Entrevista a Francisco Bracero Jerez autor de Steampunk, una estética retrofuturista
¿Recuerda cuándo fue su primer contacto con el steampunk? ¿Qué fue lo que le fascinó de este universo estético y narrativo?
Hace unos años, mientras planeaba la estructura de mi novela Esclavos de la Sangre me encontré un serio problema: por más vueltas que le daba, más obvio resultaba que la historia que quería contar ya la había leído en otros libros. Necesitaba un revulsivo que animara al lector a implicarse en la historia. Así que me puse a buscar a ciegas, hasta dar con una imagen que consistía en zepelines, rascacielos que se alzaban sobre ciudades repletas de humo e ingenios mecánicos.
La estética que presentaba me atrapó al instante.
No tardé en descubrir que el género al que pertenecían se llamaba steampunk y el significado que ocultaban las imágenes era mucho más profundo de lo que parecía a simple vista, esa tensión entre lo conocido y lo fantástico, entre las apariencias victorianas en contraste con la reorganización de la máquina de vapor, el hierro y los personajes que difieren de la historia que conocemos. En esta vuelta al pasado para criticar el presente no solo me pareció la chispa que necesitaba, sino una puerta de entrada para estudiar a fondo este género.
En la introducción afirma que el steampunk es mucho más que una propuesta visual llamativa. ¿Qué valores o ideas cree que suelen pasar desapercibidos para quienes solo conocen su estética superficial?
Creo que lo que suele pasar más desapercibido es que el steampunk no utiliza su estética como un simple envoltorio llamativo, sino como un instrumento crítico y conceptual que cuestiona nuestra relación con la tecnología, la historia y el poder: tras la fascinación por los engranajes y el vapor hay una reivindicación de una técnica visible, comprensible y participativa frente a la opacidad digital contemporánea, una impugnación de la idea de progreso lineal al imaginar alternativas históricas posibles, y una voluntad de reescribir el pasado desde los márgenes dando protagonismo a sujetos tradicionalmente excluidos, como mujeres, clases trabajadoras o identidades disidentes; además, esa atención al detalle material y artesanal no responde solo a un gusto decorativo, sino que se convierte en una crítica a la producción masiva y al consumo pasivo, al tiempo que invita al lector o al espectador a implicarse activamente en la construcción del sentido, de modo que la estética deja de ser superficial para convertirse en el núcleo mismo del significado y en una forma de resistencia cultural frente a las lógicas dominantes de la modernidad.
El steampunk sigue muy presente en la literatura, el cine, los videojuegos y la moda. ¿A qué atribuye la vigencia de un movimiento nacido hace ya cuatro décadas?
Atribuiría su vigencia a que el steampunk no depende de una moda concreta, sino que responde a inquietudes muy actuales: en un contexto dominado por tecnologías opacas, consumo rápido y sensación de saturación cultural, el género ofrece una alternativa reconocible al proponer una relación más humana, visible y creativa con la técnica, donde el sujeto no es un usuario pasivo sino un agente que comprende y transforma los objetos; al mismo tiempo, su relectura crítica del siglo XIX le permite cuestionar problemas que siguen vigentes (desigualdad social, género, colonialismo) sin quedar atrapado en el presente inmediato. Creo que funciona como un laboratorio imaginativo donde explorar otras formas de modernidad; además, su carácter híbrido y transmedia, capaz de integrarse en literatura, cine, videojuegos o moda, facilita su constante renovación, mientras que su dimensión participativa, especialmente visible en el cosplay y la cultura del hazlo tú mismo, convierte a los seguidores en creadores, reforzando una comunidad activa; en definitiva, te diría que el steampunk perdura porque no es solo una estética reconocible, sino una herramienta flexible para pensar el presente, recuperar agencia frente a la tecnología y construir identidades críticas y creativas.
¿Por qué decidió dedicar un ensayo específicamente a la dimensión estética del steampunk en lugar de abordar el género desde una perspectiva exclusivamente literaria?
Decidí centrarme en la dimensión estética porque, tal como defiendo en el ensayo, en el steampunk la estética no es un elemento accesorio ni subordinado al relato, sino el lugar donde se genera el sentido mismo, ya que son los objetos, los materiales, las máquinas y su disposición visual los que articulan tanto la experiencia narrativa como su carga simbólica y crítica; abordarlo únicamente desde una perspectiva literaria habría reducido el análisis a tramas, personajes o convenciones genéricas, dejando fuera aquello que hace singular al movimiento: su condición de estética total que atraviesa arquitectura, moda, diseño y prácticas culturales como el cosplay, y que funciona como un lenguaje capaz de cuestionar la idea de progreso, repensar la relación entre ser humano y tecnología y visibilizar dimensiones políticas ligadas a la historia y a la materialidad; en este sentido, analizar la estética no es apartarse de lo literario, sino ampliarlo, porque en el steampunk la narración no se limita al texto, sino que se encarna en formas, objetos y experiencias que hacen del género un fenómeno cultural mucho más amplio y complejo
El libro dedica un capítulo importante a la época victoriana. ¿Qué tiene ese periodo histórico que lo convierte en el escenario ideal para la imaginación steampunk?
La época victoriana se convierte en el escenario ideal para el steampunk porque concentra, de forma especialmente intensa, las tensiones que el género quiere explorar: es el momento en que nace la modernidad industrial, con avances científicos y tecnológicos extraordinarios, pero también con una estructura social profundamente desigual basada en clase, género y raza; esa combinación de innovación y conflicto permite al steampunk trabajar simultáneamente con fascinación y crítica, utilizando el vapor, la máquina y la ingeniería como símbolos de progreso, pero también como herramientas para cuestionarlo. Además, es un periodo donde la tecnología todavía es visible, material y comprensible (engranajes, fábricas, ferrocarriles) lo que facilita su reinterpretación estética como algo tangible frente a la opacidad digital actual, y donde la sociedad está lo suficientemente codificada en normas, jerarquías y roles como para poder ser subvertida narrativamente; por ello, defiendo que el steampunk no elige la Inglaterra victoriana por nostalgia, sino porque funciona como un laboratorio histórico donde imaginar alternativas, desviar el curso del progreso y dar voz a sujetos marginados, convirtiendo ese pasado en un espacio abierto a la experimentación cultural y política.
En su opinión, ¿el steampunk idealiza el siglo XIX o lo utiliza como una herramienta para reflexionar críticamente sobre nuestro presente?
En mi opinión, el steampunk no idealiza el siglo XIX, sino que lo utiliza como una herramienta crítica para reflexionar sobre nuestro presente ya que toma ese periodo histórico precisamente por sus contradicciones (el auge del progreso técnico junto a profundas desigualdades sociales y sistemas de dominación) y lo reinterpreta mediante anacronismos y ficciones alternativas que permiten cuestionar la idea de progreso como algo lineal e inevitable. En lugar de ofrecer una visión nostálgica, el género convierte la Inglaterra victoriana en un laboratorio donde se ponen en tensión tecnología, poder y ética, mostrando que los mismos avances que simbolizan modernidad también pueden generar exclusión o control, y abriendo la posibilidad de imaginar otras formas de desarrollo más humanas y participativas; así, esa mezcla de fascinación estética y distancia crítica no busca reconstruir el pasado tal como fue, sino usarlo como espejo deformante para entender mejor las lógicas del presente tecnocrático y proponer alternativas culturales, sociales y tecnológicas más inclusivas y conscientes
En el apartado dedicado a la arquitectura y el interiorismo, ¿qué elementos visuales considera esenciales para reconocer una obra steampunk?
En el steampunk, los elementos visuales esenciales para reconocer una obra se basan en la exhibición material y mecánica de la tecnología y en la mezcla de estilos históricos con invenciones anacrónicas: destacan estructuras arquitectónicas donde hierro, vidrio y ladrillo quedan a la vista (cerchas, pilares, remaches) en continuidad con la lógica industrial victoriana, pero exageradas o reinterpretadas. A esto se suma la presencia constante de mecanismos visibles como engranajes, válvulas, tuberías y máquinas de vapor que dejan de ocultarse para convertirse en protagonistas estéticos y narrativos. Los materiales, como el latón, el cobre o la madera, aportan una sensación de artesanía, calidez y desgaste que contrasta con la tecnología pulida contemporánea, mientras que los interiores combinan la domesticidad victoriana (muebles recargados, gabinetes, bibliotecas) con talleres y laboratorios integrados, creando espacios híbridos donde lo doméstico y lo técnico se fusionan; finalmente, la superposición de estilos neogótico, industrial y barroco junto con la sobrecarga visual, el humo, el vapor y la sensación de acumulación convierten estos escenarios en lugares a la vez familiares y extraños, donde la arquitectura no actúa como simple fondo, sino como una expresión visible de las tensiones entre progreso, memoria y crítica social que definen al género.
La ropa ocupa un papel destacado en su ensayo. ¿Por qué la indumentaria es tan importante dentro de esta subcultura?
La indumentaria es fundamental dentro del steampunk porque actúa como un verdadero lenguaje simbólico que condensa sus principales valores estéticos y críticos: no se limita a reproducir la moda victoriana, sino que la reinterpreta mediante la incorporación de elementos tecnológicos imaginarios —engranajes, gafas de aviador, prótesis mecánicas— para convertir el cuerpo en un espacio narrativo donde se mezclan pasado y futuro, historia y especulación; a través de esta fusión, la ropa deja de ser un signo de jerarquía fija, como ocurría en el siglo XIX, y se transforma en una herramienta de agencia que permite cuestionar roles de género, estructuras de clase y modelos culturales heredados, además de expresar una identidad híbrida y creativa; al mismo tiempo, su énfasis en el detalle, la artesanía y el “hazlo tú mismo” convierte cada prenda en una declaración estética e ideológica que se opone al consumo pasivo y reivindica la materialidad, el trabajo manual y la imaginación como formas de resistencia cultural, de modo que vestirse en clave steampunk no es solo una cuestión de apariencia, sino una forma de pensar, narrarse y posicionarse críticamente en el mundo
Habla de la vestimenta como lenguaje social. ¿Qué comunica una persona cuando adopta una estética steampunk?
Cuando una persona adopta una estética steampunk está comunicando, ante todo, una posición crítica y creativa frente al mundo contemporáneo, ya que su vestimenta no solo remite a un gusto por lo victoriano o lo retrofuturista, sino que expresa una identidad construida conscientemente a partir de la reinterpretación del pasado; al combinar prendas históricas con elementos tecnológicos imaginarios, esa persona proyecta una voluntad de apropiarse de la historia para transformarla, cuestionando las jerarquías de clase, género y poder que definieron el siglo XIX y que aún tienen eco en el presente; al mismo tiempo, al apostar por el detalle, la artesanía y el hazlo tú mismo, comunica un rechazo al consumo pasivo y una defensa de la creatividad material, mostrando que la relación con los objetos puede ser reflexiva, personal y significativa; en este sentido, la estética steampunk convierte el cuerpo en un espacio narrativo donde se manifiestan valores como la autonomía, la imaginación, la resistencia cultural y la crítica a la tecnología opaca, de modo que vestirse así no es solo adoptar una apariencia, sino afirmar una manera de pensar, de posicionarse socialmente y de participar activamente en la construcción de significado
También aborda el papel de la mujer en la época victoriana. ¿Cómo ha reinterpretado el steampunk los roles de género heredados de aquel periodo?
El steampunk ha reinterpretado los roles de género heredados de la época victoriana subvirtiendo precisamente su rigidez, ya que toma un sistema profundamente patriarcal donde la mujer estaba relegada al ámbito doméstico y excluida de la ciencia, la técnica y la vida pública para imaginar escenarios en los que esas mismas figuras femeninas adquieren agencia, conocimiento y protagonismo, convirtiéndose en inventoras, aviadoras, mecánicas o líderes revolucionarias; esta transformación no se limita a cambiar los papeles narrativos, sino que se visualiza en la propia estética, por ejemplo en la combinación de corsés con herramientas o dispositivos tecnológicos, que convierte prendas asociadas a la restricción del cuerpo en símbolos de acción y autonomía, cuestionando así la exclusión histórica de las mujeres del relato del progreso; además, el género abre espacio a identidades más complejas y disidentes, mostrando personajes que desafían el binarismo y las normas sociales del siglo XIX, lo que permite entender el pasado no como algo que se reproduce, sino como un material que se reconfigura críticamente para proponer modelos más inclusivos, de modo que el steampunk no corrige la historia desde fuera, sino que la reescribe desde dentro para evidenciar que las jerarquías de género no eran naturales ni inevitables.
Uno de los conceptos centrales del libro es la reapropiación del pasado. ¿Qué significa exactamente reapropiarse de la historia desde una perspectiva steampunk?
Reapropiarse de la historia desde una perspectiva steampunk significa tomar el pasado (en concreto la época victoriana) no como un patrimonio fijo que deba reproducirse fielmente, sino como un material flexible que puede ser reimaginado, reescrito y transformado para cuestionar tanto sus estructuras originales como las del presente, de modo que el género introduce anacronismos, tecnologías alternativas y nuevas identidades para abrir múltiples posibilidades históricas que nunca existieron, pero que sirven para evidenciar que el desarrollo social y tecnológico no era un hecho inevitable. En este proceso, se desplaza el foco desde los relatos oficiales hacia los márgenes, dando voz a sujetos excluidos y permitiendo que inventoras, trabajadores o personajes disidentes intervengan en la historia desde abajo, mientras que la propia tecnología (reconfigurada como visible, artesanal y comprensible) se convierte en un instrumento simbólico de recuperación de agencia frente a la alienación contemporánea, de tal forma que el steampunk no busca restaurar el siglo XIX, sino apropiarse críticamente de él para convertirlo en un laboratorio cultural donde imaginar alternativas, cuestionar las narrativas dominantes y construir nuevas formas de entender la relación entre técnica, sociedad e identidad.
¿Podría decirse que el steampunk propone una historia alternativa de la modernidad?
Sí, puede decirse que el steampunk propone una historia alternativa de la modernidad, pero no en el sentido de sustituir un relato por otro cerrado, sino de abrir la posibilidad de múltiples trayectorias históricas que cuestionan la idea de un progreso único y lineal, ya que al reimaginar el siglo XIX con tecnologías distintas basadas en el vapor, la mecánica visible y la intervención humana. El género muestra que la modernidad podría haber tomado otros caminos tanto en lo técnico como en lo social; de este modo, convierte el pasado en un espacio especulativo donde se ponen en tensión los valores que han definido la modernidad occidental, como el desarrollo tecnológico, la organización del poder o las jerarquías de clase y género, al tiempo que desplaza el protagonismo hacia sujetos marginados que reescriben la historia desde abajo; en consecuencia, más que ofrecer una simple ucronía, el steampunk funciona como una herramienta crítica que permite entender la modernidad como un proceso contingente, lleno de bifurcaciones, y no como un destino inevitable, abriendo así un espacio para imaginar formas alternativas de relación entre tecnología, sociedad e identidad.
Las máquinas y los engranajes visibles son una de sus señas de identidad. ¿Qué simboliza esa fascinación por la mecánica expuesta?
La fascinación del steampunk por la mecánica expuesta simboliza, ante todo, un deseo de recuperar una relación consciente, comprensible y activa con la tecnología, ya que al mostrar engranajes, válvulas y mecanismos en funcionamiento se rompe con la opacidad de los dispositivos contemporáneos y se reivindica un saber técnico accesible que puede ser entendido, manipulado y apropiado por el individuo; esta transparencia no es solo estética, sino ética, porque propone una alternativa a la alienación tecnológica actual, donde el usuario suele ser pasivo frente a sistemas cerrados que no comprende, de modo que la máquina visible se convierte en un símbolo de conocimiento compartido y de autonomía; al mismo tiempo, esa exhibición transforma la tecnología en un objeto cargado de significado artístico y narrativo, en el que forma y función se integran y la ornamentación refuerza la experiencia sensorial, devolviendo a la técnica una dimensión humana, material y emocional; en consecuencia, la mecánica expuesta no solo expresa fascinación visual, sino una crítica profunda al presente y una aspiración a reintegrar al ser humano en el proceso tecnológico, haciendo de cada máquina un espacio donde convergen estética, política y conocimiento.
Frente a la tecnología actual, cada vez más invisible y digital, ¿cree que el steampunk expresa cierta nostalgia por comprender cómo funcionan las cosas?
Sí, creo que el steampunk expresa claramente una cierta nostalgia por comprender cómo funcionan las cosas, pero no se trata de una nostalgia pasiva o idealizadora, sino de una postura crítica ante la tecnología contemporánea: al exhibir engranajes, válvulas y mecanismos en lugar de ocultarlos, el género reivindica una relación directa, material y cognoscible con la técnica, donde el usuario puede entender, manipular y participar en el funcionamiento de los objetos; frente a los dispositivos digitales actuales, que operan como “cajas negras” diseñadas para ser usadas sin ser comprendidas, el steampunk propone una alternativa donde el conocimiento técnico forma parte de la experiencia cotidiana y se convierte en una fuente de autonomía y creatividad, de modo que esa fascinación no mira simplemente hacia atrás, sino que funciona como una crítica del presente y como un intento de recuperar una forma de relación con la tecnología más transparente, consciente y humana.
Dedica varias páginas al cosplay. ¿Hasta qué punto considera que el steampunk es una forma de expresión identitaria?
Considero que el steampunk es, en gran medida, una forma de expresión identitaria muy potente, especialmente visible en el cosplay, porque permite a las personas no solo consumir un imaginario, sino encarnarlo y reinterpretarlo desde su propia subjetividad: al crear un personaje, diseñar su vestuario y dotarlo de una historia, el individuo construye una identidad que mezcla lo histórico y lo ficticio, lo personal y lo colectivo, generando un espacio donde explorar quién es o quién podría ser; además, esta identidad no es neutra, ya que suele implicar una toma de posición crítica frente a cuestiones como los roles de género, las jerarquías sociales o la relación con la tecnología, de modo que el acto de vestirse y performarse en clave steampunk se convierte en una declaración estética e ideológica. El énfasis en el hazlo tú mismo refuerza esta dimensión, porque cada pieza elaborada manualmente refleja decisiones conscientes, valores y una voluntad de distinguirse del consumo pasivo, mientras que la participación en comunidades y eventos transforma esa identidad individual en una experiencia compartida; en definitiva, el steampunk no solo ofrece una apariencia, sino un marco para construir identidades híbridas, críticas y creativas que reinterpretan el pasado para posicionarse activamente en el presente
En el libro plantea la estética como un acto subversivo. ¿De qué manera puede ser subversivo un movimiento que mira al pasado?
El steampunk puede ser profundamente subversivo precisamente porque mira al pasado no para idealizarlo, sino para desordenarlo y reescribirlo, utilizando su estética como una herramienta crítica que revela que aquello que solemos considerar natural (el progreso tecnológico, las jerarquías sociales o los roles de género) es, en realidad, el resultado de decisiones históricas concretas. Al introducir anacronismos, tecnologías alternativas y sujetos que ocupan espacios que les estaban vedados, el género rompe la ilusión de una historia lineal e inevitable, mostrando que otros mundos habrían sido posibles y que, por tanto, también lo son en el presente; esta operación convierte la estética en un acto político, ya que al reapropiarse de símbolos victorianos (máquinas, vestimenta, arquitectura) les otorga nuevos significados que cuestionan tanto las estructuras del siglo XIX como las del capitalismo tecnocrático actual, generando una tensión entre familiaridad y extrañeza que obliga al lector o espectador a reconsiderar su propia realidad; en este sentido, la mirada hacia el pasado no es conservadora, sino radical, porque utiliza la memoria como un campo de intervención donde imaginar alternativas, visibilizar lo marginal y resistir las narrativas dominantes que presentan el presente como el único camino posible.
¿Existe una dimensión política en el steampunk o se trata fundamentalmente de una propuesta artística y cultural?
El steampunk posee claramente una dimensión política, aunque esta no se manifiesta de forma explícita o doctrinal, sino integrada en su propia propuesta estética y cultural, ya que, como sostengo en el ensayo, sus decisiones formales (la elección de tecnologías obsoletas, la exhibición de mecanismos, la vuelta a lo artesanal o la reescritura de la época victoriana) funcionan como una crítica implícita al presente, cuestionando la idea de progreso lineal, la opacidad de la tecnología digital y las estructuras de poder heredadas de la modernidad; en este sentido, no es solo una propuesta artística, porque al dar protagonismo a sujetos tradicionalmente marginados, como mujeres, clases trabajadoras o identidades disidentes, y al desplazar el foco desde las élites hacia los márgenes, introduce una lectura política de la historia que revela sus exclusiones y propone alternativas; además, su énfasis en la participación, el hazlo tú mismo y la reapropiación de los objetos convierte la creación estética en una forma de resistencia frente al consumo pasivo y la producción industrializada, de modo que la estética no es un fin en sí mismo, sino un medio para pensar críticamente la tecnología, la sociedad y la identidad, lo que hace que el steampunk funcione simultáneamente como movimiento artístico, cultural y político
Usted participó en el Festival 42 de Barcelona en una mesa sobre el nuevo boom del steampunk. ¿Diría que el género vive actualmente una segunda edad dorada?
Diría que más que una segunda edad dorada en un sentido estrictamente comercial o masivo, el steampunk vive una etapa de consolidación y expansión cualitativa, en la que ha dejado de ser una tendencia puntual para convertirse en un lenguaje cultural plenamente integrado en distintos ámbitos; como explico en el ensayo, su capacidad para hibridarse con la literatura, el cine, los videojuegos, la moda o el cosplay, junto con su dimensión participativa y su ética del hazlo tú mismo, le permite renovarse constantemente sin perder identidad, de modo que no depende de ciclos de popularidad tradicionales, sino de comunidades activas que lo reinterpretan; además, en un contexto contemporáneo marcado por la inquietud ante la tecnología digital y sus consecuencias sociales, el steampunk ha ganado relevancia como herramienta crítica que propone alternativas imaginativas y más humanas a esa relación con la técnica, lo que refuerza su vigencia cultural; por tanto, más que hablar de un renacimiento puntual, creo que estamos ante una fase en la que el género se ha estabilizado como una forma de pensamiento y creación capaz de adaptarse, crecer y seguir siendo significativo en el presente.
En aquella conferencia se debatía si el steampunk es utópico, distópico o ucrónico. Después de sus investigaciones, ¿con cuál de estas definiciones se siente más cómodo?
Después de mis investigaciones, me siento más cómodo entendiendo el steampunk como una forma híbrida con base ucrónica, aunque atravesada por impulsos tanto utópicos como distópicos, porque su rasgo más definitorio no es imaginar un mundo ideal o un mundo degradado, sino reconfigurar la historia para mostrar que pudo haber sido distinta; al proponer trayectorias tecnológicas alternativas basadas en el vapor, la mecánica visible y la intervención humana, el género construye escenarios que no existieron, pero que resultan verosímiles dentro de su lógica, y es precisamente esa desviación de la historia lo que le permite cuestionar la idea de progreso lineal y abrir un espacio especulativo; a partir de ahí, pueden surgir elementos utópicos, como la recuperación de una relación más humana con la tecnología o comunidades más creativas y colaborativas, pero también distópicos, como la exageración de las desigualdades sociales o el uso de la técnica como instrumento de dominación, de modo que el steampunk no se deja encerrar en una sola categoría, sino que funciona como un dispositivo crítico que utiliza la ucronía como base estructural para tensionar simultáneamente la utopía y la distopía y así reflexionar sobre las posibilidades y los riesgos de la modernidad.
Como escritor de ficción y estudioso del género, ¿qué autores, obras o referencias recomendaría a alguien que quiera adentrarse por primera vez en el universo steampunk?
Para alguien que quiera adentrarse por primera vez en el universo steampunk, recomendaría comenzar con un recorrido que combine literatura, cine y referentes visuales, precisamente porque el género se entiende mejor como una experiencia estética total: en literatura, obras como The Difference Engine de William Gibson y Bruce Sterling son fundamentales para comprender la base ucrónica y tecnológica del género, mientras que la trilogía Leviathan de Scott Westerfeld ofrece una puerta de entrada más accesible y dinámica, donde ya aparecen sus temas centrales: tecnología alternativa, conflicto de clases y subversión de género. En el ámbito audiovisual, Steamboy de Katsuhiro Ôtomo resulta imprescindible por su capacidad para sintetizar estética, espectáculo y reflexión ética sobre el progreso, y también pueden mencionarse filmes como Wild Wild West o La brújula dorada, aunque con enfoques distintos; en cuanto a la dimensión estética y material, la guía The Steampunk Bible de Jeff VanderMeer ayuda a entender el movimiento en su conjunto, más allá de la ficción, y espacios como las convenciones o eventos tipo EuroSteamCon permiten ver cómo todo esto se traduce en prácticas reales como el cosplay. En definitiva, recomendaría no acercarse al steampunk solo como lector, sino como observador activo de sus objetos, sus diseños y sus formas de representación, porque es ahí donde el género despliega plenamente su riqueza crítica y creativa
¿Hay alguna idea o reflexión del libro que le gustaría especialmente que los lectores se llevaran tras terminar sus páginas?
Me gustaría especialmente que los lectores se quedaran con la idea de que en el steampunk la estética no es un adorno ni un simple estilo visual, sino una forma de pensar y de posicionarse ante el mundo, una herramienta que permite cuestionar tanto el pasado como el presente; es decir, que comprendan que esos objetos aparentemente decorativos (máquinas, ropas, arquitecturas) son en realidad vehículos de significado que hablan de nuestra relación con la tecnología, de la posibilidad de imaginar otros caminos históricos y de la necesidad de recuperar una agencia creativa frente a un entorno cada vez más automatizado y opaco; en el fondo, lo que me gustaría es que el lector entienda que el steampunk no invita a refugiarse en la nostalgia, sino a utilizar el pasado como un espacio de intervención crítica desde el que replantear la modernidad, resistir sus lógicas más deshumanizadoras y abrir la puerta a formas más conscientes, inclusivas y creativas de habitar el presente.
Después de publicar Esclavos de la Sangre y ahora este ensayo, ¿en qué proyectos literarios o de investigación trabaja actualmente?
Actualmente, como investigador, mi atención se ha desplazado hacia el estudio del western como matriz cultural y narrativa, y en particular hacia la influencia que este género ejerce sobre la ciencia ficción. Me interesa analizar cómo ciertos arquetipos (la frontera, el territorio hostil, la figura del forastero o la ley en construcción) se reconfiguran en contextos futuristas o especulativos. En ese sentido, estoy explorando hasta qué punto la ciencia ficción, especialmente en sus vertientes más híbridas, reescribe el imaginario del western y lo proyecta hacia nuevos horizontes simbólicos.
En paralelo, ese interés teórico tiene también su reflejo en mi trabajo creativo. El proyecto literario que tengo en mente se sitúa dentro de lo que podríamos denominar desertpunk, una estética y una sensibilidad que me permiten trabajar sobre paisajes áridos, decadentes y fronterizos, pero desde una perspectiva deliberadamente híbrida. Mi intención es subvertir los tropos clásicos del western (el héroe solitario, el duelo, la colonización del territorio) mediante su fusión con elementos propios de la ciencia ficción, como las tecnologías especulativas, los entornos postapocalípticos o las tensiones entre humanidad y máquina.
De este modo, tanto en la investigación como en la creación literaria, mi trabajo actual gira en torno a la misma pregunta de fondo: cómo dialogan los géneros entre sí, y qué nuevas formas narrativas surgen cuando esos límites se desdibujan.
