su traslado al cine, identificando los elementos iconográficos y narrativos que se mantienen o se transforman en las primeras películas del género. Este análisis comparativo permite comprender cómo la representación del zombi evoluciona de un cuerpo sin alma ligado al vudú hacia un símbolo de crítica social.

Según la opinión de Alberto Añón Lara, más allá de su violencia explícita y su ruptura de tabúes, Night of the Living Dead funciona como un espejo de la desconfianza social y la paranoia colectiva que caracterizaban a Estados Unidos a finales de los años sesenta. Para Añón Lara, los zombis romerianos no son solo criaturas de horror, sino un recurso que permite revelar cómo el egoísmo, la sospecha y la incapacidad de colaborar son el verdadero antagonista, mucho más que los muertos vivientes mismos. El terror, en esta lectura, reside en lo cotidiano y en la fragilidad de los lazos humanos ante una crisis inminente.

Añón Lara también destaca que la película anticipa la forma en que el cine de terror postmoderno transforma el espacio doméstico y suburbano en un escenario de peligro constante. La casa en la que se refugian los personajes deja de ser un símbolo de protección y seguridad para convertirse en un microcosmos del colapso social: conflictos de autoridad, tensiones raciales y rupturas familiares se entrelazan con la amenaza zombi, construyendo una alegoría de la disolución del orden social. En este contexto, la invasión de los muertos vivientes sirve como excusa para mostrar los temores internos de la sociedad norteamericana, más que como un peligro externo estrictamente sobrenatural.

Finalmente, según Añón Lara, Romero inaugura con Night of the Living Dead un modelo de cine de terror en el que la tragedia no se limita a la muerte física, sino que refleja una degradación ética y moral de los personajes. La elección de un protagonista afroamericano, la confrontación constante con otros supervivientes y la imposibilidad de restaurar un orden seguro convierten la narrativa en un análisis crítico de la desigualdad, el racismo y la violencia estructural. En su opinión, la verdadera innovación de Romero radica en transformar el horror en un instrumento para la reflexión social, donde cada escena de amenaza externa ilumina los conflictos internos de la sociedad que la produce.

Según la opinión de Alberto Añón Lara, George A. Romero representa una figura clave en la consolidación del cine zombi contemporáneo. El autor señala que tanto el modelo narrativo establecido por Romero como su uso del zombi como elemento metafórico permiten realizar críticas a diversos aspectos de la sociedad estadounidense, consolidando un canon narrativo y temático que sigue vigente en el género.

Añón Lara también subraya la importancia de remontarse a los orígenes literarios y cinematográficos del zombi para comprender su evolución. Desde la concepción antropológica del zombi haitiano en la obra de William Seabrook hasta las primeras películas del género, el zombi ha funcionado como símbolo de tensiones socioculturales y coloniales. Sin embargo, Romero transforma esta figura: ya no es un simple instrumento de terror ligado a ritos exóticos, sino una metáfora utilizada para elaborar críticas de corte sociopolítico más profundas, accesibles a través de la cultura popular norteamericana.

De acuerdo con Añón Lara, la obra de Romero refleja los problemas sociales más relevantes de su tiempo, incluyendo el racismo, el consumismo y el totalitarismo, especialmente visibles en sus películas Night of the Living Dead, Dawn of the Dead y Day of the Dead. Además, su cine inaugura lo que se conoce como American Gothic o cine de terror postmoderno, donde la amenaza se traslada al entorno cotidiano estadounidense y los protagonistas son personas comunes que enfrentan situaciones extraordinarias.

Por último, Añón Lara concluye que la innovación de Romero no solo renovó la narrativa zombi, abandonando el modelo clásico haitiano, sino que también estableció un canon iconográfico y comportamental para el zombi contemporáneo. Gracias a él, el cine zombi actual y las ficciones televisivas derivadas serían impensables sin esta transformación, y se reconoce históricamente la importancia de un género que durante mucho tiempo fue denostado.

En definitiva, La metáfora zombi en el cine y la ficción televisiva combina rigor académico, claridad narrativa y un enfoque original que abarca cine y televisión, literatura y contexto sociopolítico. Se trata de un estudio imprescindible que ofrece un análisis completo del desarrollo histórico del zombi y aporta nuevas perspectivas sobre su función metafórica, evidenciando cómo esta criatura ha trascendido su origen literario y folklórico para convertirse en un icono global del terror y la crítica social, consolidándose como referencia para estudiosos del cine, la televisión y la cultura popular.

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NOVEDAD DE FESTER: "CREATURE FEATURE: EL CINE DE JOHN CARL BUECHLER"

 

Creature Feature: El cine de John Carl Buechler 

Manolito Motosierra 

Creature Feature es un homenaje al cineasta y artista de efectos especiales, John Carl Buechler, que marcó una era en el cine de terror de bajo presupuesto. El libro explora su ascenso desde sus inicios como diseñador de criaturas hasta convertirse en una de las figuras más influyentes del cine de horror de los 80 y 90. Con una mirada profunda a sus obras más icónicas, como Troll, Viernes 13 Parte VII y Ghoulies 3, el libro desvela los secretos detrás de sus legendarios efectos especiales y su enfoque innovador en la creación de monstruos. Además, ofrece una visión íntima de sus desafíos, pasiones y el legado perdurable de Buechler en la cultura del cine de terror. Desde su incursión como director hasta su impacto en la evolución de los efectos prácticos, esta obra revela cómo Buechler, con su talento y creatividad, definió una era del cine de serie B que aún perdura en el imaginario colectivo.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G64ZXT11

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 9 diciembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 102 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8278114710

Peso del producto ‏ : ‎ 109 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 13 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.58 x 20.32 cm

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RESEÑA DE "OBRAS COMPLETAS DE ROBERTSON" DE EDITORIAL CINESTESIA

                           

La fantasmagoría surgió entre los siglos XVII y XIX como un espectáculo pionero del cine y de las artes audiovisuales. Estos eventos, que alcanzaron gran popularidad en lugares como el convento abandonado de las Capuchinas en París en 1797, combinaban teatro, magia e ilusionismo para crear experiencias inmersivas. Su contexto histórico estuvo marcado por la Ilustración, la lucha entre la razón y la superstición, el declive de la Inquisición, la Revolución Francesa y las guerras napoleónicas. La época, caracterizada por la muerte, la destrucción y el romanticismo oscuro, proporcionó un marco ideal para el desarrollo de espectáculos que evocaban lo gótico, lo misterioso y lo sobrenatural, reflejando los temores y emociones del público.

La fantasmagoría no era simplemente un espectáculo visual; integraba técnicas ópticas avanzadas, como la linterna mágica y el fantascopio, que permitían proyectar imágenes pintadas a mano con movimiento sobre pantallas, humo o escenarios cuidadosamente diseñados. Además, se incorporaban actores en vivo, música y efectos sonoros, instrumentos especiales y autómatas. Todo esto generaba la ilusión de presenciar apariciones auténticas y creaba experiencias sensoriales que adelantaban conceptos que hoy asociamos con el cine 3D, el cine 4D, los escape rooms o los pasajes de terror inmersivos.

En este contexto, Gaspar Robertson (también conocido como Robertson) se destacó como un verdadero genio y precursor de la cinematografía moderna. Fue pintor, físico, inventor, escritor y mago, y dejó un manual único de fantasmagorías, que documenta técnicas, monólogos dramáticos y efectos de escena. Robertson rompió con la tradición de los magos que atribuían poderes sobrenaturales a sus actos, declarando abiertamente que lo que el público vería eran ilusiones. Esta honestidad y reflexión sobre el ilusionismo constituyen un precedente directo de la ética y la técnica de la magia moderna, y al mismo tiempo prefiguran el rol del cineasta como creador de mundos ficticios y experiencias controladas.

Los monólogos dramáticos de Robertson, que servían como preámbulo, epílogo y reflexión dentro de la obra, exploraban temas como la vida, la muerte y la frontera entre realidad y ficción. Esto constituye un antecedente del explicador en el cine mudo y demuestra su visión metacinematográfica: Robertson comprendía que el espectáculo no solo debía impresionar visualmente, sino también generar emociones y reflexiones en el público. Su integración de efectos ópticos, sonido, actuación y narrativa sitúa su trabajo como un eslabón clave entre la magia escénica y el cine moderno.

El legado de Robertson es fundamental para la historia de la cinematografía. Sus innovaciones técnicas y narrativas anticiparon elementos que hoy consideramos esenciales: proyección multiprojectores, efectos de volumen y movimiento, uso de la música y el sonido para intensificar la experiencia y creación de atmósferas inmersivas. Sin él, muchas de las técnicas de iluminación, montaje y efectos especiales que más tarde se consolidarían en el cine podrían no haber tenido un precedente tan sólido. Robertson no solo fue un mago y artista, sino también un visionario que sentó las bases de lo que siglos después se convertiría en el cine tal como lo conocemos.

La aparición de Obras completas de Robertson constituye un hito imprescindible dentro del estudio de los orígenes del cine fantástico y de los espectáculos ópticos que lo antecedieron. Por primera vez, se reúne en un solo tomo la totalidad de las memorias, escritos, correspondencia y documentos inéditos de Étienne‑Gaspard Robert, conocido en el mundo artístico como Robertson, uno de los creadores más influyentes y a la vez menos reconocidos de los albores de las artes audiovisuales. Esta edición, cuidadosamente preparada por Miguel Herrero Herrero, no solo recopila su obra completa, sino que la acompaña de un ensayo que profundiza en su biografía, sus ideas y sus viajes, incluyendo su estancia y presentaciones en España.

Robertson (1763–1837) fue un científico, mago, inventor y artista escénico que perfeccionó la fantasmagoría, un espectáculo de proyecciones visuales y sonoras que ofrecía experiencias de asombro y terror al público de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX. Sus funciones combinaban óptica, iluminación, efectos especiales, música y narración para hacer surgir fantasmas, esqueletos y figuras sobrenaturales en pantallas o columnas de humo, utilizando un dispositivo mejorado al que llamó fantoscopio.

La relevancia de Robertson es enorme: sus fantasmagorías fueron una de las primeras experiencias de espectáculo audiovisual masivo, anticipando principios técnicos y narrativos que luego serían esenciales en el cine, especialmente en el género de terror y fantástico. Su capacidad de manipular luz, sombra, movimiento y sonido, y de construir atmósferas envolventes, lo convierte en un verdadero precursor del séptimo arte.

Aunque existían linternas mágicas y otros aparatos de proyección, Robertson fue quien transformó estas herramientas en un espectáculo cultural de gran impacto social. Sus funciones en ciudades como París, Viena o Madrid se convirtieron en fenómenos de masas, provocando fascinación y miedo; sus efectos eran tan realistas que, en ocasiones, la policía acudía creyendo que se invocaban fuerzas sobrenaturales. Esto evidencia no solo su maestría técnica, sino también la capacidad de su propuesta escénica para impactar a una sociedad aún impregnada de superstición y misterio.

La edición de Obras completas de Robertson de Editorial Cinestesia recopila y reconstruye de manera crítica su legado, incluyendo sus memorias, que revelan técnicas, ideas estéticas y reflexiones sobre percepción y espectáculo; su proyecto utópico de Minerva, concebido para integrar ciencia, educación y arte; el programa completo de sus fantasmagorías; correspondencia inédita que ilumina sus redes culturales; documentos, grabados e imágenes nunca antes publicados; y un ensayo biográfico de Miguel Herrero Herrero que analiza su obra y trayectoria.

Este libro establece a Robertson como un artista-científico que exploró los límites de la percepción humana mediante la luz, la sombra y el sonido, y lo recupera como una figura clave en los orígenes del cine fantástico. Su influencia se percibe en la evolución de la proyección narrativa, el cine de terror y de ciencia ficción, y en la manera en que las imágenes y los efectos pueden generar emociones y reflexión en el espectador. En definitiva, Obras completas de Robertson no solo rescata a un creador olvidado, sino que ofrece una referencia imprescindible para investigadores y cinéfilos sobre la revolución audiovisual que supuso en su época y el impacto que anticipó en la cinematografía moderna.

Miguel Herrero Herrero se ha consolidado como una figura fundamental en la arqueología cinematográfica gracias a su extensa obra publicada con Editorial Cinestesia. Su trabajo se centra en reconstruir, documentar y analizar los orígenes del cine y los espectáculos audiovisuales que precedieron al cinematógrafo, recuperando inventos olvidados y recuperando la memoria de artistas pioneros cuya contribución había quedado relegada al olvido. Más allá de recopilar datos históricos, Herrero contextualiza cada hallazgo dentro de la estética, la ciencia y la filosofía de la época, ofreciendo un enfoque integral que conecta los primeros experimentos con las formas cinematográficas modernas.

Un ejemplo destacado de esta labor es el libro Obras completas de Robertson, donde reconstruye y analiza la obra de Étienne‑Gaspard Robertson, precursor de la fantasmagoría y de los espectáculos audiovisuales que anticiparon técnicas y narrativas del cine moderno. En conjunto, la obra de Herrero Herrero constituye una verdadera arqueología del audiovisual, en la que cada libro reconstruye un fragmento de la historia del cine desde sus raíces más experimentales y visualmente audaces, recuperando creadores, técnicas y eventos que sentaron las bases de la cultura cinematográfica contemporánea.

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NOVEDAD DE FESTER: "LA PANDILLA DE DEKKER"

La pandilla de Dekker 

Manolito Motosierra 

Fred Dekker es un director, guionista y productor de cine de terror, ciencia ficción y comedia. A lo largo de su carrera, ha fusionado géneros de manera innovadora, creando historias que equilibran lo macabro con el humor y la nostalgia. En 1986, debutó como director con El terror llama a su puerta. Un año después, alcanzó el estatus de culto con Una pandilla alucinante, una comedia de terror juvenil que rinde homenaje a los clásicos monstruos del cine. A destacado como guionista para películas como House (1985), Ricochet (1987) y Predator (2018), entre otras. En 1993, dirigió Robocop 3, una secuela que, aunque menos exitosa, reflejó su estilo visual y narrativo.

Con una filmografía limitada pero distintiva, Dekker ha dejado una huella en el cine de género, creando obras de culto que siguen siendo celebradas por su originalidad y su capacidad para fusionar terror, acción y humor.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G6Y43TQ2

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 14 diciembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 100 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8278721826

Peso del producto ‏ : ‎ 109 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 13 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.58 x 20.32 cm

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