RESEÑA DE "CREADORAS DE MONSTRUOS. LO FANTÁSTICO EN LA OBRA DE AUTORAS ESPAÑOLAS ACTULES (CINE,TV Y CÓMIC)" DE SHANGRILA EDICIONES

RESEÑA DE "CREADORAS DE MONSTRUOS. LO FANTÁSTICO EN LA OBRA DE AUTORAS ESPAÑOLAS ACTULES (CINE,TV Y CÓMIC)"

La literatura y el audiovisual fantástico en España han permanecido históricamente al margen de las corrientes principales del arte y la investigación académica. La narrativa fantástica ha sido tradicionalmente una disciplina relegada en el ámbito del arte y el audiovisual, con escasa presencia en la academia, tanto en su enseñanza universitaria como en la investigación. Sin embargo, en las últimas décadas, el género ha experimentado un notable resurgimiento, en parte gracias a la labor de investigadores como Rosalba Campra (Territorios de la ficción. Lo fantástico, 2008) y David Roas (Teorías de lo fantástico, 2001; Tras los límites de lo real: una definición de lo fantástico, 2011; Cronologías alteradas: Lo fantástico y la transgresión del tiempo, 2022), así como a iniciativas editoriales como la colección Fantasmagorías de Shangrila Textos Aparte, lanzada en 2017, que busca visibilizar la producción española en este ámbito.  

Dentro de esta colección se editó en 2024 Creadoras de monstruos, un volumen colectivo coordinado por David Roas, Enrique del Rey Cabero y Álvaro López Fernández, que se centra en la presencia del género fantástico en la obra de autoras españolas actuales en cine, televisión y cómic. El libro responde a la necesidad de llenar un vacío bibliográfico respecto al tratamiento del género fantástico por parte de creadoras, explorando su aportación a través de estudios sobre su producción.  

A lo largo de sus 325 páginas, la obra se estructura en capítulos que analizan manifestaciones artísticas como el cortometraje y la animación, ámbitos que han recibido menos atención en estudios previos sobre lo fantástico. También se incluye un análisis del cómic, con un acercamiento a las propuestas innovadoras de autoras como Ana Galvañ. Dialogando con investigaciones previas de Roas, como Las creadoras ante lo fantástico (2020) y Las creadoras gráficas españolas y lo fantástico (2022), el libro plantea un debate sobre el concepto de “fantástico femenino” y su definición dentro del género. Este enfoque busca no solo visibilizar, sino también precisar los contornos de este subgénero, convirtiendo a Creadoras de monstruos en una referencia esencial para el estudio de la evolución del género fantástico en nuevas formas artísticas, como el cortometraje y el cómic.  

Uno de los puntos más destacables del libro es la variedad de enfoques metodológicos, adaptados a cada medio analizado. Mientras algunos capítulos adoptan un análisis fílmico detallado, otros recurren a estudios de caso y entrevistas con las propias creadoras, proporcionando una perspectiva desde dentro de la industria. Esta combinación de teoría y testimonio directo de las autoras aporta profundidad a la investigación y permite entender mejor los desafíos que enfrentan en cada una de las facetas artísticas presentadas en la obra.  

El libro se cierra con tres entrevistas a creadoras del medio audiovisual y del cómic, que ofrecen una visión más personal sobre su trabajo y proceso creativo:  

1. Rodar a contracorriente. Conversación con Andrea Jaurrieta (Roas y López Fernández), que ofrece una perspectiva estadística y general sobre el cine fantástico en España.  

2. Creando series de fantasía y ciencia ficción en España. Entrevista con Ruth García (Concepción Cascajosa Virino), centrada en la producción de la autora entrevistada.  

3. Otros mundos que están en este. Entrevista con Laura Pérez Granel (Iván Piner Iranzo), que tiene un enfoque más íntimo sobre el proceso creativo de la autora.  

A lo largo del libro, se destaca la importancia de dar mayor visibilidad a la producción femenina en el género fantástico, un espacio donde su presencia sigue siendo limitada y poco reconocida. Creadoras de monstruos se sitúa, por tanto, en diálogo con estudios previos sobre lo fantástico en España, pero con la particularidad de centrar su mirada en el trabajo de mujeres creadoras, ofreciendo una contribución valiosa y necesaria para el campo de estudios sobre lo fantástico.  

En conclusión, Creadoras de monstruos es una obra fundamental para el análisis del género en el contexto español, no solo por el reconocimiento de las autoras estudiadas, sino también por su capacidad de abrir nuevas líneas de investigación sobre lo fantástico en medios audiovisuales y gráficos. Con una combinación equilibrada de análisis crítico y testimonios de primera mano, se convierte en una lectura imprescindible para quienes deseen profundizar en la evolución y los retos del fantástico en la cultura contemporánea española.

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RESEÑA DE "GRANDES TEMAS DEL CINE FANTÁSTICO" DE DOLMEN EDITORIAL

                          

RESEÑA DE "GRANDES TEMAS DEL CINE FANTÁSTICO" DE DOLMEN EDITORIAL

La colección Grandes Temas de Dolmen Editorial se ha consolidado como una referencia imprescindible para los amantes del cine clásico y de género. A través de tres volúmenes , dedicados al cine negro (2022), al western (2023) y al más reciente sobre el cine fantástico (2024), la editorial propone un recorrido riguroso y apasionado por los pilares temáticos que han definido gran parte de la historia del séptimo arte.

Esta obra colectiva, coordinada por Xavi Jiménez i Prunera, Quim Casals Campmany, Lluís Nasarre y Sintu Amat, traza un mapa de la imaginación cinematográfica a través de un recorrido temático por las múltiples formas que adopta el cine fantástico. A lo largo de sus páginas, se exploran las distintas maneras en que lo extraño, lo onírico, lo inquietante y lo maravilloso han cobrado vida en la pantalla a lo largo de la historia del cine.

Dolmen Editorial completa su ambiciosa trilogía sobre los géneros clásicos con Grandes Temas del Cine Fantástico, un volumen colectivo que ofrece un recorrido exhaustivo por los pilares narrativos y simbólicos del cine fantástico. Lejos de limitarse a clasificaciones genéricas, esta obra que reúne a más de 30 autores, se adentra en los mitos, miedos y metáforas que configuran uno de los géneros más fértiles del séptimo arte.

En el prefacio, Quim Casals Campmany, uno de los coordinadores del libro, destaca el carácter colectivo de la obra, en la que han colaborado más de veinte autores. Esta diversidad aporta una valiosa riqueza de perspectivas, ya que cada capítulo se enfoca en un subgénero específico dentro del extenso universo del cine fantástico. Por su parte, en el prólogo, Javier G. Romero rememora las experiencias que despertaron su amor por el cine fantástico y celebra el enorme esfuerzo que ha supuesto coordinar esta ambiciosa y monumental obra.

Una obra colectiva que reúne a expertos y cinéfilos para desmenuzar los grandes ejes temáticos del cine fantástico. Desde criaturas imposibles hasta dilemas existenciales, cada capítulo aborda un tema central que ha marcado la historia y evolución del género. El libro se estructura en 38 capítulos, cada uno centrado en un motivo temático o arquetipo recurrente. Desde lo simbólico hasta lo metafísico, estos temas revelan cómo el cine fantástico sirve como espejo deformado pero revelador de nuestras inquietudes más profundas.

Principales temas desarrollados:

El recorrido por el cine fantástico que propone esta obra abarca una gran variedad de temáticas, desde el anime, la brujería y las aventuras apocalípticas, hasta cuestiones más íntimas como las casas encantadas, las criaturas o las distopías que irrumpen en lo cotidiano. A través de un enfoque plural, los autores analizan cómo el género dialoga con lo humano, lo sobrenatural y lo tecnológico, destacando su riqueza simbólica y su capacidad para reflejar tensiones culturales y filosóficas.

El libro también profundiza en temas clásicos como la magia, los mad doctors y la mitología, al tiempo que aborda la muerte, la música, los niños y los no muertos como núcleos simbólicos del terror fantástico. Finalmente, incursiona en géneros afines —como el realismo mágico o el cine de superhéroes— y concluye con una reflexión existencial a través del surrealismo, los viajes en el tiempo y los zombis, configurando un compendio completo y apasionado del género.

El cine fantástico es un vasto territorio en el que conviven universos épicos, sueños imposibles, terrores primigenios y esperanzas cósmicas. Dentro de este paisaje mutante, el anime, con autores como David Hidalgo, ocupa un lugar singular gracias a su potencia visual y simbólica. Obras como Akira, Ghost in the Shell o Your Name logran entrelazar lo espiritual con lo futurista, desdibujando las fronteras entre ciencia ficción y poesía visual. En un terreno más sombrío, la figura del apocalipsis, analizada por Jordi Juanmartí, ha sido representada en catástrofes naturales, guerras, pandemias o colapsos sociales, revelando que muchas veces estas visiones del fin no hablan del futuro, sino del presente.

Pero no todo es desolación. La fantasía ha sido durante décadas motor de aventuras épicas, como explora Lluís Nasarre, desde los anillos de poder de Tolkien hasta los mares encantados de Piratas del Caribe. Aquí, lo imposible se vuelve norma. Y en este mismo viaje, nos topamos con la brujería, según José Luis Salvador Estébenez y Carlos Díaz Maroto, entendida no solo como hechicería, sino también como una expresión de poder femenino, ancestral y subversivo, visible en filmes como The Witch o Suspiria.

Las casas encantadas, nos recuerda Dani Morell, son más que simples escenarios: se convierten en personajes que albergan traumas, secretos y culpas familiares, como en The Others o Poltergeist. El cine infantil, analizado por Sintu Amat, también juega con lo fantástico, ofreciendo a los más pequeños una puerta al asombro y el miedo amable, como ocurre en E.T., Coraline o Dentro del laberinto. Este mundo está poblado por criaturas de todas las formas y orígenes, desde el mítico Godzilla hasta los horrores tentaculares de Stranger Things, conectándonos, como apunta Carlos Díaz Maroto, con nuestros temores más primitivos.

Y si hablamos de temores, pocos son tan persistentes como el del diablo, cuya figura cambia de rostro según la época: tentador, destructor o víctima, como vemos en El exorcista o Hereditary, en el análisis de Sintu Amat. No muy lejos, Xavi Jiménez i Prunera aborda las distopías como espejos deformados del presente: de 1984 a El cuento de la criada, estos mundos oscuros cuestionan nuestras nociones de libertad y humanidad. Jesús Lens, por su parte, reflexiona sobre la dualidad, esa eterna lucha interna entre el bien y el mal, que ha dado personajes tan fascinantes como Jekyll & Hyde o la protagonista de Black Swan.

En el corazón del género habita también el ensueño, tratado por Héctor López Gómez, donde la lógica se disuelve y el cine se convierte en experiencia poética, como en The Fall o Big Fish. Las narrativas épicas, según Carlos Díaz Maroto, sustentan sagas colosales como Harry Potter o Star Wars, mientras que Frederic Soldevila indaga en los extraterrestres, figuras que encarnan tanto el miedo como la esperanza ante lo desconocido.

Los fantasmas, para Guillermo Villar Duque, revelan más sobre los vivos que sobre los muertos, en historias como El orfanato o A Ghost Story. Y no todo lo inquietante necesita un susto: Quim Casals Campmany explora la inquietud como un cine que incomoda con lo extraño, lo ambiguo, lo perturbador (It Follows, Under the Skin). La inteligencia artificial, plantea Katia Sanz Chouquet, confronta al ser humano con su propia creación, en filmes tan variados como Metropolis o Ex Machina.

La influencia de la literatura, recogida por Jordi Juanmartí, ha sido fundamental para nutrir este imaginario, con autores como Lovecraft, King o Tolkien inspirando mundos completos. El arquetipo del mad doctor, examinado por David Hidalgo, habla de la ciencia desbordada, de la obsesión por traspasar los límites, como en Frankenstein o The Fly. A la par, Cristina Lago se adentra en la magia como fascinación ancestral, ya sea como ilusión escénica o poder real, como muestra El ilusionista o Harry Potter.

La maldad, según Chantal Ibán, adopta múltiples rostros, desde el resplandor enloquecido de Jack Torrance hasta el mal puro de Seven. Quim Casals Campmany analiza el mestizaje como encuentro entre géneros y culturas, visible en rarezas como Tucker and Dale vs Evil o Shaun of the Dead. El miedo, centro emocional del cine fantástico, se manifiesta en sus formas más viscerales, cósmicas o psicológicas, como bien detalla Xavi Jiménez.

El cine también bebe de la mitología clásica, reinterpretada, como muestra Marcos Bustillo, en películas como Hércules o Percy Jackson. El monstruo, más allá del disfraz, revela, como explica Jaume E. Vilaseca, verdades incómodas sobre nuestra sociedad o nosotros mismos. Y la muerte, eterna incógnita, es explorada con lirismo o crudeza en obras como Coco, Más allá de los sueños o El séptimo sello, según Lluís Nasarre.

La música, tan vital en la atmósfera del cine fantástico, es examinada por Marcos Azzam Gómez: de las épicas composiciones de John Williams al minimalismo hipnótico de Jóhann Jóhannsson. La infancia, de nuevo con Nasarre, se convierte en un eje central de lo fantástico, con niños que ven lo que otros no pueden (El sexto sentido, El laberinto del fauno). Y por supuesto, los no muertos —zombis, vampiros, fantasmas— siguen fascinando como símbolos de nuestra negación de la muerte, en la mirada de David Hidalgo.

El ocultismo, tratado por Alberto Ávila Salazar, nos sumerge en rituales, sociedades secretas y saberes prohibidos, como en The Ninth Gate o Midsommar. Y el realismo mágico, según Cristina Lago, embellece la realidad con lo insólito, de Birdman a Amores Perros. Las space operas, vistas por Manuel López Poy, son epopeyas galácticas llenas de dilemas éticos, razas alienígenas y batallas siderales: Dune, Star Trek, Star Wars.

Los superhéroes, en el análisis de Joel Moreno Guil, funcionan como mitologías modernas donde los dioses llevan capas y luchan con dilemas humanos. Y el surrealismo, según Laila Ribhi Hassan, transforma el cine en un viaje sensorial y abstracto, desde Buñuel a Lynch. La trascendencia, tal como la interpreta Telmo Graña, apunta hacia lo metafísico, lo espiritual, lo eterno, en películas como 2001 o Tree of Life.

Los vampiros, eternos en su mutación, combinan erotismo, melancolía y terror en obras como Nosferatu o Déjame entrar, en palabras de Pere Campillo. El viaje en el tiempo, tratado por Toni Codina, es tanto ciencia como nostalgia, una paradoja en movimiento, como vemos en Primer o Interstellar. Y finalmente, los viajes espaciales, explorados por Héctor López Gómez, más allá de su ciencia, son odiseas introspectivas donde el infinito se convierte en espejo del alma: Gravity, Ad Astra, 2001.

Cierra el recorrido, cómo no, el zombi, en su eterno regreso. David Hidalgo los analiza como metáforas sociales en constante evolución, desde los clásicos de Romero hasta la angustia frenética de Train to Busan. Así, el cine fantástico se revela como un espejo deformante pero honesto de nuestra imaginación, nuestras obsesiones, nuestros miedos… y nuestros sueños.

Este libro no solo es el culmen de la trilogía “Grandes Temas”, sino también una celebración de la imaginación cinematográfica como herramienta para explorar lo desconocido. Su edición cuidada, con tapa dura y fotografías en blanco y negro, lo convierte en un imprescindible para cualquier amante del fantástico.

Grandes Temas del Cine Fantástico no es solo una antología de ensayos, sino una reconstrucción del imaginario cultural que el cine ha construido durante más de un siglo. Cada autor aporta un ángulo particular, desde lo académico hasta lo divulgativo, haciendo que el volumen funcione tanto como guía de iniciación como fuente de consulta especializada.

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RESEÑA DE "CINE DE TERROR: LAS MEJORES PELÍCULAS DE MIEDO DE TODOS LOS TIEMPOS" DE TASCHEN

CINE DE TERROR: LAS MEJORES PELÍCULAS DE MIEDO DE TODOS LOS TIEMPOS

Jonathan Penner y Steven Jay Schneider

El libro Cine de Terror de Taschen, en su edición ampliada, es una joya imprescindible para los amantes del cine de horror. Con 640 páginas de contenido meticulosamente seleccionado, esta obra propone un recorrido cautivador por los rincones más sombríos y aterradores de la historia del cine, desde las primeras manifestaciones del género en la década de 1920 hasta los terrores tecnológicos y los efectos visuales del siglo XXI.

El volumen está dividido en dos partes esenciales. La primera mitad se centra en los subgéneros más destacados del cine de terror, con capítulos dedicados a multitud de subgéneros del terror como los asesinos en serie, el horror de la naturaleza y el medio ambiente, la ciencia ficción terrorífica, lo sobrenatural y mucho más. Este enfoque multidimensional permite entender cómo el terror ha evolucionado y se ha adaptado a las inquietudes sociales y culturales de cada época. Como destacan los autores, no es casualidad que los monstruos icónicos como Drácula y Frankenstein de Universal Pictures florecieran durante la Gran Depresión, o que las películas más brutales y perturbadoras como La matanza de Texas y La última casa a la izquierda se estrenaran en plena era de la guerra de Vietnam. 

La segunda parte del libro recoge una lista de 50 de las mejores películas de terror elegidas por los autores, acompañadas de carteles de cine, fotografías detrás de cámaras y análisis visuales que destacan su relevancia en el género. Esta selección, aunque incluye los clásicos indiscutibles, también ofrece algunas sorpresas, lo que hace que sea un recorrido emocionante incluso para los aficionados más veteranos.

Uno de los aspectos que realmente distingue este libro es la increíble selección de imágenes, que, como es costumbre en Taschen, roban protagonismo. Las páginas están llenas de fotografías de rodaje, ilustraciones de diseño de producción y fotogramas icónicos que permiten apreciar en detalle los entresijos de la creación de películas como El gabinete del doctor Caligari, El fantasma de la ópera, King Kong, Alien, La mujer y el monstruo y muchas más. Este material visual es un deleite tanto para los cinéfilos como para los fans del terror, ya que incluye algunas de las imágenes más fascinantes y raras del género, desde el Leatherface de La matanza de Texas hasta Zombi de George A.Romero. 

El análisis ofrecido por Jonathan Penner y Steven Jay Schneider no se limita solo a comentar los grandes hitos del cine de terror, sino que también reflexiona sobre los aspectos sociales y psicológicos del miedo. En el prefacio, se presenta una acertada explicación de la diferencia entre el "terror" y el "horror", una distinción clave en la comprensión del género. A lo largo de los diez capítulos del libro, los autores examinan cómo el cine de terror refleja los miedos arquetípicos del ser humano, desde el miedo a la muerte y lo desconocido, hasta las ansiedades específicas de cada época, como el avance de la tecnología, el apocalipsis medioambiental o la violencia social.

El libro incluye también películas menos conocidas pero igualmente influyentes, como Häxan (1922), un documental sueco sobre la brujería, o Freaks (1932), de Tod Browning, una película que empleó actores con deformidades reales para generar un impacto aún más perturbador. Los autores logran introducir detalles fascinantes incluso en los análisis más breves, como el truco de edición utilizado en La guarida (1963) para dar vida a la casa embrujada, o la historia de cómo Steven Spielberg convenció a JoBeth Williams de entrar en la piscina electrificada en Poltergeist (1982) al lanzarse él mismo al agua.

Una de las críticas habituales al cine de terror es que es un género frecuentemente relegado al ámbito de la explotación, poco valorado en términos de análisis crítico serio. Cine de Terror de Taschen desafía esta percepción al ofrecer una visión exhaustiva y bien documentada que trata el género con el respeto que merece. Cada subgénero se explora en términos estéticos e históricos, mostrando cómo los arquetipos del horror manipulan los miedos más profundos de la humanidad, al tiempo que responden a preocupaciones culturales específicas.

Aunque algunos lectores pueden discrepar de las opiniones subjetivas que a veces se filtran en los comentarios y las leyendas de las imágenes, este enfoque personal le otorga un carácter más dinámico y atractivo al texto. Las imágenes, por su parte, son tan reveladoras como los propios ensayos: el libro ofrece un banquete visual con fotogramas del cine de teror de todas las épocas.

Sin duda por tanto CINE DE TERROR de Taschen  es un libro esencial para los fans del cine de terror, con una amplia exploración de todos los subgéneros del horror, desde slashers, serial killers, caníbales y horror ambiental, hasta ciencia ficción, vampiros, fantasmas y posesiones. Cada uno de estos temas tiene su propio capítulo, acompañado de detalladas imágenes que ilustran los hitos más importantes de cada estilo cinematográfico. Además de su valor informativo, el libro está repleto de imágenes gráficas y referencias icónicas, haciendo un recorrido desde los primeros días del cine de terror hasta producciones más recientes como "Los Otros" (2001).

Lo que realmente destaca de Horror Cinema es su equilibrio entre contenido visual y analítico. No es solo una enciclopedia de películas; cada capítulo ofrece una visión en profundidad sobre cómo el género ha evolucionado a lo largo de las décadas, incluyendo hitos del cine de terror como King Kong (1933), La Noche de los Muertos Vivientes (1968), o los impactantes efectos especiales en películas como Un Hombre Lobo Americano en Londres. Aunque algunos fanáticos podrían cuestionar la selección de las 50 mejores películas de terror incluidas, es importante recordar que esta lista es subjetiva y no debe disminuir el valor de todo el trabajo.

Un aspecto a destacar de este libro es la cuidadosa investigación realizada por los editores Paul Duncan y Jürgen Müller. Desde los movimientos expresionistas alemanes hasta los horrores más modernos, el libro abarca todo, con un enfoque especial en el diseño y la estética de los carteles de películas originales. A pesar de la controversia que pueda causar la selección de películas en el top 50, Horror Cinema sigue siendo un imprescindible para los entusiastas del cine que buscan una referencia sólida y visualmente impactante sobre la evolución del género.

Por tanto encontramos que el libro Cine de Terror de Taschen es una obra imprescindible para los amantes del cine de terror. Esta obra de referencia ofrece un recorrido extenso por la historia del género, desde sus inicios hasta la actualidad, a lo largo de diez capítulos que exploran los diferentes subgéneros que han marcado a generaciones de cinéfilos. Con su enfoque visual característico, Taschen no solo entrega un análisis profundo y detallado, sino que lo acompaña de una impresionante selección de imágenes que muestran la evolución del terror en el cine a través de fotografías, pósters, y escenas de películas icónicas.

El primer capítulo, titulado "¿Qué es el terror?", sirve como introducción al concepto del miedo en el cine. Aquí, se analizan los elementos que conforman el género, desde su capacidad para perturbar emocionalmente al espectador, hasta su influencia en las audiencias a lo largo del tiempo. Esta sección establece las bases para entender cómo el terror ha evolucionado como una herramienta poderosa dentro del séptimo arte.

Uno de los subgéneros más populares del cine de terror, los asesinos en serie y los slashers, recibe su propio capítulo. Aquí, se exploran películas clásicas como El abominable Dr. Phibes, Psicosis, Halloween y Viernes 13, entre otras, que definieron el arquetipo del asesino implacable. Estas películas, con sus patrones repetitivos y la violencia gráfica que las caracteriza, han cimentado el lugar de los slashers en la cultura pop, creando algunos de los villanos más icónicos del cine.

El terror corporal y grotesco también tiene un lugar destacado en Cine de Terror. El capítulo dedicado a los "Caníbales, monstruos y paletos" explora la fascinación del público por personajes deformes, marginados sociales y caníbales. Películas como Holocausto caníbal, Las colinas tienen ojos y La parada de los monstruos juegan con el morbo y la repulsión, obligando al espectador a confrontar lo grotesco y lo monstruoso en su forma más visceral.

El tema de la naturaleza vengativa se aborda en el capítulo sobre la "Venganza de la naturaleza y el horror ambiental". En este apartado, se incluyen películas donde la naturaleza y los animales atacan a la humanidad, como Tiburón, Godzilla y King Kong. Estas películas retratan cómo la naturaleza se vuelve una fuerza descontrolada y destructiva, castigando a los seres humanos por sus intervenciones en el equilibrio natural.

El terror y la ciencia ficción se combinan en otro de los capítulos más destacados del libro. Desde Alien hasta La invasión de los ladrones de cuerpos, estas películas mezclan el miedo a lo desconocido con futuros distópicos o experimentos científicos fallidos. Aquí se explora cómo los avances tecnológicos y las invasiones alienígenas han generado algunos de los momentos más aterradores del cine, a menudo utilizando metáforas sobre los miedos sociales de la época.

Los muertos vivientes son otro de los pilares del cine de terror, y el capítulo dedicado a este subgénero no decepciona. Películas como La noche de los muertos vivientes, 28 días después y Frankenstein son analizadas en detalle, mostrando cómo el concepto de los zombis y los muertos revividos ha cambiado con el tiempo. Estas películas plantean preguntas sobre la vida, la muerte y lo que significa estar realmente vivo, mientras exploran el horror de los cadáveres que vuelven a caminar entre los vivos.

El terror psicológico cobra protagonismo en el capítulo sobre "Fantasmas y casas encantadas", que incluye clásicos como Poltergeist, La mansión encantada y Amenaza en la sombra. Aquí, el miedo proviene de lo que no se puede ver ni tocar: las presencias invisibles, los fantasmas que atormentan a los vivos y las casas que parecen tener vida propia. Este tipo de terror, más atmosférico e inquietante, sigue siendo uno de los más efectivos.

Finalmente, Cine de Terror de Taschen también se adentra en las posesiones demoníacas y entidades sobrenaturales en su capítulo sobre "Posesiones, demonios y embaucadores". Aquí, se incluyen obras maestras del género como El exorcista, Candyman y La máscara de la muerte roja. Estas películas exploran la lucha entre el bien y el mal, y el terror de perder el control sobre uno mismo, un tema recurrente en el género que sigue fascinando a los espectadores.

En resumen, el libro de Taschen ofrece una exploración exhaustiva del cine de terror, acompañada de un impresionante repertorio visual que hace que el lector no solo aprecie la evolución del género, sino también su impacto cultural a lo largo del tiempo. Con análisis detallados y fotografías impactantes, Cine de Terror es una pieza esencial para cualquier amante del terror cinematográfico.

De tal forma que esta edición ampliada de Cine de Terror de Taschen del año 2022 es una obra esencial para cualquier fan del cine de género. Ya sea que decidas leerlo de principio a fin o que prefieras hojearlo buscando tus películas favoritas, este libro no solo es una lectura informativa, sino también una experiencia visual impresionante. En un momento en que el mundo editorial lucha por mantener a flote libros de alta calidad, Taschen demuestra una vez más que el cine, especialmente el de terror, es eterno.

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RESEÑA DE "CHRISTOPHER NOLAN" DE CÁTEDRA

 

RESEÑA DE "CHRISTOPHER NOLAN" DE CÁTEDRA

En el mundo editorial, especialmente en colecciones de prestigio como la de Signo e Imagen de Cátedra, es una práctica habitual que los libros dedicados a cineastas y su obra sean objeto de nuevas ediciones ampliadas y revisadas a medida que sus carreras avanzan. Esto responde a la naturaleza dinámica del cine, un arte que está en constante evolución y cuyos realizadores siguen produciendo obras que, a menudo, ofrecen nuevas perspectivas sobre su estilo, temas y técnicas narrativas. Así, cada nueva película o acontecimiento significativo en la carrera de un director puede reconfigurar el sentido de sus trabajos anteriores y enriquecer el análisis crítico que se hace de ellos.

En este contexto, el libro de José Abad sobre Christopher Nolan, publicado a finales de 2023, se inscribe dentro de esta tradición de la colección Signo e Imagen. Abad ya había ofrecido una visión profunda y detallada del cineasta en una edición anterior, pero con el paso del tiempo y el estreno de nuevas películas de Nolan, como Dunkerque (2017) y Tenet (2020) entre otras, el autor ha ampliado y revisado su análisis. Esta nueva edición no solo aborda los aspectos ya tratados en el primer trabajo, sino que incorpora un análisis exhaustivo de las obras más recientes del director británico, integrando elementos nuevos que revelan una evolución en su estilo cinematográfico, sus inquietudes filosóficas y su enfoque narrativo.

Así, el libro de 2023 no solo revisita la obra de un director de renombre internacional, sino que, al hacerlo, nos invita a reflexionar sobre cómo la visión de un cineasta se enriquece y cambia a medida que pasa el tiempo y se enfrentan nuevos desafíos en su carrera. Esta edición actualizada no es solo un repaso de su filmografía, sino una oportunidad para revisar y expandir lo que ya sabíamos sobre Christopher Nolan, un director cuyo trabajo sigue siendo un referente clave en el cine contemporáneo.

José Abad, en su exhaustivo libro dedicado a Christopher Nolan, nos invita a recorrer la trayectoria de uno de los directores más innovadores del cine contemporáneo, abordando tanto los aspectos técnicos como temáticos de su filmografía. A través de un análisis profundo pero accesible, Abad desmenuza cómo Nolan ha logrado, película tras película, redefinir las narrativas tradicionales, desafiando al espectador con complejas estructuras temporales y profundas reflexiones filosóficas.

Desde sus primeros pasos con Following (1998), Nolan ya mostraba su interés por explorar la fragmentación temporal y la identidad. En esta cinta, realizada con un presupuesto mínimo, un escritor en busca de inspiración comienza a seguir a personas al azar, solo para verse atrapado en una red de robos y traiciones. Abad destaca cómo esta modesta producción en blanco y negro contiene en germen muchos de los temas que el director desarrollaría en sus futuras películas, como la construcción de la identidad y el uso de narrativas no lineales, y cómo ya aquí comienza a despuntar el estilo distintivo de Nolan.

El salto a la fama llegaría con Memento (2000), una película que revolucionó el cine al contar la historia de Leonard Shelby, un hombre que sufre de amnesia anterógrada mientras busca vengar la muerte de su esposa. La innovadora estructura, que presenta los eventos en dos líneas temporales opuestas (una en color, contada hacia atrás, y otra en blanco y negro, hacia adelante ), es señalada por Abad como un reflejo del caos mental del protagonista. Memento consolidó a Nolan como un maestro de la narrativa compleja, y, según Abad, es una de las películas clave para comprender su fascinación por la memoria, la realidad subjetiva y la identidad.

Con Insomnio (2002), Nolan se adentró por primera vez en una producción de gran presupuesto, adaptando un thriller noruego del mismo nombre. La historia de un detective que lucha contra la culpa en un pequeño pueblo de Alaska, donde el sol nunca se pone, le permitió experimentar con una atmósfera de constante luminosidad, que contribuye a la sensación de deterioro mental del protagonista. Abad analiza cómo, a pesar de ser una película más convencional que sus trabajos anteriores, Insomnio sigue explorando el tema del deterioro psicológico y prepara a Nolan para sus futuros proyectos de mayor envergadura.

Su primera incursión en el cine de superhéroes con Batman Begins (2005) supuso una reimaginación del género. Según Abad, Nolan convirtió lo que hasta entonces eran historias de cómics en un relato profundamente psicológico y realista, abordando los traumas y la formación moral de Bruce Wayne. La ciudad de Gotham, en esta visión, se convierte en un personaje más, con una atmósfera sombría que refleja el conflicto interno de su protagonista. Este enfoque más oscuro y realista influiría en toda una generación de películas de superhéroes.

Entre las películas de la trilogía de Batman, Nolan dirigió El truco final (El prestigio) (2006), una película que Abad considera una obra a resaltar. Este relato sobre dos magos rivales, interpretados por Hugh Jackman y Christian Bale, explora el sacrificio, la obsesión y la búsqueda de la perfección artística. Abad resalta cómo Nolan utiliza la estructura del guion para reflejar el formato de un truco de magia, llevando al espectador a través de un recorrido narrativo lleno de sorpresas y giros.

La consagración definitiva de Nolan llegó con El caballero oscuro (2008), una de las películas más aclamadas de la historia del cine de superhéroes. Abad dedica un análisis profundo a la figura del Joker, interpretado magistralmente por Heath Ledger, y cómo su anarquía y caos desafían los principios morales del héroe y de la propia Gotham. Esta película no solo redefinió el género, sino que también introdujo un nivel de madurez y complejidad psicológica que pocos esperaban en una cinta de este tipo.

Tras el éxito arrollador de El caballero oscuro, Nolan llevó su experimentación con la narrativa y la percepción a un nuevo nivel con Origen (2010). Abad describe esta película como una obra maestra de la ciencia ficción, donde el director nos sumerge en un viaje por los sueños y el subconsciente. Origen combina la acción trepidante con reflexiones profundas sobre la realidad, la memoria y la creación de mundos ficticios. Abad subraya cómo la estructura de la película, con sus capas de sueños dentro de sueños, desafía al espectador a seguir una narrativa que se despliega en múltiples niveles simultáneos, convirtiendo el visionado en una experiencia tan intelectual como emocional.

El caballero oscuro: La leyenda renace (2012) cerró la trilogía de Batman con una historia épica que retoma los temas de poder, sacrificio y redención. Abad destaca cómo Nolan utiliza a Bane, el villano principal, para representar una amenaza realista y física para Gotham y su héroe. Aunque algunos críticos consideraron que la película no alcanzó la misma altura que su predecesora, Abad elogia la conclusión satisfactoria de la saga y cómo el director logró dar cierre a los arcos emocionales y narrativos de sus personajes.

Con Interstellar (2014), Nolan exploró los límites de la ciencia ficción y la relatividad temporal, entregando una epopeya que combina la emoción humana con una ambiciosa representación del viaje espacial. Abad analiza cómo la película aborda temas como el amor, el sacrificio y el futuro de la humanidad, mientras juega con la dilatación temporal y las paradojas científicas. Interstellar se erige como una de las obras más emotivas de Nolan, en la que la relación entre el protagonista y su hija impulsa una narrativa que va más allá de la ciencia para tocar el núcleo de lo que significa ser humano.

Dunkerque (2017), una película de guerra narrada en tres líneas temporales diferentes, representó un desafío técnico y narrativo sin precedentes. Abad elogia cómo Nolan utiliza el tiempo de forma magistral, entrelazando las historias de soldados, pilotos y civiles en la evacuación de Dunkerque durante la Segunda Guerra Mundial. La película es, según Abad, una experiencia visual y sonora inmersiva, que sitúa al espectador en medio de la acción y logra transmitir la tensión y el heroísmo de la operación militar sin recurrir a los diálogos excesivos o al sentimentalismo típico del género bélico.

Finalmente, con Oppenheimer (2023), Nolan vuelve a su interés por los personajes históricos y la ciencia, en una película biográfica que sigue la vida de J. Robert Oppenheimer, el "padre de la bomba atómica". Abad destaca cómo el director aborda la dualidad moral del científico que revolucionó la física y cambió el curso de la historia con la creación del arma más destructiva conocida por el hombre. En esta obra, Nolan explora nuevamente los dilemas éticos y el sacrificio personal, elementos constantes en su cine.

Como conclusión podrías decir que José Abad consigue, en su análisis de la obra de Christopher Nolan, captar la complejidad y profundidad de un director que ha sabido equilibrar la narrativa innovadora con el espectáculo visual. Cada película de Nolan, desde sus primeras incursiones en el cine independiente hasta sus grandes producciones de estudio, refleja un compromiso con el arte cinematográfico como vehículo para explorar las grandes preguntas filosóficas de la existencia humana. El libro de Abad es, en definitiva, una lectura imprescindible para aquellos interesados en la evolución del cine contemporáneo y en el genio detrás de títulos que han redefinido tanto géneros como el thriller, la ciencia ficción y el cine de superhéroes.

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RESEÑA DE "HISTORIAS PARA NO DORMIR. LOS ORÍGENES DE LO FANTÁSTICO EN LA TELEVISIÓN ESPAÑOLA" DE SHANGRILA EDICIONES

RESEÑA DE "HISTORIAS PARA NO DORMIR. LOS ORÍGENES DE LO FANTÁSTICO EN LA TELEVISIÓN ESPAÑOLA"

El legado de Narciso Ibáñez Serrador, "Chicho", en la televisión y el cine español es indiscutible. A medio siglo del estreno de su emblemática película ¿Quién puede matar a un niño?, su impacto en la ficción de género sigue siendo objeto de estudio. En este contexto, Ada Cruz Tienda, doctora en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada por la Universitat Autònoma de Barcelona, aporta un análisis exhaustivo en su libro Historias para no dormir. Los orígenes de lo fantástico en la televisión española (Shangrila, 2023) de toda su obra y legado.

La autora examina la trayectoria de Ibáñez Serrador desde sus primeras incursiones televisivas en Argentina hasta su consolidación en España, destacando su capacidad para introducir lo fantástico y el terror en un medio dominado por el realismo social. Su trabajo pionero en Historias para no dormir (1966) marcó un hito, influyendo en creadores contemporáneos como Álex de la Iglesia, Paco Plaza y Juan Antonio Bayona.

El libro no solo contextualiza la obra del cineasta dentro del panorama televisivo y literario, sino que también reconstruye su poética a través de sus influencias y referencias. La autora analiza cómo Ibáñez Serrador se nutrió de figuras como Edgar Allan Poe y Ray Bradbury, así como del cine de Alfred Hitchcock, cuya huella es evidente en el formato de presentación de sus relatos y en el uso de técnicas narrativas.

Otro aspecto clave que aborda la investigadora es la evolución del género fantástico en la televisión española, demostrando cómo Historias para no dormir abrió el camino a la normalización de este tipo de ficción. Su exploración de los diferentes géneros abordados en la serie, desde el terror físico hasta la ciencia ficción, resulta fundamental para comprender su impacto.

Finalmente, el libro dedica un último apartado al legado de Ibáñez Serrador, fallecido en 2019, resaltando la vigencia de su obra en los estudios académicos y en la producción audiovisual actual. Con una investigación meticulosa y una escritura rigurosa, Historias para no dormir. Los orígenes de lo fantástico en la televisión española se posiciona como una referencia imprescindible para el estudio del género en la televisión española y el análisis de la obra de uno de sus mayores exponentes.

El principal objetivo de este libro es definir la poética de lo fantástico en la obra del guionista y realizador Narciso (Chicho) Ibáñez Serrador (Uruguay, 1935), partiendo de la hipótesis de que su serie de televisión Historias para no dormir (1966-1968) fue una de las primeras obras de consumo popular que apostó con éxito por los relatos fantásticos y terroríficos en la España de posguerra, tras un periodo cultural dominado por el realismo social. Asimismo, se pretende evidenciar la influencia que tuvo la serie en la popularización y difusión de lo fantástico en el medio televisivo, señalando las conexiones y divergencias con respecto al paradigma dominante. Historias para no dormir conformó un estilo que sin duda condicionó la percepción de lo fantástico en un público español aún no iniciado. Para demostrarlo, se han analizado en profundidad los episodios más representativos, estudiando los motivos y estructuras más frecuentes, así como las diferencias y similitudes que existen en el tratamiento de los diversos géneros cultivados por Ibáñez Serrador, es decir, no sólo lo fantástico, sino también la ciencia ficción, el terror físico y el género policíaco, entre otras categorías estéticas vinculadas al miedo menos transitadas por el autor.

Además de centrarse en la obra de Ibáñez Serrador, este libro también estudia otras series menos conocidas de los inicios de la televisión en los años sesenta y setenta, analizando su contribución al desarrollo de lo fantástico en la pequeña pantalla. El siguiente objetivo consiste en reconstruir el contexto en el que surge Historias para no dormir y estas otras producciones, con el fin de identificar los factores textuales y paratextuales que influyeron en el cambio de paradigma que entonces experimentó lo fantástico, partiendo de la premisa de que las manifestaciones artísticas producidas a lo largo de los años sesenta y setenta del siglo XX fueron determinantes en el desarrollo del género. Por eso, se ha realizado un estudio comparado de la producción televisiva española inmediatamente posterior a Historias para no dormir, en la que destacan los espacios Doce cuentos y una pesadilla (1967), Hora once (1968-1974), Ficciones (1971-1974 y 1981), Crónicas fantásticas (1974) y El quinto jinete (1975-1976), aparte de algunos telefilmes entre los cuales destaca, sin duda, La cabina (1972) de Antonio Mercero y José Luis Garci. En la obra se destaca los trabajos de guionistas y directores televisivos como Juan Tébar, Juan José Plans y Joaquín Amichatis, entre otros. Todo ello ha sido cotejado con las películas proyectadas en España en esos mismos años, tratando de identificar las aproximaciones y los distanciamientos que se producen entre lo fantástico televisivo y lo fantástico cinematográfico cultivado en nuestro país. Asimismo, la autora esboza brevemente la trayectoria que siguen en paralelo las colecciones populares literarias especializadas en el género.

Las fechas que Ada Cruz propone como apertura y cierre del periodo de estudio coinciden, respectivamente, con la llegada de Ibáñez Serrador a la televisión española (1963) y con el estreno de su última obra cinematográfica, ¿Quién puede matar a un niño? (1976), que marcará un hito en la historia del cine fantástico español.

El estudio de lo fantástico en la cultura española ha experimentado un notable auge en los últimos años, con un creciente reconocimiento académico que ha ayudado a reparar décadas de olvido y marginalidad. Sin embargo, dentro de este campo, la televisión sigue siendo un ámbito escasamente explorado, en particular sus primeras incursiones en el género fantástico. Esta carencia de bibliografía convierte a la presente obra en una contribución esencial y novedosa.

Uno de los hitos fundamentales en la introducción de lo fantástico en la televisión española fue la serie "Historias para no dormir" (1966-1968; 1982), creada por Narciso (Chicho) Ibáñez Serrador. Su llegada a RTVE en 1963 coincidió con un momento propicio para la experimentación, lo que permitió que, pese a la hegemonía del realismo, el género fantástico encontrara un espacio en la programación televisiva. A través de sus relatos de terror y fantasía, la serie no solo conquistó al público, sino que también sentó las bases para el desarrollo del cine de terror español en las décadas siguientes.

A pesar de la importancia de "Historias para no dormir", hasta ahora se ha prestado poca atención a su impacto en la evolución del género dentro del medio televisivo. Este estudio busca precisamente llenar ese vacío, analizando la poética de lo fantástico en la obra de Ibáñez Serrador y su influencia en la televisión española.

La investigación parte de la hipótesis de que "Historias para no dormir" fue una de las primeras producciones de consumo popular en apostar por lo fantástico y terrorífico tras la posguerra, desafiando el predominio del realismo social. La serie estableció un estilo propio que condicionó la percepción del género en España, influenciando programas posteriores como "Doce cuentos y una pesadilla" (1967), "Hora once" (1968-1974) o "El quinto jinete" (1975-1976).

Este libro reconstruye el contexto en el que surgió "Historias para no dormir" y analiza sus estructuras narrativas, sus principales influencias y las conexiones con otras manifestaciones fantásticas. Se enmarca en la definición de lo fantástico de David Roas, donde la irrupción de un elemento imposible en un mundo cotidiano genera inestabilidad y miedo en el espectador.

Dado el escaso número de estudios sobre los orígenes de lo fantástico en la televisión española, esta obra se erige como una referencia clave para comprender el papel de Ibáñez Serrador en la configuración del género. En un panorama donde la bibliografía sigue siendo limitada, este trabajo aporta un análisis fundamental sobre un periodo poco estudiado, consolidándose como una lectura imprescindible para investigadores y aficionados al género.

La historia de la televisión fantástica en España no se puede entender sin Historias para no dormir, la serie creada por Narciso Ibáñez Serrador que no solo marcó un antes y un después en la pequeña pantalla, sino que también abrió el camino para otras producciones del género en Televisión Española durante las décadas de los 60 y 70. En un contexto dominado por el realismo, la experimentación con lo fantástico en la televisión española fue un fenómeno atípico, pero Historias para no dormir logró sortear las restricciones y demostrar que había un público receptivo a este tipo de relatos. Su éxito no solo consolidó a Ibáñez Serrador como un referente del género, sino que también generó un caldo de cultivo favorable para la aparición de otras producciones que seguirían explorando lo fantástico y el terror en la televisión pública.

 La huella de Historias para no dormir en la televisión fantástica española

Emitida entre 1966 y 1968 (con una breve reaparición en 1982), Historias para no dormir se inspiraba en los clásicos de la literatura fantástica y de terror, adaptando relatos de autores como Edgar Allan Poe o Ray Bradbury, además de episodios con guion original. Esta serie no solo introdujo el género en la televisión española, sino que lo hizo con una calidad cinematográfica inusual para la época. Su audaz propuesta allanó el camino para otras series que, aunque menos conocidas, contribuyeron a consolidar lo fantástico en la programación de TVE.

 Doce cuentos y una pesadilla (1967)

Emitida en la segunda cadena de TVE (UHF), esta serie fue una de las primeras en recoger el testigo de Historias para no dormir. Aunque con un enfoque más literario, Doce cuentos y una pesadilla exploraba relatos de misterio, suspense y terror, siguiendo la estela de Ibáñez Serrador al combinar adaptaciones de escritores clásicos con guiones originales. Su emisión en UHF la convirtió en una propuesta menos accesible que Historias para no dormir, pero supuso un importante precedente dentro del género en televisión.

 Hora once (1968-1974)

Este espacio televisivo ofrecía adaptaciones de grandes obras literarias, incluyendo títulos del género fantástico y de terror. Aunque su formato era más amplio, con dramatizaciones de todo tipo, Hora once incluyó episodios que claramente bebían de la estética y el enfoque de Historias para no dormir, demostrando que la televisión española estaba dispuesta a seguir explorando lo insólito.

 Ficciones (1971-1974)

Otra serie antológica que siguió la estela de Historias para no dormir, Ficciones apostó por una puesta en escena cuidada y adaptaciones de relatos fantásticos y de terror. En su emisión de los años 70, contó con una importante variedad de estilos narrativos, manteniendo un hilo conductor basado en lo extraordinario y lo inquietante.

 Crónicas fantásticas (1974)

Con una propuesta más centrada en lo fantástico puro, Crónicas fantásticas exploró el género con una variedad de historias que iban desde el suspense hasta la ciencia ficción.Con guiones de J.J.Plans . Plans fue un prolífico escritor, periodista y guionista especializado en literatura fantástica y de terror. Además de su labor en televisión, destacó en la radio con programas como Historias, donde adaptaba clásicos del terror para el medio sonoro. Su estilo literario se basaba en una cuidada ambientación, un ritmo narrativo envolvente y un tratamiento psicológico de los personajes, características que también se reflejaban en sus guiones televisivos. Su inclusión dentro de la programación de TVE demostró que lo fantástico no solo tenía cabida en la televisión española, sino que había despertado un creciente interés tanto en creadores como en el público.

 El quinto jinete (1975-1976)

"El quinto jinete" fue una serie de televisión española que se emitió entre 1975 y 1976 en TVE, con dirección  de José Antonio Páramo. La serie se caracterizó por ser una de las producciones más notables de la televisión española de la época, particularmente por su enfoque en lo fantástico y lo inquietante, siguiendo la estela de series como "Historias para no dormir". Esta serie era una especie de antología de historias de terror y misterio, y fue producida en un periodo donde el cine y la televisión española empezaban a explorar el género fantástico de forma más abierta.El quinto jinete funcionó como una suerte de antología que permitió a los espectadores redescubrir historias que, en muchos casos, habían quedado en el olvido. Su existencia es una prueba del impacto que Historias para no dormir tuvo en la producción de TVE, ya que sin su éxito inicial, difícilmente se habrían financiado tantas obras de temática similar.

 La consolidación de lo fantástico en la televisión española

El camino abierto por Historias para no dormir permitió que el género fantástico tuviera una presencia constante en la televisión española, aunque nunca con la misma fuerza que en otros países. Sin embargo, la influencia de estas producciones es innegable: no solo inspiraron a futuras generaciones de creadores, sino que también establecieron un precedente para proyectos posteriores, como Películas para no dormir en 2006 y la reciente reinterpretación de Historias para no dormir en Amazon Prime en 2021.

Sin la audacia de Ibáñez Serrador y su voluntad de llevar lo fantástico a la pequeña pantalla en una época dominada por el realismo y las restricciones de la censura, es probable que el género hubiera tardado mucho más en encontrar su espacio en la televisión española. Historias para no dormir no solo fue un hito televisivo, sino que también se convirtió en la piedra angular de un subgénero que, aunque escasamente documentado, sigue siendo fundamental para comprender la evolución del audiovisual en España.

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Otros títulos de la colección Fantasmagorías de Shangrila Ediciones: 

Entre las joyas de su catálogo y en estrecha relación con el cine fantástico  se encuentra la colección  "Fantasmagorías", una serie de doce libros hasta la fecha que ha enriquecido la bibliografía nacional con un enfoque innovador en temas de lo fantástico y lo terrorífico. Esta colección ha abordado una variedad de tópicos fascinantes y ha establecido un puente entre la literatura, el cine, la televisión y el cómic. Entre los títulos más notables, encontramos:

                                                            

-   "Creadoras de monstruos. Lo fantástico en la obra de autoras españolas actuales (cine, TV y cómic)"  : Un análisis de cómo las autoras españolas contemporáneas han influido en el género fantástico, explorando sus contribuciones a diferentes medios como el cine, la televisión y el cómic.

                                                                      

-   "Annette" / "Titane". Un cuento de canciones y furia  : Un estudio sobre las películas  Annette  y  Titane , que explora cómo estas obras contemporáneas utilizan elementos musicales y narrativos para crear experiencias de furia y emoción.

                                                                

-   "Historias para no dormir". Los orígenes de lo fantástico en la televisión española  : Un recorrido por los primeros días de la televisión española y su influencia en el género fantástico, destacando cómo series y programas han moldeado el imaginario colectivo.

                                                                  

-   "El misterio de Salem’s Lot". Bajo el signo del vampiro  : Un análisis de la icónica obra de Stephen King y su impacto en el género vampírico, explorando los temas y técnicas que han definido la narrativa de terror.

                                                                   

-   "La bruja. Una figura fascinante. Análisis de sus representaciones en la Historia y el Arte contemporáneos"  : Un estudio exhaustivo de la figura de la bruja a lo largo de la historia y cómo ha sido representada en el arte y la cultura contemporánea.

                                                                    

-   "Queer Horror"  : Una exploración del subgénero del horror queer, que examina cómo las identidades y experiencias LGBTQ+ se han integrado en las narrativas de terror.

                                                                     

-   "Suspiria"  : Un análisis de esta película de culto, conocida por su atmósfera única y su impacto en el cine de terror psicológico.

                                                                     

-   "Videodrome"  : Un estudio sobre esta obra de David Cronenberg, que explora la relación entre la tecnología, el cuerpo y la percepción en el contexto del horror.

                                                                                   

-   "La orgía de los muertos"  : Un examen de este clásico del cine de terror italiano, conocido por su estilo visual distintivo y su influencia en el género.

                                                                               

-   "La novia del Diablo"  : Un análisis de esta película, que combina elementos de horror y romance para explorar temas oscuros y retorcidos.

                                                                          

-   "Drácula"  : Un estudio sobre la figura del conde Drácula en la literatura y el cine, explorando su evolución y su impacto en el género del terror.       

                                                                      

-   "Ghost in the Shell"  : Un análisis de esta influyente obra de ciencia ficción y su exploración de la identidad, la tecnología y la conciencia en un mundo futurista.

La colección  Fantasmagorías  ha ofrecido a los lectores una ventana única al mundo del fantástico y lo macabro, enriqueciendo el debate cultural y proporcionando nuevas perspectivas sobre temas clásicos y contemporáneos. En este 18º aniversario, Shangrila Ediciones continúa demostrando su capacidad para innovar y desafiar los límites de la literatura y el cine.

AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN: VOL.3

AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN: VOL.3

DANIEL ROTTENBRAIN 

AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN es la enciclopedia definitiva sobre la subcultura monstruosa. AMAZING MONSTERS, la venerada revista del terror y monstruos de los ochenta, con más de un cuarto de siglo de espeluznante existencia. Capitaneada por DANI ROTTENBRAIN esta publicación independiente cuenta con grandes colaboradores que se erige número a número como un faro en el océano del cine de serie B y el mundo de los monstruos más excéntricos. Cada número es un tesoro para los aficionados al género. Desde artículos que exploran las películas más olvidadas hasta entrevistas con leyendas del terror, cada página de AMAZING MONSTERS es una oda al espanto y la creatividad.

¡Sumérgete en sus páginas y déjate llevar por un mundo de pesadillas y monstruosidades!

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0F5HFTS1P

Editorial ‏ : ‎ Independently published (17 abril 2025)

Idioma ‏ : ‎ Español

Tapa dura ‏ : ‎ 124 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8280314627

Peso del producto ‏ : ‎ 299 g

Dimensiones ‏ : ‎ 17.78 x 1.19 x 25.4 cm

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RESEÑA DE "LA HISTORIA INTERMINABLE (Edición ilustrada 2024" DE COLECCIÓN ALFAGUARA CLÁSICOS

 

RESEÑA DE "LA HISTORIA INTERMINABLE (Edición ilustrada 2024" DE COLECCIÓN ALFAGUARA CLÁSICOS

La edición 2024 de La Historia Interminable dentro de la colección Alfaguara Clásicos es una obra que revive el icónico relato de Michael Ende, adaptada tanto para nuevos lectores como para los fieles seguidores del libro que marcó generaciones. Con 552 páginas y exquisitas ilustraciones a cargo de Ayesha L. Rubio, esta edición resalta la naturaleza mágica y profunda del texto original, complementada con un trabajo gráfico que enriquece la experiencia visual y emocional de la lectura.  La edición celebra de manera espectacular el 45º aniversario de esta obra maestra de Michael Ende. Esta edición conmemorativa no solo es una celebración de la historia que ha cautivado a generaciones, sino también una pieza de colección de compra obligada para los amantes de la literatura fantástica.

 Trama y Personajes

En el corazón de la historia está Fantasia, un reino encantado que refleja los sueños y deseos humanos. Este mágico lugar se enfrenta a su inminente desaparición debido a una extraña enfermedad que afecta a la Emperatriz Infantil, la regente de Fantasia. Su única esperanza reside en dos héroes muy diferentes: Atreyu, un joven guerrero valiente de la tribu de los pieles verdes, y Bastian Baltasar Bux, un niño tímido y solitario del mundo humano que, sin saberlo, se convierte en parte esencial de la historia que está leyendo.

La primera parte de la novela sigue el viaje heroico de Atreyu, quien recibe la misión de encontrar una cura para la Emperatriz Infantil. A lo largo de su travesía, enfrenta desafíos épicos, criaturas mitológicas, dragones y gigantes, todo mientras lucha contra una fuerza destructiva llamada la Nada, que está borrando lentamente el reino de Fantasia. Atreyu es un héroe de una estirpe clásica, pero lo que hace especial su viaje es la intervención y participación de Bastian, quien desde el mundo real comienza a influir en los eventos de Fantasia a medida que lee el libro.

La segunda parte de la novela se adentra en la evolución personal de Bastian, quien, tras ser convocado a Fantasia, se convierte en su salvador. Pero este acto heroico trae consigo dilemas profundos: Bastian debe enfrentarse a sus propios deseos y ambiciones, con el riesgo de perder su identidad en el proceso. A través de este doble viaje de autodescubrimiento —el de Atreyu y Bastian—, Michael Ende explora temas universales como el poder de la imaginación, la búsqueda de la identidad y el costo de los deseos no medidos.

 Detalles de la Edición Ilustrada

La edición de 2024, publicada por Alfaguara en su colección Clásicos, añade un valor especial a la experiencia lectora. Las ilustraciones de Ayesha L. Rubio no solo embellecen el texto, sino que ofrecen una interpretación visual que captura la esencia mágica y oscura de Fantasia. Cada capítulo viene acompañado de ilustraciones detalladas, que complementan los pasajes más significativos de la trama, desde las vastas llanuras de Fantasia hasta los momentos más íntimos de Bastian con la historia.

Además, la edición mantiene una de las características icónicas del libro: la distinción de dos colores en el texto, que separa el mundo de la realidad (rojo) del mundo de Fantasia (verde). Este diseño, ya clásico en las mejores ediciones de La Historia Interminable, refuerza la dualidad entre ambos mundos y facilita la inmersión en el relato.

 Profundidad Temática y Valores Literarios

Uno de los puntos más destacados de La Historia Interminable es su profundidad filosófica y simbólica, que va mucho más allá de una simple aventura de fantasía. Ende crea una metáfora sobre el poder de las historias para cambiar vidas. Fantasia, como reino, simboliza el mundo de la imaginación, y su inminente destrucción representa la pérdida de los sueños y la fantasía en un mundo excesivamente racional. 

Bastian, al igual que el lector, debe enfrentarse al dilema de cómo vivir entre la realidad y la fantasía. Ende no ofrece respuestas fáciles, sino que invita a la reflexión sobre el papel de la creatividad, los deseos y las decisiones que tomamos en nuestras vidas. El mensaje de que el verdadero viaje es el de conocerse a uno mismo resuena a lo largo de la obra, haciéndola accesible tanto para jóvenes de 12 años como para adultos que buscan una lectura rica en múltiples niveles.

 Conclusión

La edición ilustrada de La Historia Interminable (2024, Alfaguara Clásicos) es una obra maestra visual y literaria que renueva el interés por un clásico atemporal. A través de una narrativa encantadora y profunda, Michael Ende invita a los lectores a perderse en un reino donde la imaginación no tiene límites. Con sus ilustraciones evocadoras y su cuidada edición, este libro se convierte en un objeto de colección imprescindible para cualquier amante de la fantasía, y una puerta abierta para las nuevas generaciones que aún no han descubierto el poder de este relato interminable.

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AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN: VOL.2

AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN: VOL.2

DANIEL ROTTENBRAIN 

AMAZING MONSTERS FREAKONOMICÓN es la enciclopedia definitiva sobre la subcultura monstruosa. AMAZING MONSTERS, la venerada revista del terror y monstruos de los ochenta, con más de un cuarto de siglo de espeluznante existencia. Capitaneada por DANI ROTTENBRAIN esta publicación independiente cuenta con grandes colaboradores que se erige número a número como un faro en el océano del cine de serie B y el mundo de los monstruos más excéntricos. Cada número es un tesoro para los aficionados al género. Desde artículos que exploran las películas más olvidadas hasta entrevistas con leyendas del terror, cada página de AMAZING MONSTERS es una oda al espanto y la creatividad.

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Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0F545LKNN

Editorial ‏ : ‎ Independently published (15 abril 2025)

Idioma ‏ : ‎ Español

Tapa dura ‏ : ‎ 124 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8280116979

Peso del producto ‏ : ‎ 299 g

Dimensiones ‏ : ‎ 17.78 x 1.19 x 25.4 cm

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