RESEÑA DE "ALUCINE:MAGIA, ILUSIONISMO Y CINE" DE CINESTESIA

 

RESEÑA DE "ALUCINE:MAGIA, ILUSIONISMO Y CINE" DE CINESTESIA

   Alucine. Magia, ilusionismo y cine   , de Miguel Herrero Herrero, se erige como una obra fundamental y poco común dentro del panorama bibliográfico español dedicado al estudio del cine. Su principal aportación reside en abordar, de forma rigurosa y exhaustiva, un territorio escasamente transitado: la   relación profunda y estructural entre la magia, el ilusionismo y el nacimiento del cine  . En un contexto editorial donde abundan los estudios históricos y teóricos sobre el séptimo arte, pero son muy escasos los trabajos que analizan su vínculo directo con las artes mágicas,  Alucine  destaca como una investigación pionera y necesaria.

El libro es, ante todo, un   ensayo de investigación histórica  , cuyo objetivo explícito es   rescatar del olvido y reivindicar a los precursores del cine  , muchos de los cuales procedían directamente del mundo del ilusionismo. Figuras como   Georges Méliès  , paradigma del mago convertido en cineasta, son el ejemplo más conocido de un fenómeno mucho más amplio que el autor documenta con minuciosidad: la transición de magos, prestidigitadores y showmen hacia el nuevo medio cinematográfico, al descubrir en él una prolongación natural de sus trucos escénicos.

Uno de los grandes aciertos del libro es su atención a los   artefactos ópticos y dispositivos precinematográficos  . Herrero Herrero analiza con detalle instrumentos como la   linterna mágica  , los proyectores primitivos, autómatas y otros objetos habituales en los gabinetes de curiosidades, concebidos no solo para entretener, sino también para divulgar conocimiento y experimentar con la percepción visual. Estos artilugios, utilizados durante siglos para crear la ilusión de movimiento, se presentan como auténticos antecedentes técnicos y conceptuales del cine, subrayando la continuidad histórica entre ciencia, espectáculo y magia.

El recorrido del libro se adentra también en los   territorios más oscuros y fascinantes del imaginario mágico  , desde las prácticas de nigromancia hasta los espectáculos de fantasmagorías de figuras como   Philidor y Robertson  , donde la ilusión visual se mezclaba con el terror y lo sobrenatural. Estas experiencias no solo anticiparon recursos narrativos y visuales del cine de trucos, sino que modelaron la relación del público con la imagen proyectada como fenómeno casi sobrenatural.

Los numerosos temas que se tratan en la obra dan cuenta de la ambición del proyecto. En el   primer gran bloque  , dedicado al nacimiento del cine, se analizan figuras clave como   Robert-Houdin  , considerado el padre de la magia moderna;   Thomas Edison  , “el mago de Menlo Park”; los   hermanos Lumière   y, de manera central,   Georges Méliès  , presentado no solo como cineasta, sino como heredero directo de una tradición mágica escénica. El libro recupera además nombres hoy poco conocidos pero decisivos, como   Segundo de Chomón  , reivindicado como el “Méliès español”, o   Walter R. Booth  ,   George Albert Smith  ,   Blackton   y   Booth  , pioneros del trucaje y los efectos visuales.

Especial interés reviste el capítulo dedicado a espacios emblemáticos como el   Egyptian Hall   y a sagas familiares como los   Maskelyne  , así como la atención a magos itinerantes, transformistas y técnicos que contribuyeron al desarrollo de los primeros efectos especiales. Este análisis culmina en un interludio que conecta directamente la   magia escénica con los efectos cinematográficos  , demostrando que los trucos de cámara no son sino una evolución de técnicas ilusorias previas.

En el   segundo gran acto  , el libro se centra en los   magos cineastas y actores  , con especial atención a   Houdini  , figura clave tanto por su dominio del escapismo como por su habilidad para el marketing y la construcción del mito mediático. Asimismo, se explora la relación del ilusionismo con cineastas como   Orson Welles   —cuya obra y personalidad están atravesadas por el engaño, la manipulación y el artificio— y   Woody Allen  , para quien la magia funciona como metáfora narrativa y existencial.

El volumen culmina con un   extenso y valioso catálogo de películas sobre magia e ilusionismo  , que constituye por sí mismo una herramienta de referencia para investigadores y cinéfilos. Desde títulos del cine mudo como  Sanz y el secreto de su arte  desconocido docudrama de 1918 o  Häxan , pasando por clásicos como  El callejón de las almas perdidas ,  Fraude  o  El golpe , hasta obras contemporáneas como  El truco final ,  La invención de Hugo  o  El Ilusionista, el libro ofrece una panorámica histórica y temática sin precedentes en lengua española.

El epílogo, dedicado al   cine y la magia en el siglo XXI  , y el apartado final sobre   la colección y el espectáculo personal del autor  , refuerzan el carácter singular de la obra, que combina investigación académica, pasión coleccionista y divulgación cultural.

En conjunto,    Alucine. Magia, ilusionismo y cine    se consolida como una   obra de referencia imprescindible  , tanto por la profundidad de su investigación como por la originalidad de su enfoque. En un panorama bibliográfico donde apenas existen estudios dedicados de forma específica a la intersección entre magia y cine, el libro de Miguel Herrero Herrero llena un vacío fundamental y abre nuevas vías de análisis para comprender el origen del lenguaje cinematográfico. Es, al mismo tiempo, un libro para investigadores, historiadores del cine, magos, coleccionistas y lectores interesados en los cruces entre tecnología, espectáculo y cultura visual, confirmando que el cine nació, en gran medida, del arte ancestral de la ilusión.

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RESEÑA DE "TERROR RURAL Y PAGANISMO (EL OCULTISMO EN EL CINE VOL.2 ) DE DILATANDO MENTES EDITORIAL

 

RESEÑA DE "TERROR RURAL Y PAGANISMO (EL OCULTISMO EN EL CINE VOL.2 ) DE DILATANDO MENTES EDITORIAL

Terror rural y paganismo constituye una aportación excepcional dentro de los estudios sobre cine de terror y ocultismo, al centrar su atención en ese terreno intermedio donde lo ancestral, lo rural y lo pagano se entrelazan para conformar algunas de las manifestaciones más inquietantes del horror audiovisual. Como segundo volumen de la colección El ocultismo en el cine, la obra traslada al lector más allá de la simple enumeración de títulos para adentrarse en un análisis profundo de cómo el horror rural y las prácticas paganas han funcionado históricamente como motores estéticos, simbólicos y culturales del miedo en la pantalla.

Una de las claves del volumen es su firme compromiso con las raíces culturales del folk horror, un subgénero que cobra fuerza a partir de las décadas de 1960 y 1970 y que ha sido objeto de un creciente interés crítico en los estudios anglosajones y europeos en los últimos años. Este volumen, que ya alcanza su cuarta edición, ha sido coordinado por Javier J. Valencia. Participan como autores Dani Morell, Javier J. Valencia, José Ángel de Dios, Óscar Sueiro, Víctor Castillo y Xavi Torrents. El libro destaca cómo esta modalidad de terror se estructura en torno a tensiones persistentes: la ruralidad frente a la modernidad, el retorno de lo antiguo frente al discurso del progreso, y la irrupción de mitos, dioses olvidados o rituales suspendidos que alteran la aparente normalidad de la vida cotidiana.

Terror rural y paganismo pone en relieve la capacidad del folk horror para canalizar ansiedades propias del siglo XXI —crisis climática, pandemias, política identitaria o transformaciones sociales—, demostrando que el terror rural no es una reliquia del pasado, sino una forma viva y adaptable. El libro recoge esta perspectiva al analizar cómo las figuras de dioses arcaicos, comunidades cerradas o rituales paganos siguen resultando perturbadoras no solo por su violencia narrativa, sino porque reflejan conflictos culturales persistentes relacionados con la exclusión, la dominación, la nostalgia o la resistencia.

El volumen recorre títulos fundamentales de la cinematografía folk horror como The Wicker Man (1973), paradigma de la tensión entre comunidad rural, rito y sacrificio pagano, pero también abre el foco hacia producciones más recientes y geográficamente diversas que demuestran la capacidad del subgénero para adaptarse a distintos contextos nacionales. La obra editada por Dilatando Mentes explora este linaje atendiendo tanto a los elementos narrativos y rituales del género como a sus implicaciones éticas y simbólicas: el conflicto entre individuo y colectividad, la oposición entre naturaleza y civilización o la persistencia de una memoria ancestral que desafía los relatos oficiales de la historia.

Especial relevancia adquiere la atención que el libro presta a la ruralidad entendida no solo como escenario físico, sino como depósito de creencias, oficios, costumbres y saberes prerracionales. Desde una perspectiva cercana a la antropología del folklore, el horror rural se concibe aquí como expresión de miedos culturales estructurales: la sombra del pasado que se rebela contra la lógica del progreso, la subversión de los códigos sociales dominantes y la emergencia de tensiones que la civilización pretende ocultar bajo la superficie del paisaje.

El tratamiento del paganismo se caracteriza igualmente por su complejidad. Lejos de idealizar las religiosidades precristianas o reducirlas a una fantasía exótica, el libro analiza cómo las representaciones paganas en el cine funcionan como símbolos de ambivalencia moral, resistencia cultural y retorno de lo reprimido. Esta lectura conecta con enfoques internacionales que interpretan el culto, la superstición y el ritual como dispositivos narrativos capaces de vehicular conflictos contemporáneos —tradición frente a tecnología, comunidad frente a individualismo, lo sagrado frente a lo profano— sin caer en simplificaciones ni estereotipos.

En este sentido, Terror rural y paganismo no solo dialoga con la bibliografía especializada de Reino Unido, Estados Unidos y Europa, sino que contribuye a ampliar la comprensión del folk horror desde una perspectiva hispánica, integrando debates teóricos y culturales de alcance internacional. El resultado es una obra que trasciende la mera historia del cine para proponer una reflexión sobre la persistencia del terror rural como espejo de ansiedades colectivas profundas.

En la primera parte del volumen se adentra de forma más directa en la definición y evolución histórica del folk horror. Definir con precisión qué es este subgénero ha sido siempre una tarea esquiva ya que el folk horror se caracteriza por su cualidad mutable. El término, popularizado a partir de una entrevista de Piers Haggard en 2003 y consolidado por Jonathan Rigby y Mark Gatiss en A History of Horror, cristalizó inicialmente en torno a la llamada “trinidad profana” formada por Witchfinder General, The Blood on Satan’s Claw y The Wicker Man. Sin embargo, el libro a través de los títulos presentados descubrimos que esta definición, centrada exclusivamente en el cine británico de un periodo concreto, resulta insuficiente.

El análisis se amplía así hacia una concepción del folk horror como fenómeno transnacional y atemporal, moldeado por cada cultura a partir de sus propios mitos, paisajes y tradiciones. Desde precedentes tempranos como La noche del Demonio (1957) , pasando por ejemplos estadounidenses, japoneses o hispanos, hasta llegar a relecturas contemporáneas, el volumen demuestra que el subgénero no está ligado a una única geografía ni a una época cerrada, aunque el sentido del lugar siga siendo un elemento fundamental.

Este recorrido histórico se articula por décadas, desde los orígenes del folk horror cinematográfico moderno en los años cincuenta , pasando por la consolidación del subgénero en los sesenta y setenta, hasta llegar a sus reformulaciones en el siglo XXI. Películas como Midsommar de Ari Aster en 2019 evidencian cómo el folk horror continúa reinventándose, dialogando con el cine de autor, la sátira o el cuento popular sin perder su núcleo inquietante.

A lo largo de este amplio trayecto, Terror rural y paganismo analiza cerca de cincuenta títulos representativos, organizados cronológicamente y contextualizados desde una perspectiva crítica sólida. El resultado es un mapa coherente del terror rural como espacio simbólico donde lo ancestral, lo comunitario y lo pagano siguen operando como fuerzas perturbadoras del imaginario cinematográfico. Una obra imprescindible tanto para investigadores como para lectores interesados en comprender por qué, bajo la aparente quietud del campo y las tradiciones, continúan latiendo algunos de los miedos más profundos del cine de terror.

A lo largo de este recorrido, Terror rural y paganismo no se limita a unos pocos ejemplos canónicos, sino que analiza medio centenar de películas representativas del folk horror, organizados por décadas, trazando una genealogía amplia del subgénero. Desde los primeros filmes que vinculaban creencia y paisaje hasta las reinterpretaciones contemporáneas que dialogan con el cine de autor y el terror independiente, el libro construye un mapa coherente del terror rural como espacio donde lo ancestral, lo comunitario y lo pagano siguen operando como fuerzas perturbadoras en el imaginario cinematográfico.

El libro ofrece un   detallado recorrido organizadas en   capítulos temáticos claramente diferenciados  , precedidos siempre por   introducciones contextuales   que preparan al lector antes de cada relación de títulos. Sorprende, en primer lugar,   la amplitud y ambición del corpus analizado  , no solo por el elevado número de filmes recogidos, sino porque, junto a los títulos canónicos del folk horror británico, el volumen   rescata obras poco conocidas e incluso prácticamente ignotas  , procedentes de   latitudes lejanas  , evitando una mirada reducida exclusivamente a los ejemplos ingleses más citados. El primer bloque fija el   núcleo conceptual del folk horror  , sus constantes y su contexto: la comunidad cerrada como espacio de amenaza, aldeas y microcosmos rurales que funcionan como   sistemas morales alternativos  , regidos por rituales, supersticiones y pactos ancestrales, donde se consolidan los arquetipos fundacionales del subgénero —el forastero incrédulo, la aldea hostil, el culto secreto y una amenaza que muchas veces permanece fuera de campo—. En el capítulo   La senda hacia la villa  , centrado en títulos de las décadas de 1950 y 1960 como  Night of the Demon ,  El hotel del horror ,  Las brujas  o  El signo del diablo , se traza el camino hacia la comunidad como viaje iniciático.   El faro que nos ilumina   articula la tríada canónica del folk horror británico — Witchfinder General ,  La garra de Satán  y  The Wicker Man —, donde paganismo, represión sexual, violencia institucional y paisaje se funden en una lectura profundamente política del terror. Con   El cuento alrededor de la hoguera  , el libro se sumerge en la televisión británica de los años setenta, reivindicando su papel clave en el desarrollo del terror rural gracias a su capacidad para ensayar formas narrativas más arriesgadas, convirtiendo el paisaje en archivo histórico y la pequeña pantalla en un vehículo para un horror cotidiano, lento y atmosférico.   Difundiendo la palabra   amplía el mapa más allá del Reino Unido y demuestra el carácter transnacional del subgénero, recorriendo especialmente títulos estadounidenses y de otros países, donde España dialoga con Europa a través de la denuncia social, la represión franquista y el folklore criminal. En   El castigo divino  , centrado en estrenos cinematográficos, se analiza la religión como instrumento de violencia, control y sacrificio, entendiendo el castigo no solo como fenómeno sobrenatural, sino como imposición moral y comunitaria, reforzando la idea del folk horror como cine político.   La fábula embrujada   explora películas que adaptan narraciones populares, cuentos oscuros y relatos folklóricos, donde lo fantástico se funde con lo poético y el mito funciona como estructura de resistencia cultural. Finalmente,   Los herederos del mañana   aborda el renacimiento contemporáneo del folk horror con títulos como  Kill List ,  Jug Face ,  The Witch ,  El apóstol  o  Midsommar , mostrando un subgénero consciente de su legado y plenamente conectado con las ansiedades del presente.

Es una lástima que Dilatando Mentes no haya dado continuidad a esta colección dedicada al análisis del ocultismo en el cine, especialmente si se tiene en cuenta la solidez y coherencia de sus planteamientos. Con un primer volumen centrado en el vudú, seguido por Terror rural y paganismo y un tercer libro dedicado a Lucifer, el pacto fáustico y la posesión demoníaca, la serie queda reducida a apenas tres entregas dentro de una producción ensayística cada vez más abundante y diversa. Esta brevedad contrasta con la amplitud de temas, enfoques y tradiciones cinematográficas que el terror, lo esotérico y lo sobrenatural ofrecen para un estudio riguroso y transversal.

En un contexto editorial en el que proliferan los ensayos sobre cine desde perspectivas históricas, políticas y culturales, resulta especialmente valioso contar con colecciones que apuesten por el análisis profundo de lo simbólico, lo ritual y lo oculto como ejes fundamentales del imaginario audiovisual. La decisión de no dar continuidad a esta línea, en detrimento de los libros de ficción que la editorial ha publicado hasta ahora, deja la sensación de un proyecto interrumpido, justo cuando aún quedaban vastos territorios por explorar: desde la brujería y el chamanismo hasta el espiritismo, la magia ceremonial y las nuevas religiosidades contemporáneas que el cine apenas ha comenzado a retratar.

Desde aquí queremos expresar un apoyo explícito a Dilatando Mentes para que retome esta senda y ofrezca nuevas entregas de unos estudios que han demostrado ser rigurosos, accesibles y altamente recomendables. La continuidad de esta colección no solo enriquecería el catálogo de la editorial, sino que contribuiría de forma significativa al debate crítico sobre el cine de terror y sus vínculos con las creencias, los miedos y los imaginarios colectivos que siguen fascinando —y perturbando— al espectador contemporáneo.

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RESEÑA DE "SPACE FICTION: VISIONES DE LO COSMICO EN LA CIENCIA FICCION" DE CINESTESIA

 

RESEÑA SPACE FICTION VISIONES DE LO COSMICO EN LA CIENCIA FICCION

Space Fiction. Visiones de lo cósmico en la ciencia-ficción, publicado en 2020 bajo la coordinación de Mario-Paul Martínez Fabre y Fran Mateu y editado por Miguel Herrero Herrero a través de Cinestesia, constituye una propuesta académica y crítica que explora la relación entre la ciencia-ficción y la dimensión cósmica en múltiples manifestaciones culturales. La obra surge como resultado de la segunda edición del Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías, celebrado en noviembre de 2019 en Elche, España, en el marco del Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX, y organizado en colaboración con la Universidad Miguel Hernández. Este libro reúne investigaciones de carácter nacional e internacional, provenientes de instituciones como la Universidad de Aix-Marsella, la Universidad Católica de Lovaina, la Universidad Lumière Lyon 2, la Universidad Pompeu Fabra, la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y la Universidad de Nueva Granada, entre otras.

El libro abre su recorrido conceptual con una reflexión sobre el espacio como construcción simbólica y epistemológica, más allá de su función como mero escenario narrativo. Martínez Fabre y Mateu sitúan la ciencia-ficción en un diálogo constante con la historia cultural y la especulación humana, desde los experimentos imaginativos de Kepler en Somnium hasta la popularización del término por Hugo Gernsback en 1926. Los autores muestran cómo lo cósmico oscila entre lo plausible y lo inconcebible, estructurando una dialéctica que conecta lo racional con lo fantástico y que sirve de columna vertebral para los análisis posteriores. En este marco, Borges y otros precedentes literarios evidencian que la ciencia-ficción no solo construye mundos posibles, sino que cuestiona nuestra percepción de la realidad y de la humanidad misma.

La obra incluye 17 ponencias y 15 trabajos de investigación que abordan la ciencia-ficción desde perspectivas tan variadas como la literatura, el cine, la televisión, los videojuegos, la sociología, la historia, la enseñanza y las artes plásticas. Los textos seleccionados amplían la comprensión del género más allá de la narrativa tradicional, mostrando cómo la dimensión cósmica puede interconectarse con la tecnología, la realidad virtual, la robótica y la inteligencia artificial, así como con fenómenos sociales y culturales contemporáneos. Entre los estudios más destacados se encuentran análisis de la singularidad en la cosmología metafísica de Silver Surfer; la racionalización del mito en la tetralogía distópica de Piotr Szulkin; las narraciones especulativas sobre mundos posibles desde la perspectiva de Donna Haraway; y la incorporación de la realidad virtual en la representación de universos y mutaciones estéticas en la ciencia-ficción. Otros trabajos exploran la interacción entre humanos, alienígenas y robots, así como la relación entre matemáticas, cosmología y fantasía en literatura y cine, además del tratamiento de los miedos tecnológicos y su analogía con lo cósmico en series como Black Mirror.

Otro hilo transversal es el diálogo interdisciplinar que articula literatura, cine, cómic, videojuegos, filosofía, matemáticas y pedagogía, construyendo un conocimiento complejo que no se limita a un medio o disciplina específica. Esta multiplicidad de perspectivas permite abordar la ciencia-ficción como un espacio de reflexión ética, estética y social, donde lo fantástico y lo especulativo se combinan para repensar tanto el cosmos como la condición humana. El enfoque crítico del libro enfatiza cómo cada narrativa propone herramientas conceptuales para analizar la otredad y la interacción entre tecnología, sociedad y cultura.

Un eje central que recorre Space Fiction es el encuentro con “lo Otro”, explorado desde tres perspectivas interrelacionadas. En el plano espacial y cósmico, se observa en la exploración de planetas, universos paralelos y la vastedad del cosmos, como muestran Ad Astra, Silver Surfer y El problema de los tres cuerpos. En la dimensión tecnológica y distópica, la otredad se manifiesta a través de la inteligencia artificial, la robótica y los replicantes digitales, planteando dilemas éticos y sociales (Cuéllar, López Izquierdo, Ramírez Gómez). Finalmente, en el ámbito cultural, social y filosófico, el contacto con ideas alienígenas, lenguajes o mitos transforma la percepción del ser humano y sus relaciones con el mundo, como evidencian Arrival, Love, Death + Robots y los ensayos de Donna Haraway.

La dimensión crítica y política del género se explora con rigor en el capítulo de Michelle Lucy Copmans, que analiza Alien (1979) como metáfora de la lógica capitalista y de la colonización económica del espacio. A través de la escena en la que la empresa Weyland-Yutani prioriza la captura del xenomorfo sobre la vida de la tripulación, se plantea que la distopía espacial refleja estructuras de poder y mercados que determinan nuestras sociedades. Complementariamente, Celia Cuenca García, en su análisis de Arrival, traslada la reflexión hacia la lingüística y la percepción temporal, mostrando cómo el aprendizaje del idioma de los heptápodos reconfigura la conciencia humana. Aquí, lo cósmico funciona como espejo de la subjetividad y de los límites de la racionalidad, estableciendo un vínculo entre narrativa especulativa y filosofía del lenguaje.

Otros capítulos destacan por su innovación temática y metodológica. Lluís Anyó examina la sexualización de la otredad en criaturas femeninas alienígenas, revelando cómo la ciencia-ficción audiovisual articula tensiones culturales en torno al deseo y el miedo. Carlos Atanes, a través de Silver Surfer, propone un enfoque metafísico sobre la singularidad cosmológica en el cómic, evidenciando la riqueza epistemológica de medios a menudo subestimados. Luis E. Froiz Casal rescata la ciencia-ficción europea de Piotr Szulkin, mostrando cómo la racionalización del mito se convierte en estrategia crítica frente al poder y la alienación social. La animación contemporánea de Love, Death + Robots, analizada por Deborah Rodríguez Rodríguez, conecta la narrativa futurista con debates filosóficos clásicos, mientras que Johanna Caplliure examina a Donna Haraway y el género especulativo como herramienta para repensar conocimiento, identidad y poder. Finalmente, estudios sobre Rick y Morty y Ad Astra ilustran cómo la producción de espacio y la búsqueda de sentido personal en lo cósmico constituyen un eje central de la ciencia-ficción contemporánea, donde estética, filosofía y crítica social se entrelazan para ampliar nuestra comprensión del universo y de la humanidad.

En la mitad de la obra, Space Fiction se adentra en las transformaciones tecnológicas y estéticas que la ciencia-ficción contemporánea imprime sobre los universos narrativos. Léa Dedola, en su análisis de la realidad virtual, demuestra cómo las tecnologías inmersivas no solo permiten experimentar mundos imaginarios de manera directa, sino que modifican la propia percepción del espacio, los colores, las texturas y la narrativa sensorial. La realidad virtual se convierte así en un laboratorio experimental donde se cuestionan los límites de la narrativa, la construcción del espacio y la interacción con el espectador, conectando con el estudio de Diana Mitzi González Fonseca sobre Rick y Morty, en el que la estructura de multiverso se entiende como producción social y cultural del espacio. Ambos capítulos evidencian cómo distintos medios, desde la animación hasta la VR, comparten la capacidad de problematizar lo cósmico y lo social simultáneamente.

Daniel Pérez Pamies, al analizar Twin Peaks: El regreso, amplía esta perspectiva hacia lo televisivo y lo surrealista, mostrando cómo la estética pulp de los años 50 y la experimentación narrativa generan un cosmos en el que universos paralelos, paradojas temporales y seres extraterrestres conviven con lo cotidiano. La originalidad del capítulo radica en tratar la serie como un laboratorio de ficción cosmológica que resignifica mitologías y símbolos culturales, evidenciando la flexibilidad de la ciencia-ficción para construir universos liminales. Esta mirada se complementa con los estudios de Francisco Cuéllar y Daniel López Izquierdo, quienes, desde la robótica, la inteligencia artificial y la tecnonostalgia, exploran cómo la tecnología plantea dilemas éticos, sociales y existenciales, conectando nostalgia, identidad y reflexión sobre el tiempo y la memoria en el cine contemporáneo.

La sección final del libro articula la ciencia-ficción como puente entre rigor científico, narrativa especulativa y reflexión social. Alejandro Durán Moctezuma, en su análisis de El problema de los tres cuerpos, muestra cómo la ciencia-ficción hard combina física teórica, filosofía y narrativa para interrogar la posición humana frente al cosmos y lo Otro. David Ramírez Gómez, por su parte, aborda la distopía tecnológica como amenaza a la libertad y a la condición humana, evidenciando patrones de deshumanización a través de la historia del cine estadounidense reciente. Rocío Serna-Rodrigo amplía esta perspectiva hacia los videojuegos, demostrando que la interactividad permite experimentar dilemas éticos y existenciales desde la acción lúdica. Finalmente, José Rovira-Collado, Verónica Navarro Navarro y Germán Piqueras Arona reflexionan sobre la educación, la matemática, la fantasía y los miedos tecnológicos como ejes que atraviesan la narrativa de la ciencia-ficción, mostrando que este género no solo especula sobre mundos posibles, sino que constituye un espacio para la pedagogía, la creatividad y la crítica cultural. En conjunto, estos capítulos evidencian que la ciencia-ficción contemporánea se proyecta como laboratorio de experimentación estética, ética y cognitiva, donde tecnología, interacción y reflexión se articulan para explorar lo cósmico y lo humano desde ángulos inéditos.

Entre los capítulos más originales destacan aquellos que aportan metodologías y enfoques innovadores. The Answer: Silver Surfer (Atanes) legitima el cómic como objeto de estudio desde una perspectiva metafísica; La depredadora sexual del espacio (Anyó) aporta un análisis de género y corporalidad en la ciencia-ficción audiovisual; Love, Death + Robots (Rodríguez Rodríguez) propone un itinerario filosófico que dialoga con la narrativa; Rick y Morty (González Fonseca) aplica teoría social al multiverso animado; y Replicantes digitales (López Izquierdo) vincula nostalgia, tecnología y ética cultural. Estos capítulos muestran que la ciencia-ficción permite explorar lo cósmico desde ángulos inéditos ,estético, ético, social y filosófico, consolidando el libro como una referencia clave para el estudio interdisciplinar del género.

Space Fiction. Visiones de lo cósmico en la ciencia-ficción constituye una obra indispensable para comprender la intersección entre ciencia, imaginación y sociedad. La coordinación de Martínez Fabre y Mateu ha logrado reunir un corpus diverso que evidencia la riqueza de la ciencia-ficción: desde la reflexión filosófica y epistemológica hasta la crítica política y social, pasando por la estética, el género y la pedagogía.

El libro demuestra que el estudio de lo cósmico no es solo una cuestión de espectáculos o aventuras espaciales: es un terreno donde se interrogan nuestras certezas, se problematiza la relación con la tecnología, se exploran los límites de la imaginación y se cuestiona nuestro lugar en el universo. La obra nos invita a reconocer la ciencia-ficción como un laboratorio interdisciplinar, capaz de conectar la física con la filosofía, el cine con la educación, la literatura con los videojuegos, y la estética con la política.

En definitiva, este libro es un viaje por los confines del cosmos narrativo y reflexivo, que permite vislumbrar la infinita expansión de la imaginación humana, desde Kepler hasta la contemporaneidad digital, pasando por la space-opera, la distopía social y los multiversos de animación. Space Fiction no solo estudia lo cósmico: nos recuerda que nuestro lugar en el universo sigue siendo, y seguirá siendo, un enigma fascinante, estimulante y siempre abierto a nuevas exploraciones.

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RESEÑA DE "MÁS ALLÁ DE ORIÓN. LAS CLAVES DEL UNIVERSO BLADE RUNNER"

 

RESEÑA DE "MÁS ALLÁ DE ORIÓN. LAS CLAVES DEL UNIVERSO BLADE RUNNER"

Hace más de cuarenta años, Blade Runner irrumpió en la historia del cine como un hito del género de ciencia ficción y del cine negro futurista, redefiniendo la manera de imaginar el futuro y explorar los límites de la humanidad, la identidad y la memoria. Su estreno en 1982 no solo ofreció un espectáculo visual revolucionario con paisajes urbanos distópicos y una atmósfera única, sino que también planteó preguntas filosóficas y éticas que siguen resonando en la cultura contemporánea. Con el paso de los años, la película se ha consolidado como un clásico intemporal, objeto de análisis académico, influencia estética y referencia obligada en el cine de ciencia ficción, el arte digital, la arquitectura urbana y la narrativa audiovisual global.

En este contexto, el ensayo “Más allá de Orión”, de Ana de Haro, publicado por Héroes de Papel, se erige como una contribución significativa a la extensa bibliografía sobre Blade Runner en España, donde ya se cuentan cerca de veinte libros dedicados a esta obra magna. A pesar de la profusión de estudios previos, el trabajo de Ana de Haro aporta un enfoque renovador y profundo, que combina análisis cinematográfico, historia del arte, filosofía y teoría cultural para explorar no solo la película de Ridley Scott, sino también su legado estético y conceptual en la sociedad contemporánea.

El ensayo se distingue por su capacidad de articular de manera crítica las diversas dimensiones de Blade Runner: desde la construcción de su universo visual y sonoro hasta la interpretación de sus metáforas sobre humanidad y tecnología. De Haro examina cómo los elementos futuristas, los paisajes urbanos deconstruidos y la narrativa distópica no solo han marcado un estándar en la ciencia ficción cinematográfica, sino que también han influido en la literatura, la ilustración, la moda y la arquitectura contemporánea. Además, el libro reflexiona sobre la evolución de la recepción de la película, desde su estreno inicial hasta su estatus actual como obra de culto, destacando cómo Blade Runner sigue provocando debates sobre ética, inteligencia artificial y la condición humana.

A lo largo de sus capítulos, analiza la construcción del paisaje urbano, la importancia de la música, la evolución visual entre 1982 y 2049, el impacto del cambio climático, la influencia del cómic y del diseño de producción, así como la representación de los personajes femeninos y la constante deshumanización que atraviesa la saga. Especial atención reciben los replicantes, figuras que encarnan las preguntas esenciales sobre la identidad, la empatía y el sentido de la vida, hasta el punto de resultar “más humanos que los humanos”. Más allá del análisis académico, Más allá de Orión se afirma como una reflexión sobre el poder emocional de las historias y su capacidad para acompañarnos a lo largo del tiempo, confirmando a Blade Runner como una obra viva que sigue interpelando a cada nueva generación de espectadores.

Más allá de Orión es un ensayo de gran ambición analítica y vocación enciclopédica que se propone desentrañar todas las capas ,narrativas, estéticas, filosóficas y culturales, del universo Blade Runner. Publicado por Héroes de Papel en una cuidada edición de 250 páginas en tapa dura, el libro fue distinguido con el Premio ASECAN al Mejor Libro de Cine y/o Audiovisual en 2021, consolidándose como una obra de referencia dentro de los estudios cinematográficos contemporáneos. El volumen se abre con un prólogo firmado por Concepción Perea y Jordi Noguera.

La obra comienza rastreando el origen de todo el universo Blade Runner en la figura de Philip K. Dick, analizando tanto su obra literaria como su conflictiva relación con la industria cultural. De Haro explora la tensión constante entre autor y sistema, deteniéndose en la importancia de la empatía como eje central del pensamiento dickiano y en la manera en que humanos y androides funcionan como espejos morales. El ensayo reivindica a los grandes olvidados del proceso creativo mostrando las diferencias entre novela y la adaptación cinematográfica de Scott. En Dick contra el mundo la autora nos enseña las aportaciones del escritor al film. Para la autora Philip K. Dick  es un autor en lucha permanente contra el mundo, cuyas obsesiones filosóficas ,la identidad, la percepción de la realidad y la fragilidad de lo humano, terminan impregnando toda la mitología posterior de Blade Runner.

El análisis se desplaza después hacia la película de Ridley Scott, abordada desde múltiples ángulos narrativos y estéticos. La autora desgrana las distintas sinopsis posibles del filme, demostrando cómo la historia admite lecturas superpuestas y a veces contradictorias. Se examinan los antecedentes creativos que confluyen en la película, desde el cine negro y el ciberpunk hasta las tradiciones del robot y el monstruo, así como el delicado equilibrio entre adaptación, inspiración y apropiación. Especial atención recibe el proceso de escritura del guion, las decisiones terminológicas fundamentales ,como la distinción entre replicantes y androides, y la construcción de los personajes principales, analizados uno a uno como arquetipos trágicos dentro de una fábula futurista profundamente melancólica.

El libro no elude los conflictos de producción que marcaron el rodaje, descritos casi como una guerra creativa: despidos, luchas de poder, improvisaciones constantes y enfrentamientos entre director, actores y productores. Estos episodios sirven para explicar las múltiples versiones de la película, los problemas de continuidad, los errores de doblaje y las decisiones de montaje que han alimentado el mito durante décadas. De Haro analiza cómo la voz en off y el final feliz impuestos inicialmente transformaron el sentido de la obra, y cómo las distintas versiones posteriores ofrecen caras diferentes de una misma moneda narrativa.

La interpretación de Blade Runner ocupa un lugar central en el ensayo. La autora se adentra en las múltiples lecturas posibles del filme, desde las más filosóficas hasta las simbólicas, deteniéndose en escenas clave y en frases icónicas que han pasado a la historia del cine. El análisis no busca cerrar el significado de la obra, sino mostrar su riqueza interpretativa y su capacidad para generar nuevas preguntas con cada visionado.

La atención se desplaza luego a Blade Runner 2049, entendida como una continuación tardía que dialoga con el original desde la nostalgia, la revisión y la expansión temática. Se examina el contexto de su producción, el rodaje y los prólogos que acompañaron su estreno, así como la compleja relación entre replicantes, humanos y figuras intermedias. De Haro analiza la recepción crítica y comercial, el peso del pasado en su estética deslumbrante y la tensión entre homenaje y repetición de clichés. Temas como el sentido de la vida, la maternidad, el trauma y la memoria ocupan un lugar destacado, culminando en una reflexión sobre si esta continuación era realmente necesaria o si su valor reside precisamente en esa pregunta.

El ensayo amplía su mirada hacia otros productos del universo Blade Runner, incluyendo secuelas oficiales, cortometrajes, cómics, videojuegos y rarezas menos conocidas. Este recorrido demuestra cómo el mundo creado en 1982 ha generado una red transmedia compleja, a veces irregular, pero siempre fascinante, que sigue explorando los límites de lo humano y lo artificial.

Uno de los apartados más ricos del libro es el dedicado al legado cultural de Blade Runner. De Haro rastrea la influencia de Philip K. Dick en el cine y en otros espacios inesperados, así como el impacto directo de Blade Runner en la literatura, el cine posterior, las series y los videojuegos. La autora muestra cómo la figura del replicante se ha multiplicado en nuevas formas ,cylons, androides, inteligencias artificiales, y cómo la obra ha permeado incluso territorios aparentemente ajenos, desde el terror hasta la fantasía más excéntrica.

La ciudad ocupa un lugar esencial en el análisis. Los Ángeles/San Ángeles es descrita como una urbe de pesadilla, heredera de las visiones de Moebius y Syd Mead, un espacio infernal que combina decadencia industrial, multiculturalidad y exceso visual. El contraste entre el 2019 lluvioso y oscuro y el 2049 dominado por la nieve ácida sirve para reflexionar sobre el paso del tiempo, la degradación del mundo y la pérdida progresiva de esperanza. La lengua, los acentos y la mezcla cultural son leídos como signos de un futuro fragmentado y globalizado.

La música del universo Blade Runner recibe un análisis específico que subraya su papel emocional y narrativo. Desde la espera de décadas hasta la combinación de sintetizadores y sonidos orientales, la banda sonora es presentada como un elemento fundamental para construir la nostalgia futurista que define a la saga, dejando huellas tan persistentes como las pisadas en la nieve.

El libro dedica un extenso apartado a uno de los debates más célebres del fandom: la posible condición de replicante de Deckard. De Haro recorre el origen de la controversia, los símbolos ,como el unicornio,, los argumentos a favor y en contra, las versiones alternativas y las ambiguas confirmaciones posteriores. Lejos de cerrar el debate, el ensayo muestra cómo esta ambigüedad es una de las mayores fortalezas del universo Blade Runner.

Desde una perspectiva claramente feminista, la autora ofrece una mirada violeta sobre las mujeres de carne y metal que habitan este mundo. Se analizan las distintas figuras femeninas, tanto humanas como replicantes, atendiendo a su representación, su agencia y su relación con el deseo, el poder y la violencia. Las mujeres de Blade Runner son leídas como cuerpos narrativos complejos que reflejan las tensiones de género de su tiempo y anticipan debates contemporáneos.

La reflexión final gira en torno a la muerte, la vida y el tiempo como ejes fundamentales de la saga. De Haro analiza el duelo, la figura del creador irresponsable, la obsolescencia programada y el célebre monólogo de las lágrimas en la lluvia, desentrañando su simbolismo cristiano y existencial. La razón última de Blade Runner se revela así como una meditación profunda sobre la fugacidad de la existencia y el deseo desesperado de dejar una huella.

El ensayo se cierra confrontando la visión del futuro imaginado en 2019 con el mundo real de 2019, entendiendo la ciencia ficción como advertencia, espejo y crítica. Entre luces y sombras, Blade Runner aparece como un noir futurista que sigue dialogando con nuestro presente, confirmando que, más allá de Orión, las preguntas que plantea continúan siendo radicalmente humanas.

En definitiva, “Más allá de Orión” no se limita a ser un libro más dentro de la extensa bibliografía española sobre Blade Runner, sino que se convierte en un ensayo que aporta nuevas perspectivas y una lectura crítica profunda, ofreciendo herramientas para comprender la relevancia histórica, estética y cultural de una película que, después de más de cuarenta años, sigue proyectando luz sobre nuestra imaginación y nuestra percepción del futuro.

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RESEÑA DE "RETROFANTÁSTICO: PERSPECTIVAS DE UN PASADO IMAGINADO" DE CINESTESIA

 

RESEÑA DE "RETROFANTÁSTICO: PERSPECTIVAS DE UA PASADO IMAGINADO"

Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado es una publicación colectiva que recoge los resultados de investigación del IV Congreso Internacional de Género Fantástico, Audiovisuales y Nuevas Tecnologías, celebrado en Elche en noviembre de 2021. Coordinado y editado por Mario-Paul Martínez Fabre, Fran Mateu y Miguel Herrero Herrero, y publicado por la editorial Cinestesia, el libro se presenta como un espacio académico de referencia para el estudio del género fantástico y sus múltiples manifestaciones culturales y mediáticas.

Es especialmente relevante destacar que este libro no surge de manera aislada, sino que es producto de una iniciativa pionera: la creación de un congreso internacional por parte del Festival Internacional de Cine Fantástico de Elche – FANTAELX, un festival que ha sabido articular desde 2018 un espacio académico propio dentro de su programación. Cada edición del Congreso no solo fomenta la investigación sobre cine fantástico y nuevas tecnologías, sino que también genera un libro anual que recopila las ponencias y contribuciones más significativas, consolidando un legado editorial único en España en torno al estudio académico del género fantástico y sus múltiples plataformas.

La obra surge de un congreso internacional que combinó modalidades presencial y online, contando con la participación de 34 investigadores de instituciones académicas de China, Francia, Portugal, Ecuador y España, entre otras. El libro refleja el carácter interdisciplinar del evento, en el que convergen estudios de cine, televisión, literatura, cómic, videojuegos, realidad virtual, artes plásticas, sociología y metodologías de enseñanza.

En particular, Retrofantástico centra su atención en la línea temática de lo retrofantástico, entendida como la exploración de imaginarios pasados a través de diversas plataformas culturales y tecnológicas. Los ensayos incluidos analizan cómo elementos del pasado se reinterpretan en la cultura contemporánea, abarcando desde la narrativa audiovisual y los videojuegos hasta la publicidad y la historiografía, ofreciendo un enfoque amplio y diverso sobre cómo el pasado imaginado configura nuestra comprensión del presente y del futuro.

La publicación combina rigor académico con una perspectiva abierta y plural, reflejando tanto la investigación teórica como las aplicaciones prácticas del género fantástico. Asimismo, constituye un testimonio del carácter internacional y colaborativo del Congreso, mostrando la vitalidad de los estudios sobre cultura retrofantástica y su capacidad para dialogar con disciplinas variadas y metodologías innovadoras.

Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado es, en definitiva, una obra de referencia para investigadores, docentes y aficionados al género fantástico, que consolida el papel de Cinestesia y del Grupo de Investigación Massiva en la difusión de estudios culturales sobre cine, medios audiovisuales y nuevas tecnologías.

El libro reúne 22 capítulos escritos por investigadores nacionales e internacionales, abarcando cine, literatura, videojuegos, animación, videoclip, artes plásticas y otras expresiones culturales. Su objetivo es analizar cómo la estética y la narrativa retro, desde el posmodernismo, reconfiguran el pasado para proyectar imaginarios futuros. La obra se puede organizar en tres grandes bloques temáticos: retro-apropiaciones y retrofuturismo, retrogaming y videojuegos fantásticos, y lo retro en cine y narrativa audiovisual.

La primera sección del libro se centra en las retro-apropiaciones y el retrofuturismo, estableciendo los fundamentos teóricos y conceptuales que atraviesan toda la obra. Jeffrey Andrew Weinstock abre el volumen con Cartas de amor desde el futuro: el desguace sublime, donde introduce el concepto de salvagepunk, un subgénero postapocalíptico en el que la recuperación y el reciclaje de materiales se convierten en metáfora de resiliencia, supervivencia y crítica al capitalismo contemporáneo. Elizabeth Guffey, en De lo retro a lo steampunk y más allá, analiza cómo la estética steampunk y la filosofía DIY (hazlo tú mismo) obligan a reconsiderar la relación entre cuerpo, tecnología y rebeldía, conectando la nostalgia industrial con la proyección de futuros imaginados. Johanna Caplliure, con Arabofuturismo. Mundos por venir, futuros pasados posibles y ficciones desde el worlding, amplía la perspectiva hacia el mundo árabe, explorando narrativas audiovisuales de autores contemporáneos que construyen futuros posibles desde imaginarios culturales diversos, demostrando que el retrofuturismo no es exclusivamente occidental. Marta Piñol Lloret, en De la Beast People a las Beasties, estudia cómo la trilogía de Scott Westerfeld incorpora genética y Darwinismo en mundos alternativos, estableciendo un diálogo entre ciencia y ficción bajo una estética retrofantástica. Olivia Dorado, con Estructuración de una ‘tecnoestética’ de las herramientas digitales en la película fantástica, analiza cómo ciertos elementos visuales perduran en el tiempo y cómo la combinación de tecnología y nostalgia permite construir universos cinematográficos coherentes y reconocibles. Raúl Fortes-Guerrero, en Retrofuturismo y steampunk en el cine de Hayao Miyazaki, aborda el cine del director japonés como un ejemplo de romanticismo de las máquinas, donde la nostalgia industrial se entrelaza con la evolución emocional de los personajes, proyectando un futuro poético y humanizado.

En el bloque dedicado a lo retro en cine clásico y narrativa audiovisual, los autores profundizan en cómo lo retro se materializa en la imagen y la narrativa. Mónica Sánchez Tierraseca, en Imágenes desde el futuro, examina la adaptación cinematográfica de El hombre ilustrado de Ray Bradbury, mostrando cómo los elementos visuales trasladan el retrofuturismo literario a la pantalla. Daniel Pérez-Pamies, en Reminiscencias de un futuro improbable: Premonitions Following an Evil Deed, estudia el cortometraje de David Lynch, destacando la tensión entre pasado y futuro y la construcción de lo extraño como eje de lo retrofantástico. Juan Agustín Mancebo Roca analiza el cine de Karel Zeman, evidenciando cómo sus mundos fantásticos incorporan códigos visuales del pasado mediante técnicas tradicionales y narrativas innovadoras. Anna Tarragó Mussons y Juan José Caballero Molina, con Nostalgia mainstream: Stranger Things, estudian la serie como ejemplo de retrofantástico popular, explicando cómo la nostalgia estética y narrativa permite conectar generaciones de espectadores mediante iconografía y referencias culturales de los años 70 y 80. Germán Piqueras Arona, en Historias para poder pensar, analiza la obra de Narciso Ibáñez Serrador, mostrando cómo lo retro funciona como recurso crítico y reflexivo sobre la sociedad y la historia reciente. Marina Díaz-Caneja Alepuz y Amparo Alepuz Rostoll examinan la obra de Eduardo Casanova, destacando cómo la combinación de lo retro y lo fantástico estructura su poética audiovisual desde cortometrajes hasta videoclips, integrando técnicas contemporáneas en un diálogo posmoderno con el pasado. João Luís Nunes Serra de Almeida, en Cambiar las precondiciones de la propia existencia, analiza Regreso al Futuro, explorando la dimensión ontológica del viaje temporal y la posibilidad de intervenir en la propia historia, entre nostalgia, fantasía y crítica social de los años ochenta. Sergio Luna, en Fuego engendra nieve, estudia el morphing digital pionero de Willow, mostrando cómo la innovación tecnológica contribuye a la construcción de la estética retrofuturista del cine fantástico de la época. Finalmente, Marta Miquel-Baldellou, con Dualidades, dobles y espejos: Agnosia de Eugenio Mira, demuestra cómo los recursos del romance gótico y la narrativa decimonónica se reconfiguran en el cine contemporáneo, generando metáforas visuales y sensoriales que reinterpretan lo fantástico desde la posmodernidad.

El libro dedica un apartado completo al retrogaming y los videojuegos fantásticos, destacando cómo el retrofuturismo se expresa en la cultura digital y lúdica. Juan Pablo Montalvo Valencia, con En búsqueda del retrogaming del futuro, analiza la preservación de videojuegos antiguos y la construcción de una memoria colectiva activa por parte de la comunidad de jugadores. José Luis Maravall Llagaria, en El videojuego retro como objeto de estudio, clasifica las aproximaciones al pixel art en tres tipos: autolimitación creativa, recurso estético y reinterpretación consciente de la tradición digital. Juan Vela Bermejo, en La (des)actualización del videojuego fantástico, estudia remakes y demakes en Final Fantasy VII, reflexionando sobre la obsolescencia tecnológica y la reescritura del pasado digital. Raúl Gisbert Cantó amplía el análisis en La combinación del concepto retro y steampunk medieval en Final Fantasy IX, aplicando un enfoque semiótico para desentrañar la construcción visual y narrativa del juego. Francisco Cuéllar Santiago, con Polybius, una leyenda creepypasta, explora la creación de mitos y leyendas urbanas vinculadas a videojuegos, evidenciando la interacción entre retro, fantasía y memoria colectiva digital. Isabelle-Rachel Casta, en Consola y consuelo, analiza el uso del retrogaming en la serie Ozark, mostrando cómo el videojuego actúa como dispositivo narrativo, nostálgico y simbólico dentro de la ficción.

Finalmente, la obra se abre a arte, música y prácticas transversales, destacando cómo lo retrofantástico se manifiesta más allá del cine y los videojuegos. Sílvia Catarina Pereira Diogo, en El tableau vivant huele a retrofuturism, estudia la figura de Élisabeth en Les Enfants Terribles, demostrando cómo se convierte en referente recurrente de la heroína retrofantástica en adaptaciones audiovisuales y musicales. Estos capítulos evidencian que lo retro no se limita a la nostalgia, sino que se configura como un instrumento crítico y creativo para repensar la historia, la tecnología y la ficción desde una mirada posmoderna.

En conclusión, Retrofantástico. Perspectivas de un pasado imaginado ofrece un mapa exhaustivo y heterogéneo del retrofantástico, mostrando cómo la posmodernidad resignifica el pasado para proyectar futuros posibles. La obra demuestra la interacción entre nostalgia, ironía y reinterpretación a través de cine, literatura, videojuegos, música y artes visuales, consolidándose como una referencia esencial para académicos, investigadores y aficionados del género fantástico que buscan comprender cómo lo pasado inspira, provoca y moldea lo que está por venir. Cada capítulo aporta una pieza de este complejo puzzle, articulando una visión integrada del retro como fenómeno cultural, crítico y creativo.

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NOVEDAD DE FESTER: "GERMANÍACOS: EL MEJOR ULTRA-GORE ALEMÁN"

 

Germaníacos: El mejor ultra-gore alemán

Manolito Motosierra 

A finales de los años 80, un grupo de cineastas alemanes revolucionó el terror con el nacimiento del "ultra-gore". A través de figuras clave como Jörg Buttgereit, Olaf Ittenbach y Andreas Schnaas, el cine alemán llevó el gore a un nivel extremo, explorando lo más oscuro de la violencia y el sufrimiento humano. Películas como "Nekromantik" y "Violent Shit" no solo desafiaron los límites de la moralidad, sino que también crearon una estética única de horror visceral y perturbador. Esta corriente cinematográfica no solo transformó el cine de terror, sino que dejó una marca indeleble en la cultura del cine

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FYVXF9PV

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 31 octubre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 152 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8272434180

Peso del producto ‏ : ‎ 213 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 17 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 0.89 x 22.86 cm

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RESEÑA DE "EL SUPERHÉROE DE LAS MIL CARAS" DE ERRATA NATURAE

 

RESEÑA DE "EL SUPERHÉROE DE LAS MIL CARAS" DE ERRATA NATURAE

En El superhéroe de las mil caras, Enric Ros se aproxima al territorio de los superhéroes desde una posición poco habitual: la de un lector apasionado que no renuncia a la distancia crítica ni a la libertad ensayística. El punto de partida del libro es claro y ambicioso: estas figuras no pueden reducirse a simples mercancías del entretenimiento, sino que constituyen un sistema mítico contemporáneo plenamente activo, heredero de los relatos fundacionales de la cultura occidental. En sus páginas, el cómic aparece como un laboratorio simbólico donde se condensan conflictos psicológicos, tensiones políticas y dilemas morales propios de la modernidad, reivindicado no como objeto menor, sino como un espacio narrativo legítimo para pensar la realidad contemporánea.

La apertura del ensayo, articulada en torno a la noción de arrebato —entendida como experiencia estética intensa y transformadora— establece desde el inicio una poética del entusiasmo reflexivo. Para Ros, escribir sobre cómics implica recuperar el impacto de aquellas primeras lecturas que operaron como detonantes de sentido y de imaginación. El libro surge en un tiempo de suspensión colectiva, marcado por la pandemia, pero evita el repliegue confesional para convertir ese paréntesis histórico en una ocasión propicia para la reflexión cultural. Los cómics de la infancia y la adolescencia no se presentan como fetiches nostálgicos, sino como umbrales simbólicos desde los que se configuran mitologías íntimas y compartidas.

El desarrollo del libro adopta una estructura deliberadamente no lineal, acorde con la lógica expansiva del propio género superheroico. Ros construye una lectura rizomática que dialoga con la mitología comparada, el psicoanálisis, la filosofía y la historia cultural sin someterse a un aparato teórico rígido. El texto transita con naturalidad por distintas épocas, autores y tradiciones —desde los pioneros del cómic hasta sus reformulaciones contemporáneas— para mostrar cómo los superhéroes reactualizan figuras arquetípicas como el dios caído, el doble, el monstruo, el mesías o el excluido. El resultado es la cartografía de un Gran Relato fragmentario pero coherente, sostenido por décadas de narración colectiva.

Uno de los núcleos más fértiles del ensayo es su aproximación psicológica al superhéroe como figura sintomática. Ros analiza cómo la culpa, el trauma, la pulsión de muerte o la violencia estructuran muchas de las grandes sagas del género, convirtiendo a estos personajes en vehículos para procesar miedos sociales persistentes: la guerra, la amenaza nuclear, la marginación, el racismo o la alienación producida por el capitalismo. El superhéroe se revela así como una figura profundamente ambigua, atrapada entre la promesa de salvación y la imposibilidad de clausurar el conflicto que le da sentido.

A esta lectura se suma una atención sostenida a la dimensión política del género. El libro examina cómo la narrativa superheroica ha dialogado históricamente con el poder, oscilando entre la propaganda ideológica y la crítica del sistema. Desde los discursos patrióticos más explícitos hasta las relecturas autorreflexivas y subversivas, Ros muestra que el cómic ha sabido absorber tanto impulsos conservadores como fuerzas de disidencia. Esta capacidad de contradicción lo convierte en un espejo especialmente elocuente de las ambigüedades de la cultura de masas en el capitalismo tardío.

Otro de los grandes aciertos del ensayo es su defensa del cómic como arte híbrido, voraz y sin complejos. Las narrativas superheroicas se nutren indistintamente de mitologías clásicas, literatura gótica, pulp, cine, arte pop, vanguardia y cultura underground, sin establecer jerarquías entre lo culto y lo popular. Ros rehúye conscientemente cualquier tentativa de canon cerrado o de exhaustividad académica; su escritura se permite el rodeo, la digresión y el descubrimiento fortuito, invitando al lector a recorrer el archivo infinito del cómic como un territorio de exploración simbólica.

El propio título del libro, en diálogo irónico con la obra de Joseph Campbell, condensa bien esta postura. Más que aplicar mecánicamente el esquema del monomito al superhéroe, Ros se interesa por mostrar su fragmentación, multiplicación y constante reescritura en la cultura contemporánea. El superhéroe ya no responde a un trayecto único y cerrado, sino a una proliferación de relatos que reflejan una época saturada de imágenes, remakes y universos compartidos. En este sentido, el libro trasciende el análisis del cómic para convertirse en una reflexión más amplia sobre la persistencia —y la mutación— del mito en el presente.

Durante décadas, el cómic de superhéroes estuvo marcado por un prejuicio cultural que lo relegó a un consumo vergonzante, tolerado solo bajo la coartada de formatos considerados más nobles. El superhéroe de las mil caras desmonta ese complejo de inferioridad con argumentos sólidos y una mirada histórica amplia. El libro afirma que el cómic no es una distracción menor, sino una vía plenamente válida de acceso al pensamiento simbólico y a la imaginación mitológica, en continuidad directa con los grandes relatos clásicos que han estructurado la cultura occidental.

Desde esta óptica, el superhéroe se presenta como una proyección psicológica del sujeto contemporáneo: una figura que canaliza la frustración, el miedo y el deseo de orden en un mundo percibido como inestable y desbordado. Esta lectura se entrelaza con un análisis crítico de la evolución industrial del medio, que ha pasado de ser un producto popular y accesible a convertirse en un objeto de consumo elitista, marcado por ediciones de lujo y una lógica fetichista. Ros no idealiza ni condena este proceso, sino que señala la tensión entre el arrebato lector originario y la apropiación adulta del cómic como mercancía cultural.

Uno de los ejes conceptuales más potentes del libro es la reivindicación del mito como entidad impura, mestiza y en perpetua transformación. Frente a la obsesión moderna por la autoría y la pureza cultural, el ensayo defiende la reescritura, la contradicción y la traición como fuerzas creativas fundamentales. Los superhéroes, como los héroes homéricos, no pertenecen a una sola voz ni a una única época, sino que se configuran como entidades narrativas atravesadas por sensibilidades múltiples. En un tiempo en el que los grandes relatos tradicionales han perdido su autoridad, estas figuras adquieren una renovada centralidad simbólica como respuesta imaginaria al vacío de sentido.

El libro propone además una sugerente lectura del imaginario superheroico como una forma de teología laica. Los universos de Marvel y DC no sustituyen simplemente a los antiguos panteones, sino que los expanden en estructuras narrativas cada vez más complejas. Entidades abstractas que encarnan fuerzas como el tiempo, el juicio o la destrucción revelan una persistente necesidad de representar lo absoluto. En este cosmos pop, lo sagrado ya no adopta formas antropomórficas, sino conceptuales, y la metafísica se expresa mediante iconografía popular.

Ros también presta atención a la dimensión material e histórica del cómic, recordando las condiciones precarias de su producción y recepción durante buena parte del siglo XX. La censura, la precariedad editorial y el desprecio institucional deformaron muchas obras, relegándolas a ediciones defectuosas y lecturas fragmentarias. Frente a ello, el libro recupera una memoria material del medio que permite entender tanto su marginación histórica como su posterior revalorización estética y cultural.

Otro aspecto central del ensayo es la reivindicación del cómic como arte visual en sentido pleno. Las grandes planchas de los autores clásicos, concebidas a menudo para una reproducción deficiente, encierran una riqueza compositiva y formal que solo el tiempo y las ediciones cuidadas han permitido apreciar. Ros subraya que, incluso cuando esos detalles resultaban invisibles para el lector original, formaban parte de una ética creativa donde el acto de dibujar conservaba un valor intrínseco más allá del mercado.

En este recorrido, ocupa un lugar destacado la figura del androide y del ser artificial como uno de los grandes mitos modernos. Personajes diseñados para obedecer o servir acaban desarrollando conciencia, afectos y dilemas morales que los sitúan en una posición ética paradójica frente a sus creadores. El libro muestra cómo el cómic anticipó debates actuales sobre inteligencia artificial, transhumanismo y subjetividad, convirtiendo a estos seres en espejos inquietantes de nuestras propias aspiraciones y temores.

Ros no olvida, finalmente, la dimensión generacional y afectiva del cómic de superhéroes. Estas historias han sido refugio, escuela emocional y espacio de pertenencia para lectores que durante años ocultaron esa pasión bajo el peso del desprecio cultural. El ensayo reconoce ese vínculo íntimo sin idealizarlo, integrándolo en una reflexión más amplia sobre memoria, identidad y legitimación simbólica. Leer superhéroes deja de ser un gesto privado para afirmarse como una forma legítima de conocimiento cultural.

En conjunto, El superhéroe de las mil caras se presenta como un ensayo heterodoxo, lúcido y profundamente disfrutable, que reivindica el valor intelectual y simbólico del cómic sin pedir permiso ni a la academia ni al mercado. Dirigido tanto a lectores veteranos como a exploradores culturales, el libro demuestra que, más allá de la sobreexplotación industrial del género, los superhéroes siguen albergando una potencia mítica capaz de interpelarnos y ayudarnos a pensar quiénes somos y por qué, incluso hoy, seguimos necesitando héroes.

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NOVEDAD DE FESTER:"THE HOOPER CHAINSAW MASSACRE"

The Hooper chainsaw massacre 

Manolito Motosierra

Este libro explora la visión única del director Tobe Hooper, uno de los cineastas más influyentes en el género del terror. Desde su obra maestra La masacre de Texas hasta sus experimentos televisivos con Salem's Lot, Hooper redefinió los límites del miedo y la violencia en la pantalla. A través de un análisis de sus películas más representativas, se examinan los temas recurrentes en su filmografía: la deshumanización, la amenaza invisible y la crítica a la sociedad americana. A lo largo de este recorrido, descubrimos cómo Hooper logró combinar lo grotesco y lo surreal para crear una estética singular, siendo un pionero en el uso de lo horroroso como vehículo de reflexión social. Un homenaje a su legado y a su influencia en el cine de terror contemporáneo.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0G5PY31KM

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 8 diciembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 128 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8277928349

Peso del producto ‏ : ‎ 136 g

Edad de lectura ‏ : ‎ De 13 a 18 años

Dimensiones ‏ : ‎ 12.7 x 0.74 x 20.32 cm

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