NOVEDAD DE EDICIONES DE IBEROAMERICANA: "DIÁLOGOS CON LO FANTÁSTICO EN EL POLICIAL LATINOAMERICANO"

 

Diálogos con lo fantástico en el policial latinoamericano

VVAA . Editores:  Sabine Schmitz, Daniel A. Verdú Schumann , Dante Barrientos Tecún

El género fantástico y el policial se consolidan paralelamente en la segunda mitad del siglo XIX, primero en Europa y muy pronto en Latinoamérica, estimulados por el auge de la prensa y de disciplinas como la biología, la psicología, la sociología o la ciencia forense. Este es el primer volumen dedicado específicamente a analizar la incorporación de lo fantástico en el policial latinoamericano, en sus distintos medios y formatos. A partir del estudio de casos concretos, especialistas de distintos países –entre los cuales, junto a profesores de universidades europeas, estadounidenses y latinoamericanas, se encuentra Pablo de Santis, uno de los más importantes escritores y guionistas de historietas del género policiaco en Argentina– sacan a la luz el enorme potencial semántico y subversivo de este fértil entrecruzamiento de géneros. Construido a partir tanto de la tradición occidental globalizada como de distintos imaginarios (pos)populares, basados habitualmente en tradiciones locales o regionales de raíces indígenas, su finalidad última es a menudo ofrecer una mirada crítica a la realidad social, política o económica circundante.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Vervuert Verlagsges.

Fecha de publicación ‏ : ‎ 9 julio 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 331 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 3968697464

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-3968697468

Peso del producto ‏ : ‎ 556 g

Dimensiones ‏ : ‎ 14.8 x 1.7 x 21.9 cm

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RESEÑA DE "SAMURAI POP.ENTRE LA HISTORIA Y LA CULTURA POPULAR" DE ROBIN BOOK EDITORIAL

 

RESEÑA DE "SAMURAI POP.ENTRE LA HISTORIA Y LA CULTURA POPULAR" DE ROBIN BOOK EDITORIAL

Oriol Estrada y Jonathan López-Vera se cuentan entre los más reconocidos divulgadores actuales sobre historia y cultura japonesa en España. Cada uno ha desarrollado una trayectoria propia y destacada. Estrada, especialista en manga, anime y cultura popular japonesa, es autor de Cultura manga (Look, 2020) y coautor de 501 mangas que leer en español (Norma Editorial), además de participar activamente en proyectos de divulgación y comisariado cultural centrados en el cómic y la cultura nipona. López-Vera, por su parte, ha enfocado su obra en el estudio histórico del Japón premoderno, firmando títulos como Historia de los samuráis (Satori Ediciones), Toyotomi Hideyoshi y los europeos. Portugueses y castellanos en el Japón samurái (Edicions Universitat de Barcelona) y la versión inglesa A History of the Samurai (Tuttle Publishing), entre otros trabajos que lo han consolidado como una de las voces más solventes en los estudios japoneses contemporáneos.

A partir de trayectorias tan distintas como complementarias, ambos autores han aunado esfuerzos para dar forma a Samurai POP. Entre la historia y la cultura popular (Robin book). Esta obra conjunta se beneficia de una doble perspectiva única: por un lado, la mirada histórica y académica de López-Vera; por otro, la comprensión profunda de Estrada sobre la evolución del imaginario japonés en el manga, el anime, el cine y el videojuego. El resultado es un estudio que conecta pasado y presente, tradición y reinterpretación contemporánea, ofreciendo al lector un análisis riguroso y accesible del mito del samurái y su presencia constante en la cultura pop global.

Samurai POP se convierte así en el punto de encuentro ideal entre dos líneas de investigación que, lejos de oponerse, se enriquecen mutuamente. Gracias a esta colaboración, Estrada y López-Vera trazan un mapa renovado y sugerente del samurái como figura histórica, pero también como icono cultural mutable, capaz de dialogar con públicos de todas las generaciones. Una obra imprescindible para quienes desean comprender tanto el legado real del Japón feudal como su poderosa relectura en la cultura popular contemporánea.

La dupla de autores es capaz de unir con sorprendente naturalidad el rigor académico y la pasión por la cultura popular japonesa. El libro propone un recorrido doble ,histórico y mediático, que desmonta la imagen distorsionada del samurái que ha dominado occidente, a la vez que revela cómo esa figura guerrera ha sido reinterpretada en el manga, el anime, el cine y los videojuegos. A través de mil años de historia japonesa desgranados era a era, el volumen combina la claridad pedagógica de López Vera con las recomendaciones cuidadosamente seleccionadas de Estrada, que rescatan tanto clásicos esenciales ,de Kurosawa a Kobayashi, como joyas poco conocidas que permanecen invisibles para el público general. El resultado es un libro accesible, visual y sorprendentemente estimulante, que invita tanto a los amantes de la historia japonesa como a cualquier curioso de la cultura pop a redescubrir la verdadera dimensión de los samuráis y su inagotable eco en la ficción contemporánea.

Los autores se complementan perfectamente :el rigor histórico de Jonathan López-Vera, doctor en historia japonesa, y el profundo conocimiento de la cultura popular de Uriol Estrada, divulgador, profesor y figura activa en eventos como el Salón del Manga de Barcelona. Lo que podría haber sido una simple guía de obras sobre samuráis en cine, manga o videojuegos se transforma aquí en un proyecto mucho más ambicioso: un puente entre mil años de historia real y la imagen romántica, estilizada o directamente inventada que la cultura pop ha construido en torno a estos guerreros. 

El libro está dividido en dos grandes líneas que se entrelazan ,la histórica y la pop, y que recorren era a era la evolución del samurái, desmontando mitos con precisión y contexto al tiempo que ofrecen un abanico delicioso de recomendaciones que van desde Kurosawa o Kobayashi hasta joyas ocultas del manga, el anime o el cine japonés. 

Además de su valor informativo, Samurai Pop destaca por su edición a color, su formato manejable y unas fichas cuidadosamente elaboradas que permiten leerlo del tirón o por capítulos sueltos según el periodo que más atraiga al lector. La obra es también una invitación a mirar con menos ingenuidad y más curiosidad las ficciones que consumimos: no exige que éstas sean fieles a la historia, pero sí nos recuerda cómo la realidad y el mito dialogan entre sí para dar forma al samurái que Occidente ,y muchas veces el propio Japón, cree conocer. Accesible, entretenido y sorprendentemente revelador, es un libro imprescindible tanto para quienes aman la historia japonesa como para quienes disfrutan de las historias de espadas, honor y estética samurái en cualquiera de sus expresiones modernas. 

Samurai Pop es un libro que irradia la complicidad creativa de quienes lo hicieron posible y se advierte un proyecto nacido de la afinidad personal y del entusiasmo compartido. Sin duda estamos ante una obra concebida desde la imaginación y la curiosidad antes que desde cualquier rígido esquema editorial.

Esa energía espontánea impregna cada capítulo. La naturalidad con la que Estrada y Jonathan López-Vera evocan sus referentes, la combinación de rigor histórico y sensibilidad pop, y la voluntad de acercar la cultura japonesa de forma accesible revelan un trabajo guiado por una pasión genuina. Ambos autores reconocen que el proyecto se sostuvo gracias a una sintonía creativa poco habitual: la mezcla exacta entre la mirada divulgativa y emocional de Estrada y la perspectiva académica y analítica de López-Vera, historiador especializado en Japón.

Samurai Pop, así, se presenta no solo como una exploración vibrante de la cultura japonesa contemporánea, sino también como el testimonio de un proceso creativo honesto, transparente y profundamente colaborativo. Esa autenticidad ,expresada abiertamente por los propios autores, es, quizá, uno de los rasgos que lo hacen destacar dentro del panorama actual de libros dedicados a la cultura pop.

Esa complementariedad entre divulgación y rigor histórico se refleja también en la propia arquitectura del libro. Samurai Pop propone una mirada doble: por un lado, funciona como un amplio recorrido por películas, series, anime, manga y videojuegos que han modelado la imagen del samurái en la cultura popular; por otro, ofrece un conjunto de explicaciones históricas que desmontan tópicos y aclaran los contextos reales en los que surgieron las figuras y episodios que la ficción ha reinterpretado. No es un compendio de obras “imprescindibles” ni un ranking de lo mejor, ni tan siquiera un listado de preferencias personales: la selección se construye desde la voluntad de mostrar la diversidad de representaciones posibles, lo que explica la convivencia entre títulos canónicos y producciones menores cuyo valor reside más en lo que revelan sobre tendencias estéticas, mitos persistentes o errores históricos ampliamente difundidos.

Uno de los mayores aciertos formales del libro es su estructura periodizada, una herramienta que permite comprender cómo la cultura popular se ha centrado obsesivamente en determinados momentos ,sobre todo el periodo Sengoku, mientras ha ignorado casi por completo otros siglos de la historia japonesa. Para equilibrar esa desproporción, los autores incorporan obras poco conocidas, a veces nunca editadas fuera de Japón, que actúan como pequeñas ventanas hacia épocas rara vez representadas. Gracias a esta decisión , Samurai Pop no solo amplía el campo de referencia del lector, sino que corrige una imagen del pasado moldeada durante décadas por ficciones tan fascinantes como imprecisas.

Una parte especialmente valiosa de la obra es la vocación divulgativa de López-Vera, presente en la obra. El historiador desmonta, con humor y rigor, muchos de los malentendidos perpetuados por el cine o la industria del videojuego: la idea del samurái como guerrero noble y uniforme a lo largo de mil años, la falsa superioridad de la katana frente a armas históricamente más importantes como el arco o el yari, o el abuso narrativo de la figura del “héroe occidental” que Hollywood inserta para guiar al público. Las anécdotas sobre El último Samurai o sobre la nueva adaptación televisiva de Shōgun ilustran cómo el libro aborda esas tensiones entre historia y mito sin renunciar a disfrutar de la ficción. 

Muchos lectores llegan al mundo de los samuráis arrastrando estereotipos culturales asumidos ,la asociación automática entre “samurái” y “katana”, o la imagen romántica del guerrero honorable, y se sorprenden al descubrir, gracias a las explicaciones de López-Vera y Estrada, que buena parte de esas nociones son invenciones modernas o interpretaciones superficiales nacidas de la cultura pop. El libro muestra cómo incluso figuras veneradas, como Sakamoto Ryōma, se revelan muy distintas cuando se contrastan con la historia real, y cómo la ficción ,desde el cine de Kurosawa hasta videojuegos como Ghost of Tsushima, puede enseñar y desinformar al mismo tiempo. Samurai Pop nace precisamente de ese cruce entre fascinación popular y rigor histórico: disfrutar de la ficción, sí, pero sin confundirla con una verdad inamovible, y reconociendo que el aprendizaje comienza cuando dejamos de quedarnos en la superficie de lo que vemos.

Todo esto convierte Samurai Pop en una obra híbrida que no sólo informa, sino que invita a mirar la cultura popular con más contexto, más matices y más sentido crítico. El lector aprende por qué ciertos estereotipos persisten, cómo se decide qué obras quedan dentro o fuera de un catálogo así, y qué dilemas aparecen al representar periodos mal documentados o terrenos donde la ficción se impone al rigor histórico. La obra no es un manual académico ni una guía frívola, sino un punto de encuentro entre la erudición y el entusiasmo otaku. Samurai Pop termina siendo no sólo un repaso de ficciones, sino una reflexión sobre cómo consumimos imágenes, cómo se construye la memoria cultural y cómo la historia real se filtra ,o se distorsiona, en cada nuevo relato. Un libro imprescindible para quien quiera entender la figura del samurái más allá de los clichés y, sobre todo, para quienes aman el cine, el anime y el manga tanto como sus autores.

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NOVEDAD DE EDITORIAL CALIFORNIA: "KEANU REEVES. PELÍCULA A PELÍCULA"

Keanu Reeves. Película a película

Gustavo Jiménez Limones 

Hay actores que construyen su carrera sobre la intensidad, otros sobre la técnica, y algunos sobre el magnetismo que despiertan sin apenas proponérselo. Keanu Reeves pertenece a esta última categoría: un intérprete que, sin alardes ni pretensiones, se ha convertido en uno de los rostros más icónicos y queridos del cine contemporáneo. Su figura encarna una paradoja fascinante: un héroe de acción que parece siempre fuera del tiempo, un hombre que se mueve entre la melancolía y la serenidad, y un artista que, pese a la fama, ha mantenido una distancia casi espiritual respecto al brillo superficial de Hollywood.

A lo largo de este libro recorreremos su filmografía completa, desde sus primeras apariciones en películas menores hasta los grandes hitos que lo consagraron. Analizaremos cómo “Speed - Máxima Potencia” (Speed, 1994) lo transformó en estrella global, cómo “Matrix” (The Matrix, 1999) redefinió el lenguaje del cine de acción y la percepción de la realidad, y cómo “John Wick” (2014) revitalizó su carrera al reinventar el mito del asesino con honor. Sumérgete en este viaje cinematográfico a través de las películas que construyeron la leyenda de Keanu Reeves.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FXQKMM6V

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 24 octubre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 300 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8271425929

Peso del producto ‏ : ‎ 517 g

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 1.73 x 22.86 cm

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RESEÑA DE "MITOLOGÍA EN LA CULTURA POP" DE RED BOOK EDICIONES

 

RESEÑA DE "MITOLOGÍA EN LA CULTURA POP" DE RED BOOK EDICIONES:

 Mitología en la cultura pop  es una obra que se propone demostrar algo que, a menudo, pasamos por alto: los mitos siguen presentes en nuestra vida cultural cotidiana con una fuerza sorprendente. Más que un manual académico, el libro es un recorrido accesible y apasionado por la forma en que los relatos antiguos —desde los dioses olímpicos hasta las criaturas nórdicas, del imaginario judeocristiano a las pesadillas lovecraftianas— emergen una y otra vez en películas, series, videojuegos y otras manifestaciones contemporáneas. Carlos Álvarez construye un puente entre la tradición y la cultura popular, y lo hace con una mirada clara, entretenida y capaz de revelar conexiones que el lector quizá intuía, pero no había articulado.

El índice que presenta la obra permite entender su enfoque: en lugar de estudiar la mitología de manera aislada, el autor la rastrea a través de títulos que forman parte del imaginario audiovisual actual. Así, la mitología nórdica aparece vinculada a mundos como  Skyrim  o  Ragnarök , mientras que la griega se despliega en referencias que van de  Hércules  a reinterpretaciones más libres como  El laberinto del fauno . La tradición judeocristiana convive con obras tan distintas como  Constantine ,  Supernatural  o  La vida de Brian , y los ecos del horror cósmico lovecraftiano encuentran un espacio natural en ficciones como  The Thing ,  Berserk  o  Annihilation . Este mosaico de ejemplos no busca ser un catálogo exhaustivo, sino mostrar cómo los arquetipos míticos viajan, se transforman y se reencarnan en las narraciones que consumimos hoy.

Uno de los grandes aciertos del libro es la variedad de medios que examina. No se limita al cine o a las novelas, sino que abarca también videojuegos, anime y series televisivas, reconociendo que son precisamente estos formatos los que han heredado el papel de grandes narradores contemporáneos. Gracias a esta amplitud, el texto funciona tanto para aficionados al audiovisual como para quienes se acercan desde la curiosidad por la mitología. Su lectura resulta fluida y accesible, en parte gracias a un estilo divulgativo que evita tecnicismos innecesarios sin renunciar a la claridad conceptual.

Carlos Álvarez muestra una sensibilidad especial al leer las ficciones modernas como depositarias de símbolos antiguos: héroes trágicos, viajes de formación, pruebas divinas, criaturas primigenias o figuras salvíficas que reaparecen bajo nuevos ropajes. Cada capítulo pone de relieve cómo estas estructuras arquetípicas siguen latiendo en obras recientes, ya sea en narrativas de fantasía épica, historias futuristas o relatos de terror. A través de esta perspectiva, el libro invita a reconsiderar el consumo cultural desde un ángulo más profundo, en el que incluso un videojuego de acción puede contener ecos de epopeyas milenarias.

Aunque se trata de un ensayo divulgativo y no pretende ofrecer el análisis académico propio de un estudio universitario, su fuerza reside precisamente en esa vocación de acercar la mitología al público general sin perder rigor. La selección de ejemplos es necesariamente parcial y responde al criterio del autor, pero la amplitud del corpus —que incluye desde  Neon Genesis Evangelion  hasta  Final Fantasy VII , pasando por  The OA  o  Dark City — demuestra una voluntad clara de explorar la mitología como lenguaje universal en constante mutación.

El prólogo, a cargo de Miguel de Lys, añade un toque de contextualización y cercanía. Su presencia sirve para subrayar el carácter híbrido del libro: una obra divulgativa pensada tanto para fanáticos de la cultura pop como para curiosos interesados en comprender mejor las raíces simbólicas de las historias que nos rodean. 

Más adelante el índice de la obra nos revela un recorrido extraordinariamente amplio por las distintas tradiciones míticas y por las obras que las reinterpretan. El libro abre con la mitología nórdica, analizada a través de producciones recientes como The Northman, las adaptaciones de Loki, el universo de Vikings o incluso la reinvención lúdica del Ragnarök en videojuegos como God of War o en Assassin’s Creed: Valhalla, mostrando cómo el imaginario de los dioses y los gigantes mantiene una presencia vibrante en la cultura actual. Avanzando en el índice, aparecen las conexiones entre este imaginario y sagas de fantasía como El Señor de los Anillos o Juego de tronos, donde los héroes predestinados, las profecías y los monstruos remiten claramente a ciclos míticos antiguos. La sección dedicada al mundo griego abarca desde reinterpretaciones directas como Caballeros del Zodiaco, dramas contemporáneos inspirados en mitos como Troya, relatos híbridos como Percy Jackson o lecturas simbólicas de películas como El laberinto del fauno, que transforma arquetipos clásicos —el minotauro, el umbral, el guía sobrenatural— en una alegoría oscura. El itinerario continúa con el imaginario judeocristiano, donde se analizan obras tan diversas como Constantine, Lucifer, La novena puerta, El exorcismo de Emily Rose, Supernatural o incluso La vida de Brian, todas ellas atravesadas por la figura del demonio, la caída, la revelación o la sátira del mensaje sagrado. A esto se suma un bloque centrado en el mito moderno del elegido, ilustrado con series como Dark, Lost, The OA y películas como Annihilation o La boca del miedo, donde las protagonistas se enfrentan a enigmas que funcionan como pruebas iniciáticas. Más adelante, el ensayo se adentra en la influencia lovecraftiana en obras como La Cosa, Berserk, The Terror o videojuegos como Amnesia: The Dark Descent y Bloodborne, ejemplos perfectos de horror cósmico que evocan fuerzas incomprensibles y entidades primigenias. El tramo final está dedicado a la mitología japonesa, explorada a través de títulos tan emblemáticos como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Your Name, Inuyasha, Okami, Puella Magi Madoka Magica, Serial Experiments Lain, Genshin Impact o Final Fantasy VII, donde convergen kami, espíritus, mundos alternos y rituales de transformación. Con este amplio conjunto de referencias, el libro no solo rastrea los ecos míticos en cada obra, sino que convierte su índice en una demostración práctica de su tesis: que desde el cine hasta el anime, desde la literatura fantástica hasta los videojuegos más influyentes, la cultura pop opera como un gran contenedor donde las mitologías del mundo siguen vivas, mutando y resonando en nuevas generaciones.

En el panorama editorial español,  Mitología en la cultura pop  destaca de manera especial. Aunque existen estudios sobre mitología clásica o sobre géneros específicos dentro de la cultura audiovisual, apenas hay obras que unan, con visibilidad editorial, ambos territorios de forma integrada. En ese sentido, el libro de Carlos Álvarez puede considerarse uno de los primeros trabajos publicados en España que aborda de forma sistemática la relación entre el mito ancestral y la narrativa pop contemporánea, haciéndolo además desde una perspectiva abarcadora y actualizada. Su aparición supone una aportación pionera dentro de la bibliografía española dedicada a la mitología reinterpretada en los medios modernos.

En conjunto, se trata de un libro que entretiene, informa y abre puertas. Para los lectores que disfrutan de las mitologías clásicas, ofrece nuevas formas de reencontrarlas; para quienes aman la cultura pop, les permite descubrir la profundidad simbólica que sostiene sus ficciones favoritas. Es, en esencia, una invitación a mirar con otros ojos los universos que consumimos cada día y a reconocer que, detrás de cada protagonista, cada villano, cada mundo fantástico, siguen palpando los viejos relatos que dieron forma a nuestra imaginación.

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Héroes de Papel celebra su Black Friday con envío gratis a península y un sorteo especial Héroes de Papel pone en marcha su campaña de Black Friday un año más, ofreciendo condiciones especiales para todos los lectores que adquieran sus libros a través de la tienda online heroesdepapel.es. La promoción estará disponible del 24 al 30 de noviembre, ambos incluidos.   Durante estos siete días, todos los pedidos realizados desde la península contarán con gastos de envío gratuitos, mientras que el resto de territorios de España dispondrán de tarifas de envío rebajadas con motivo de la campaña. Los títulos en periodo de reserva quedan fuera de la promoción, manteniéndose el resto del catálogo con las condiciones habituales.   Además, Héroes de Papel celebrará un sorteo de una suscripción ORO anual entre todas las personas que realicen una compra en la web a lo largo de esta semana. Esta modalidad de suscripción ofrece ventajas exclusivas como descuentos, contenido adicional y acceso prioritario a determinadas ediciones.   Con este Black Friday, la editorial continúa reforzando su compromiso con la divulgación de la cultura pop —videojuegos, cine, series, cómic y ensayo— acercando a nuevos lectores sus títulos más recientes y permitiendo a los seguidores habituales completar su colección en condiciones ventajosas.   Para más información: www.heroesdepapel.es

NOVEDAD DE DK EDITORIAL: "STAR WARS. LA ENCICLOPEDIA"

 

Star Wars. La enciclopedia

 VVAA , Montserrat Asensio Fernández (Traductor), Joan Andreano Weyland (Traductor)

El libro oficial de referencia más completo sobre Star Wars. Escrito por expertos y lleno de ilustraciones.

Con más de 2200 entradas, descubre datos fascinantes sobre tecnología, personajes, criaturas, lugares y vehículos de una galaxia muy muy lejana

- Conoce las historias de 1200 personajes, desde iconos como Lando Calrissian y Leia Organa hasta otros menos conocidos, como Max Rebo y Therm Scissorpunch.

- Aterradores rancors o adorables porgs, descubre más de 100 criaturas fascinantes.

- Explora la galaxia, con más de 275 entradas sobre lugares, incluida la fortaleza de Darth Vader en Mustafar y el místico mundo entre mundos.

- Elige tu medio de transporte entre más de 275 vehículos, desde el legendario Halcón Milenario hasta el elegante caza estelar Naboo N-1.

- Ponte al día con la última tecnología, incluida la armadura Beskar de El Mandaloriano, la espada láser de Luke Skywalker y más de 275 piezas de equipamiento.

Producido en estrecha colaboración con Lucasfilm, este libro oficial de referencia es el más completo sobre la galaxia de Star Wars. Escrito por expertos y lleno de ilustraciones,Star Wars la enciclopedia es una guía indispensable que gustará tanto a fans apasionados como a recién llegados.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ DK

Fecha de publicación ‏ : ‎ 22 octubre 2025

Edición ‏ : ‎ 001

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 448 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 0241736617

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-0241736616

Peso del producto ‏ : ‎ 2,55 kg

Dimensiones ‏ : ‎ 25.9 x 3.4 x 30.7 cm

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RESEÑA DE "EL EXTRAÑO CINE DE YORGOS LANTHIMOS"

 

RESEÑA DE "EL EXTRAÑO CINE DE YORGOS LANTHIMOS"

El extraño cine de Yorgos Lanthimos

Mikel Peña Sarrionandia

El extraño cine de Yorgos Lanthimos es una exploración profunda y lúcida del universo cinematográfico de uno de los autores más singulares y perturbadores del cine contemporáneo. Mikel Peña Sarrionandia firma el primer estudio dedicado al director griego dentro de nuestra bibliografía, abriendo así un camino crítico inexistente hasta ahora en el análisis en español de la obra de Yorgos Lanthimos. El estudio va mucho más allá de la simple catalogación temática: analiza la descomposición del individuo posmoderno, la alienación emocional y la fragilidad de la identidad a través de las imágenes frías, distorsionadas y cruelmente lógicas que caracterizan el cine del director griego.

Uno de los aciertos del libro es su capacidad para revelar los mecanismos internos que articulan las películas de Lanthimos. Peña Sarrionandia muestra cómo, desde Kinetta hasta obras más recientes como La favorita o Pobres Criaturas, el cineasta traza un retrato inquietante del ser humano contemporáneo: desarraigado, hipercontrolado por sistemas sociales y familiares opresivos, carente de un yo estable y obligado a adaptarse a normas arbitrarias que rigen sin explicación.

El autor identifica en este cine una suerte de laboratorio de crueldad donde los personajes ensayan identidades, obedecen rituales absurdos o siguen lógicas internas que, aunque incomprensibles para el espectador, resultan perfectamente “normales” dentro del propio universo fílmico.

Peña Sarrionandia explica con claridad que este extrañamiento no es gratuito: funciona como herramienta para mostrar el vacío afectivo del sujeto posmoderno. Las interacciones frías, el lenguaje funcional, la casi total ausencia de empatía, los comportamientos ritualizados y la sensación permanente de amenaza constituyen síntomas de un mundo en el que las estructuras tradicionales, familia, comunidad, deseo, identidad, se han desmoronado. En este sentido, el libro plantea que Lanthimos no muestra personajes monstruosos sino individuos modelados por un sistema que ha vaciado de sentido todas las relaciones humanas.

El análisis del autor es especialmente revelador cuando examina la dialéctica entre individuo y norma. En filmes como Canino, Alpes o Langosta, Peña Sarrionandia demuestra que la lógica interna del relato funciona como un espejo deformado, pero extremadamente preciso, de nuestras propias convenciones sociales. Los personajes reproducen comportamientos forzados, asumen papeles intercambiables o se someten a reglas estrictas porque no hacerlo implica la exclusión, el castigo o la desaparición. La crueldad del mundo de Lanthimos adquiere así un nuevo sentido: es la manifestación más radical de nuestras propias imposiciones culturales.

Otro gran aporte del libro es su estudio del cuerpo, la performatividad y la identidad. En las páginas de libro Peña Sarrionandia se dedica a explicar cómo en las películas de Lanthimos el cuerpo se vuelve una herramienta de control, un territorio de experimentación o un objeto sometido a normas impuestas. La corporalidad, incompleta, violenta o sometida a metamorfosis simbólicas, revela la imposibilidad de una identidad fija o estable.

El estilo del libro mantiene un equilibrio muy logrado entre rigor académico y claridad expositiva. Sin renunciar a un aparato teórico sólido, Peña Sarrionandia escribe con naturalidad, integra conceptos de forma accesible y demuestra un conocimiento minucioso de la filmografía analizada. El resultado es una obra que pueden disfrutar tanto investigadores como aficionados al cine de autor.

Uno de los aspectos más destacables del libro es la minuciosidad con la que Mikel Peña Sarrionandia desmenuza las películas de Lanthimos, prácticamente escena a escena, revelando capas de significado que suelen pasar desapercibidas incluso para espectadores familiarizados con su obra. Cada secuencia se convierte en un microcosmos que el autor examina con precisión casi quirúrgica: los silencios, la disposición de los cuerpos, la geometría de los planos, los gestos mínimos y las rupturas sutiles en la lógica interna del relato. Esta atención exhaustiva permite comprender cómo el extrañamiento característico de Lanthimos no surge de grandes artificios, sino de detalles aparentemente insignificantes que, como pequeñas grietas, fracturan la percepción del espectador y exponen la fragilidad del individuo posmoderno. Gracias a este método de análisis detallado, el lector no solo revisita las películas, sino que aprende a verlas con una nueva profundidad, comprendiendo cómo cada imagen, cada diálogo o cada pausa contribuye a construir un universo perturbador y coherente en su propia lógica.

En un panorama cinematográfico saturado de libros superficiales sobre directores de moda, Yorgos Lanthimos: El lenguaje roto irrumpe como un análisis lúcido, arriesgado y profundamente revelador del cineasta que mejor ha retratado la deriva emocional de la posmodernidad. A través de una lectura minuciosa de su filmografía, el autor del volumen, que firma aquí un estudio tan riguroso como accesible, muestra cómo el director griego ha convertido la ruptura del lenguaje en su herramienta central para radiografiar un mundo neoliberal donde la comunicación ya no sirve para unir, sino para aislar, controlar y desorientar.

El libro propone un análisis detallado de cómo Lanthimos aborda la cuestión del lenguaje a lo largo de su filmografía. El cineasta griego evidencia que el lenguaje ha dejado de cumplir su función esencial: ya no articula vínculos ni ofrece una estructura significativa para comprender la realidad. Este colapso comunicativo, sugiere el estudio, es el síntoma más visible de unas sociedades posmodernas donde la soledad, la alienación y la desesperanza crecen sin freno. Así, el lector asiste a una exploración completa de la cuestión del lenguaje: su desaparición como vehículo emocional en Kinetta, su utilización como instrumento de manipulación en Canino, su esterilidad en Alps o su deriva hacia lo mecánico en El sacrificio de un ciervo sagrado. Cada capítulo está construido alrededor de escenas clave que el autor desentraña con precisión cirujana, evidenciando que en el universo lanthimiano las palabras no acercan: falsean, ocultan, engañan o directamente sobran.

El texto destaca especialmente cuando analiza el modo en que Lanthimos construye personajes condenados a la soledad estructural. No se trata solo de seres aislados físicamente, sino atrapados en un sistema que ha vaciado de sentido los códigos que tradicionalmente organizaban nuestra convivencia. La reseña de Kinetta, por ejemplo, revela cómo los silencios, el ruido ambiente y la ausencia de diálogos no son recursos estilísticos, sino la encarnación literal de la disolución de la comunicación humana. En Canino, el autor desmonta con detalle la ingeniería lingüística con la que los padres manipulan a sus hijos, un mecanismo que recuerda, como bien enlaza el libro, a teorías de Wittgenstein o a la construcción social del miedo de películas como El bosque.

El volumen acierta también al situar estas películas dentro de una reflexión mayor sobre la identidad contemporánea. Si el lenguaje fracasa, sostiene el autor siguiendo la línea de reflexión de Peña, desaparece la posibilidad de construir un yo coherente o diferenciado. De ahí la fascinación de Lanthimos por personajes que imitan, repiten o actúan roles vacíos: en Alps, los sustitutos que reproducen gestos ajenos; en Langosta, individuos obligados a performar una compatibilidad afectiva; o en El sacrificio de un ciervo sagrado, familias que se relacionan mediante códigos tan rígidos como absurdos.

La obra evita caer en el exceso de tecnicismos y, precisamente por ello, se convierte en una puerta de acceso privilegiada al universo creativo de Lanthimos. Su mayor virtud reside en desentrañar con claridad las claves de su cine y en traducir conceptos habitualmente complejos, posmodernidad, performatividad, dinámicas de poder, en explicaciones comprensibles, sugerentes y llenas de matices. El autor consigue que ideas filosóficas y teóricas se lean con la naturalidad de una narración crítica bien construida, de modo que incluso un lector no especializado puede adentrarse sin esfuerzo en el trasfondo intelectual que sostiene la obra del cineasta griego. Lejos de simplificar, el libro ilumina: hace que el pensamiento detrás de cada película resulte accesible sin perder profundidad.

A la sólida base teórica se suma un amplio despliegue visual: cientos de fotografías que no solo intensifican la inmersión del lector, sino que también sirven para identificar y explorar los temas recurrentes en la obra de Lanthimos.

El texto de Mikel Peña Sarrioonda se presenta como una obra pionera sobre uno de los directores más singulares del cine contemporáneo. Lejos de limitarse a un repaso filmográfico, este volumen articula un estudio múltiple, teórico, estético y visual, que permite adentrarse en la lógica profunda de su cine y en su sensibilidad como creador. El resultado es un “libro total” que, desde distintas aproximaciones, reconstruye el funcionamiento interno del universo lanthimiano: su filosofía, su forma, sus pulsiones y la manera en que la imagen fija dialoga con la imagen en movimiento.

El eje central del libro es un extenso corpus crítico que analiza su obra desde la teoría del cine, la filosofía, la estética y los estudios culturales. Allí se examina, con rigor académico pero sin caer en hermetismos, la evolución de Lanthimos desde Kinetta hasta sus títulos más reconocidos, Canino, Langosta, El sacrificio de un ciervo sagrado, La favorita, Pobres criaturas, desentrañando conceptos como la posmodernidad, la performatividad y las estructuras de poder que atraviesan su filmografía. Los distintos capítulos, organizados en bloques temáticos, iluminan la coherencia de un cine donde la alienación, la obediencia absurda, la opresión familiar y el desgarro identitario se articulan en imágenes frías, hieráticas y profundamente inquietantes.

El extraño cine de Yorgos Lanthimos es una obra imprescindible que revela todas las facetas de su creador: el autor riguroso, el filósofo de la alienación contemporánea, el fotógrafo obsesionado por la luz y el narrador de universos regidos por reglas incomprensibles. La amplitud de perspectivas que ofrece el libro permite comprender no solo a Lanthimos, sino también las grietas y tensiones de nuestro presente. Es un volumen que ilumina sin simplificar, analiza sin domesticar el misterio y captura con precisión la mezcla de extrañeza, humor negro y melancolía que hace inconfundible su cine. Para cualquiera que quiera adentrarse en su pensamiento visual, su filosofía estética y su imaginación, este libro es absolutamente esencial, y se erige como una referencia mayor para cualquier amante del cine contemporáneo.

En conjunto, El extraño cine de Yorgos Lanthimos es más que un estudio sobre un realizador: es un análisis sobre la crisis del sujeto en la contemporaneidad, sobre la forma en que el cine puede representar nuestra incertidumbre, y sobre cómo la estética del extrañamiento, tan propia de Lanthimos, funciona como radiografía emocional del presente. Un libro imprescindible para comprender no solo a uno de los directores más influyentes de nuestro tiempo, sino también las grietas que recorren nuestra identidad moderna.

El libro ha sido publicado por el Servicio de Publicaciones de la Universidad del País Vasco, que desde 1993 mantiene una línea constante de comunicación académica y cultural en torno al cine y la audiovisualidad. A lo largo de estos años, la universidad ha dedicado especial atención a la difusión de estudios cinematográficos, con un catálogo que ya incluye diez títulos relevantes sobre cine. Entre ellos destacan obras recientes de gran interés, como La imagen indiscreta. Guía para no perderse en la aventura audiovisual del siglo XXI, que ofrece un recorrido profundo por los retos y fascinaciones de la producción audiovisual contemporánea, o Mujeres furiosas. El monstruo femenino en el audiovisual de terror, que analiza desde una perspectiva crítica y de género la representación femenina en el cine de terror. En los últimos años, la Universidad del País Vasco ha incrementado notablemente el ritmo de publicaciones en este ámbito, consolidando su compromiso con la promoción de la investigación y la reflexión sobre el cine, y ofreciendo a lectores y especialistas un acceso cada vez más amplio a estudios rigurosos y actualizados.

Por último, el volumen tiene la virtud de mirar hacia el futuro. El cine de Lanthimos no parece haber alcanzado su techo: su ritmo creativo reciente, una película por año con ambición estética creciente, indica que este primer estudio probablemente requerirá pronto una edición ampliada. Lejos de ser una carencia, esto confirma que estamos ante un autor vivo, imprevisible y en constante expansión. El libro reconoce esta condición no como un obstáculo, sino como parte de la fascinación que genera seguir su trayectoria, y resulta inevitable pensar que, tarde o temprano, esta obra exhaustiva y necesaria pedirá una versión ampliada.

Lanthimos, que en sus inicios avanzaba con la precisión quirúrgica de un cineasta que calculaba cada paso, se ha convertido en los últimos años en un creador sorprendentemente prolífico, capaz de estrenar prácticamente una película por año sin renunciar a la complejidad estética ni a su tono inquietante. La aparición de Pobres criaturas, Kinds of Kindness y otros proyectos en preparación evidencia que su obra continúa expandiéndose con velocidad inesperada y ambición creciente. Este primer estudio recoge la filmografía del director hasta su última película de 2024, pero de mantenerse este ritmo creativo, pronto desbordará los límites del libro actual, convirtiéndose en un cuerpo artístico que exigirá nuevas páginas, nuevos análisis y una revisión que esté a la altura de un autor que no deja de reinventarse.

El extraño cine de Yorgos Lanthimos es, en definitiva, un libro indispensable para comprender no solo al director griego, sino las fracturas comunicativas de la sociedad contemporánea. Una obra que dialoga con con el cinéfilo, el filósofo y el espectador inquieto. Un estudio que homenajea al cineasta sin perder el espíritu crítico, y que convierte la incomodidad, esa que Lanthimos cultiva con tanta maestría, en una poderosa herramienta de pensamiento.

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PRÓXIMA NOVEDAD DE LIBROS CÚPULA: "FUTURE BOY: REGRESO AL FUTURO, Y MI VIAJE A TRAVÉS DEL ESPACIO-TIEMPO CONTINUO"

 

Future Boy: Regreso al futuro, y mi viaje a través del espacio-tiempo continuo 

Michael J. Fox 

La historia detrás de cámaras de una de las películas más famosas y queridas por el público, Regreso al futuro, de Michael J. Fox, que nos hace partícipe de la complejidad al compaginar grabaciones y del duro trabajo y todo el cariño con el que todo el equipo se hizo cargo de esta enorme producción.

Un libro de memorias conmovedor, sincero y divertido sobre cómo, en 1985, Michael J. Fox dio vida a un papel icónico e inolvidable, el de Marty McFly en Regreso al futuro, una increíble e inolvidable historia de una película y de los secretos de su rodaje, que solo Michael J. Fox puede contar.

A principios de 1985, Michael J. Fox era una de las mayores estrellas de la televisión. Su mundo estaba a punto de dar la vuelta, pero solo si lograba sobrevivir a un tipo de pluriempleo inaudito en Hollywood. Los días de Fox ya estaban dedicados a ensayar y grabar la exitosa comedia Enredos de familia, pero entonces se le presentó la oportunidad de su vida. Pronto dedicó sus noches a una nueva película de aventuras y viajes en el tiempo dirigida por Robert Zemeckis y producida por Steven Spielberg: Regreso al futuro. Comedia durante el día, película por la noche, día tras día, durante meses.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Libros Cúpula

Fecha de publicación ‏ : ‎ 21 enero 2026

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 264 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8448045487

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RESEÑA DE "ESPAÑA, PLATÓ DE PESADILLAS. TERRITORIOS CINEMATOGRÁFICOS DEL HORROR" DE ANAYA TOURING

 

RESEÑA DE "ESPAÑA, PLATÓ DE PESADILLAS. TERRITORIOS CINEMATOGRÁFICOS DEL HORROR"

La bibliografía disponible en España sobre localizaciones cinematográficas, especialmente en el ámbito del cine fantástico y de terror, ha sido tradicionalmente escasa. Durante décadas, los aficionados han tenido que recurrir a fuentes dispersas, blogs especializados o publicaciones extranjeras para rastrear los escenarios reales donde se rodaron sus películas preferidas. Solo en los últimos años han comenzado a aparecer algunos títulos que abordan el fenómeno de las localizaciones desde una perspectiva general, pero casi siempre con un enfoque internacional o centrado en grandes producciones.

En este contexto, España, plató de pesadillas, escrito por Sergio Moreno Ramos, se convierte en un libro especialmente singular. Puede considerarse, con justicia, una de las primeras obras dedicadas íntegramente a explorar y documentar las localizaciones reales de películas de terror rodadas en España, poniendo el foco no solo en los paisajes, sino en la historia cultural y cinematográfica que los rodea. Su valor radica en combinar geografía, análisis fílmico y memoria del género en un solo volumen accesible tanto para el viajero cinéfilo como para el investigador. El libro comienza con una breve introducción que contextualiza la importancia del territorio español en la historia del cine de terror, señalando la diversidad paisajística que ha servido de escenario ideal para relatos inquietantes: pueblos costeros aislados, bosques frondosos, casonas señoriales, laberintos naturales y ciudades históricas.

El libro se estructura en capítulos dedicados a once películas fundamentales del cine español de terror y fantástico, desde clásicos de culto hasta éxitos contemporáneos. Cada capítulo combina sinopsis, análisis, curiosidades del rodaje y, sobre todo, una localización detallada de los lugares donde se filmaron las secuencias más emblemáticas.

El día de la bestia, rodada principalmente en Madrid, utiliza la capital como un auténtico escenario apocalíptico. Entre las localizaciones destacadas se encuentran el Edificio Capitol en Gran Vía, diversas calles del centro, las Torres KIO, donde se desarrolla el clímax, y entornos del barrio de Vallecas. El capítulo analiza cómo la ciudad se convierte en un personaje más, reflejando la vorágine caótica que acompaña la trama.

¿Quién puede matar a un niño? se filmó en localizaciones costeras y rurales, incluyendo Menorca, Granada y Sitges. El contraste entre la belleza mediterránea y el horror narrativo contribuye a crear una atmósfera inolvidable, donde el entorno natural se convierte en un elemento central del terror.

Tesis, uno de los grandes títulos del thriller universitario español, se rodó en la Universidad Complutense de Madrid (Facultad de Ciencias de la Información), varias viviendas y pisos de Madrid usados como interiores, y estaciones de metro y túneles urbanos. El capítulo describe cómo los espacios cotidianos se transforman en escenarios amenazantes sin necesidad de artificio.

La residencia se rodó en Comillas (Cantabria) y combina exteriores de la localidad con estudios y decorados interiores que recrean el internado. Se destaca el aire gótico y opresivo, poco habitual en el cine español de la época.

El laberinto del fauno utilizó localizaciones naturales y construcciones adaptadas en Belchite, combinando bosques, ruinas y escenarios rurales transformados artísticamente para crear la atmósfera mágica y oscura característica de la película.

Dagon: La secta del mar se filmó casi íntegramente en Combarro (Pontevedra), un pintoresco pueblo marinero que el equipo artístico transformó en un lugar inquietante y perturbador. Además, se utilizaron la ría de Pontevedra y pequeñas calas para las escenas nocturnas, acompañadas de fotos comparativas del antes y después del rodaje.

Las brujas de Zugarramurdi contó con localizaciones como la Puerta del Sol en Madrid para la escena inicial, Zugarramurdi en Navarra (especialmente las Cuevas de las Brujas), así como carreteras, bosques y pueblos del norte peninsular. El capítulo profundiza en cómo la narrativa se mezcla con la leyenda local.

Los otros, aunque coproducción internacional, rodó su mayor parte en España, principalmente en Las Fraguas (Cantabria), así como en valles y zonas montañosas del norte del país. La obra explora cómo la casa real se convierte en un protagonista silencioso, esencial para la atmósfera de la película.

El espinazo del diablo se rodó en Guadalajara (México) y en la Comunidad de Madrid, utilizando edificios históricos y paisajes naturales para transmitir la carga simbólica y narrativa del orfanato y sus alrededores.

El orfanato se filmó principalmente en Santander y sus alrededores, incluyendo el Palacio de Partarríu en Llanes (Asturias), convertido en uno de los lugares más reconocibles del cine español moderno. El capítulo ofrece un mapeo detallado que permite a los lectores visitar los escenarios reales.

Del mismo autor, Sergio Moreno Ramos, la editorial Anaya Touring publicó el año pasado Rutas vampíricas. Un viaje por los territorios vampíricos (Guías Singulares), una obra igualmente recomendable que ofrece un recorrido exhaustivo por los territorios vampíricos del cine y la literatura universales. Desde los castillos de Transilvania y Eslovaquia, hasta la abadía de Whitby en Yorkshire, las mansiones decadentes de Luisiana francesa, las calles de Nueva Orleans, el Forks de Crepúsculo, el París postrevolucionario, el cementerio de Père Lachaise, el Bajo Manhattan de los años 80, el gélido Estocolmo o la casba de Tánger, Moreno Ramos lleva al lector a explorar tanto lugares reales como geografía ficticia que evoca mundos que, aunque imaginarios, se parecen mucho a otros que existen.

En conjunto, estas obras consolidan a Sergio Moreno Ramos como un referente en la documentación de localizaciones cinematográficas y literarias, ofreciendo herramientas y experiencias únicas para quienes desean adentrarse en los territorios donde la ficción y la realidad se encuentran.

España, plató de pesadillas destaca por su rigor documental y atractivo visual. Las fotografías, mapas y explicaciones paso a paso permiten al lector visitar los escenarios reales y comprender cómo el cine transforma un entorno real en un territorio fantástico. Su estructura clara, enfoque práctico y dedicación al cine fantástico español lo convierten en una obra imprescindible para investigadores, aficionados al género y viajeros cinéfilos.

En definitiva, Destinos de película, publicado por Anaya Touring, se presenta como una guía imprescindible para todos aquellos que quieran descubrir los escenarios reales de sus películas de terror preferidas. Gracias a sus mapas, fotografías y datos curiosos, el lector puede recorrer las localizaciones donde han tenido lugar las películas de terror españolas más recientes. Este enfoque convierte la obra en un recurso ideal tanto para cinéfilos como para viajeros que desean combinar su pasión por la pantalla con experiencias de turismo cultural.

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NOVEDAD DE EDITORIAL UOC: "ESPECTROS DEL IMPERIO BRITÁNICO: 50 PELÍCULAS VICTORIANAS"

 

Espectros del Imperio británico: 50 películas victorianas (Filmografías Esenciales) 

Víctor Mínguez (Autor), Teresa Sorolla (Autor)

Desde su nacimiento, el cine ha encontrado en la literatura victoriana una fuente inagotable de inspiración. Este libro explora cómo el imaginario popular de la Inglaterra del siglo XIX se ha moldeado en los siglos XX y XXI mediante las adaptaciones cinematográficas de autores como Emily, Charlotte y Anne Brontë, Dickens, Hardy, James, Doyle, Stevenson, Gaskell, Collins, Carroll, Eliot y Stoker. Personajes como Bertha Mason en Jane Eyre, Miss Havisham en Grandes esperanzas o Anne Catherick en La dama de blanco convierten los atormentados cuerpos femeninos en síntomas de las desigualdades de género y clase social. Mr. Hyde, Dorian Gray e incluso la fascinación hacia Jack el Destripador advierten del siniestro doppelgänger alumbrado al calor de la doble moral de la época. Este libro se adentra en el concepto de ficción neovictoriana y analiza cómo estas obras reimaginan el pasado y dialogan con el presente ofreciendo un viaje apasionante por los páramos literarios y cinematográficos del universo victoriano.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Editorial UOC

Fecha de publicación ‏ : ‎ 22 octubre 2025

Edición ‏ : ‎ N.º 1

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 216 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8411661591

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NOVEDAD DE EDITORIAL CALIFORNIA: "TOM CRUISE. EL ARTE DE PERMANECER: UN VIAJE POR TODAS LAS PELÍCULAS DE LA ÚLTIMA GRAN ESTRELLA DE HOLLYWOOD"

Tom Cruise. El arte de permanecer: Un viaje por todas las películas de la última gran estrella de Hollywood

Gustavo Jiménez Limones (Autor)

Hablar de Tom Cruise es hablar de una de las figuras más influyentes, versátiles y perdurables del cine moderno. Su carrera ha desafiado las leyes de Hollywood, construyendo un modelo de estrella que parecía destinado a desaparecer en la era del streaming y de los universos cinematográficos.

Este libro recorre, paso a paso, todas sus películas, desde los primeros papales casi invisibles hasta los cameos inesperados, pasados por los proyectos fallidos y los éxitos rotundos. La intención no es solo relatar una carrera, sino comprender por qué Tom Cruise es mucho más que un actor de Hollywood: es un símbolo cultural, un narrador incansable de historias imposibles y, sobre todo, un hombre que ha hecho del cine no un trabajo, sino una misión. Porque si algo define a Tom Cruise más allá de sus personajes y sus acrobacias, es su fe inquebrantable en el poder del cine. Y esa fe, compartida con el público durante más de cuarenta años, es lo que le convierte en una leyenda viviente.

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FSD1JJVK

Editorial ‏ : ‎ Independently published

Fecha de publicación ‏ : ‎ 23 septiembre 2025

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 198 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-8266633490

Dimensiones ‏ : ‎ 15.24 x 1.14 x 22.86 cm

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YA A LA VENTA "LA SOMBRA DE DRÁCULA" Nº3 DE MORPHEUS PROJECTS EDICIONES

 YA A LA VENTA "LA SOMBRA DE DRÁCULA" Nº3

Con este número estrenamos formato de 24 páginas y abrimos paso al cine sobrenatural sonoro con Drácula, Frankenstein y tantos otros grandes personajes que nos regaló el cine clásico de terror. Además también iniciamos la búsqueda y captura de cómics relacionados con la temática de la revista. Primero tímidamente con apariciones esporádicas y más adelante dando cuenta de las grandes cabeceras del terror y , sobretodo, siguiendo de cerca los cómics sobre Drácula y otros vampiros. 

https://edicionesmp.blogspot.com/2025/10/ya-la-venta-la-sombra-de-dracula-n3.html

NOVEDAD DE AKAL: "EL ARTE DE LA FANTASÍA UN LIBRO DE CONSULTA VISUAL SOBRE TODO LO IRREAL"

 

El arte de la fantasía Un libro de consulta visual sobre todo lo irreal

S. Elisabeth 

Un maravilloso tesoro de imágenes fantásticas a través de los tiempos.

El arte de la fantasía es un libro de consulta visual de todo lo fantástico, que presenta una fascinante y reflexiva selección de obras de arte inspiradas en lo irreal.

Los artistas llevan siglos explorando mundos imaginarios y criaturas fantásticas, pero ¿qué les atrae de lo imposible, lo místico y lo desconocido? ¿Es una mera evasión de la realidad? ¿O buscan una mayor comprensión de la existencia humana, tal vez incluso del significado mismo de la vida?

Desde los monstruos imposibles a los reinos olvidados y los países de las maravillas, desde la fe y la filosofía a cómo salvar el mundo, S. Elizabeth explora con su perspicaz texto cómo han cambiado a lo largo del tiempo estos vuelos visuales de la fantasía y la imaginación. Una colección inspiradora para los aficionados a los mitos, la magia, la fantasía y la historia del arte.

Detalles del producto

Editorial ‏ : ‎ Ediciones Akal

Fecha de publicación ‏ : ‎ 19 septiembre 2025

Edición ‏ : ‎ N.º 1

Idioma ‏ : ‎ Español

Longitud de impresión ‏ : ‎ 240 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 8446056984

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8446056980

Peso del producto ‏ : ‎ 850 g

Dimensiones ‏ : ‎ 17.8 x 2.5 x 23 cm

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RESEÑA DE "UN VIAJE POR EL CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR VOL. 1" DE APPLEHEAD TEAM

 

 RESEÑA DE "UN VIAJE POR EL CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR VOL. 1" DEAPPLEHEADTEAM

Cada cierto tiempo, en nuestro panorama editorial surge una obra monumental que intenta abarcar de manera exhaustiva la historia del cine fantástico y de terror, un esfuerzo que requiere años de investigación, redacción y coordinación, en algunos casos con la participación de múltiples autores y expertos. Entre los ejemplos más destacados se encuentra El cine fantástico (1987), escrito por José María Latorre, un estudio pionero que sistematiza los orígenes y la evolución del género en un trabajo de gran calado. Más adelante, en 1994, apareció 100 mejores películas de la historia del cine fantástico, compilado por José Luis Mena, un compendio que reúne los títulos más influyentes y recomendables, ofreciendo tanto una guía para el espectador como una referencia histórica. En 2008, Terror Cinema: cine clásico de terror de Juan Andrés Pedrero Santos, se sumó a esta tradición, con un enfoque más visual y una documentación precisa de los hitos del cine de terror clásico. En la década más reciente, 2017 trajo dos obras de gran interés: El cine de terror de Joaquín Vallet, un análisis actualizado de la evolución del género, y Horror Cinema de Taschen, un volumen de gran formato que combina imágenes, contexto histórico y análisis cinematográfico, pensado tanto para especialistas como para aficionados. Ahora se suma a esta saga Un viaje por el cine fantástico y de terror. Vol. 1, del Applehead Team publicado en 2023, un proyecto ambicioso que recopila las obras más recomendables del género, contextualiza sus hitos históricos y propone un recorrido completo que consolida su posición como referencia imprescindible para cualquier amante del cine fantástico y de terror. Cada uno de estos libros representa no solo un compendio de títulos, sino también un esfuerzo editorial y académico colosal, que permite comprender la evolución del género y apreciar su riqueza estética, narrativa e histórica.

Este ambicioso proyecto que nos propone APPLEHEAD TEAM es un trabajo titánico de más de 700 páginas, concebido como una obra colectiva en la que participan múltiples autores especializados en cine fantástico y de terror. Su estructura está cuidadosamente organizada en 26 capítulos, que desarrollan la historia del género de manera cronológica, desde los primeros pasos del cine hasta el año 1968. Cada capítulo se centra en un periodo, un movimiento, una corriente o un conjunto de obras representativas, combinando análisis de películas, contexto histórico, reflexiones estéticas y detalles técnicos que permiten al lector comprender la evolución del género desde sus inicios.

La riqueza de contenidos se potencia gracias a la colaboración de distintos especialistas, lo que otorga al volumen diversidad de enfoques y profundidad académica. Además de los análisis cinematográficos, el libro incluye abundante material gráfico, fotografías a color y blanco y negro que complementan la lectura y ayudan a visualizar la transformación del cine fantástico y de terror a lo largo de las décadas. La obra no solo se limita a enumerar títulos o hechos, sino que articula un discurso coherente sobre cómo se desarrolló el imaginario del género, las innovaciones técnicas y narrativas que marcaron cada etapa, y la manera en que estas películas reflejaron y moldearon la cultura de su tiempo.

El proyecto se completó este año con un segundo volumen que retoma el viaje desde los años 70 hasta los años ochenta, continuando la exploración cronológica y analítica del género, aunque con algunas paradas en ciertos títulos destacados de los 90. Además, ya están programados un tercer volumen , que abarcará hasta el primer lustro de este siglo , y un cuarto y último, que finalmente alcanzará la actualidad. Para que ambos puedan ver la luz, es fundamental el apoyo de los lectores y amantes del fantástico. Juntos, estos volúmenes configuran un mapa integral de casi un siglo de cine fantástico y de terror, ofreciendo una referencia indispensable tanto para investigadores como para cinéfilos, y consolidando la posición de APPLEHEAD TEAM como referente editorial en el estudio del género. La combinación de la extensión, la estructura coral y el desarrollo cronológico convierte esta obra en un ejemplo destacado de rigor académico, minuciosidad documental y pasión cinéfila.

El libro Un viaje por el cine fantástico y de terror reúne un total de veintitrés capítulos, cada uno dedicado a un eje temático distinto dentro de la historia del género. Para construir este recorrido participan veintiún colaboradores, entre investigadores, críticos y especialistas del ámbito cinematográfico, incluyendo aportaciones internacionales que enriquece el conjunto con la perspectiva del cine fantástico de otras latitudes. El resultado es una obra coral, diversa y profundamente documentada que ofrece una visión amplia y apasionada del fantástico mundial.

Un viaje por el cine fantástico y de terror es un proyecto colectivo que reúne a algunos de los especialistas más destacados del género para construir un recorrido amplio, profundo y apasionado por más de medio siglo de cine fantástico. Coordinado por Lluís Vilanova, el libro plantea un periplo que no solo es histórico, sino también emocional, en el que cada autor vuelca conocimiento, análisis y cariño cinéfilo. El prólogo establece la tónica general: esta investigación colectiva es, además, una celebración compartida entre quienes aman el género y desean comprenderlo en todas sus aristas.

Cada uno de los capítulos del libro se dedica a un eje temático distinto dentro de la historia del género. Para construir este recorrido participan veintiún colaboradores, entre investigadores, críticos y especialistas del ámbito cinematográfico.

El primer bloque se abre con la mirada de David Salgado hacia los orígenes del cine fantástico y el decisivo papel del expresionismo alemán. Su análisis muestra cómo los experimentos visuales del cine mudo, la distorsión del espacio y la psicología de las sombras crearon el vocabulario original del terror cinematográfico, sentando las bases para todo lo que vendría después. La atmósfera inquietante y la estética deformada de películas como El gabinete del Dr. Caligari o Nosferatu se convierten en clave para entender el nacimiento del fantástico como territorio de lo inusual, lo simbólico y lo perturbador.

Álvaro San Martín continúa el recorrido abordando la célebre etapa de la Universal en los años treinta y cuarenta. En su sección, los monstruos clásicos —Drácula, Frankenstein, la Momia, el Hombre Lobo— son revisitados no solo como figuras icónicas, sino como construcciones culturales que definieron la identidad del género. La Universal es presentada como un laboratorio gótico, donde la iluminación, los decorados y la interpretación de actores legendarios consolidaron un imaginario que aún persiste en la cultura popular.

Sergi Grau aporta después un estudio sobre el cine fantástico de la era dorada, explorando títulos que, sin ser tan conocidos como los grandes monstruos de Universal, jugaron un papel esencial en la cimentación del género. 

Tonio L. Alarcón dedica su capítulo al terror elegante y sugerido de Jacques Tourneur y las producciones de Val Lewton en la RKO. Su lectura destaca la importancia del fuera de campo, el sonido y la insinuación como elementos para generar inquietud, y revisita obras como Cat People o I Walked with a Zombie como piezas maestras del terror sutil, donde lo que no se muestra es tan poderoso como lo que sí aparece en pantalla.

Juan Carlos Vizcaíno Martínez analiza a continuación el horror y lo fantástico en los tiempos bélicos. En su estudio, muestra cómo la Segunda Guerra Mundial filtró nuevos miedos en la cultura cinematográfica: la incertidumbre, la deshumanización y los traumas del conflicto dieron lugar a películas donde el terror coexistía con el noir, el melodrama y la alegoría social. Su contribución ilumina un periodo menos transitado, pero imprescindible para entender la evolución del género.

Lluís Vilanova interviene como autor para explorar la ciencia ficción norteamericana de los años cincuenta, una etapa dominada por el miedo atómico, la paranoia política y las historias de invasiones extraterrestres. Vilanova analiza cómo estas películas, aparentemente escapistas, reflejaban ansiedades colectivas muy concretas, transformando el cine fantástico en un espejo de tensiones sociales profundamente arraigadas en la Guerra Fría.

En una segunda aportación, Vilanova se adentra en la renovación del horror gótico gracias a Terence Fisher y Hammer Films. Bajo su análisis, Hammer aparece como una revolución estética: color intenso, erotismo elegante, violencia más explícita y monstruos reinventados para un nuevo público. Terence Fisher es reivindicado como un arquitecto esencial del terror británico moderno y como un punto de inflexión en la historia del género europeo.

Javier Trigales, por su parte, examina dos películas fundamentales del horror sobrenatural británico: La noche del demonio y Arde, bruja, arde. Su estudio profundiza en la representación de la brujería, el satanismo y lo oculto, mostrando cómo estos filmes combinaron tradición, atmósfera y modernidad para construir un terror sofisticado y relevante.

Elisa McCausland y Diego Salgado aportan un capítulo centrado en el subgénero de casas encantadas a través de Suspense y The Haunting. Su análisis destaca cómo ambos filmes utilizan la psicología, la ambigüedad y el miedo a lo invisible para subrayar lo emocional como núcleo del horror, redefiniendo la casa como un espacio de amenaza íntima.

Juan Carlos Vizcaíno Martínez regresa para revisar las producción fantásticas del British cinema de los años cincuenta y sesenta más allá de Hammer, ofreciendo un mapa de películas complementarias que ampliaron las posibilidades del género en el Reino Unido. Vizcaíno resalta nuevas voces, enfoques estéticos emergentes y el impacto cultural de una época de transformación.

José Abad dedica su estudio a Roger Corman y American International Pictures, abordando el cine de bajo presupuesto como un espacio de creatividad inagotable. Con especial atención al ciclo Poe, Abad muestra cómo Corman marcó a toda una generación y cómo su estilo pop, psicodélico y dinámico reconfiguró la relación entre terror, juventud y cultura popular.

En una de las miradas más originales del libro, J.P. Bango analiza la presencia de lo fantástico en los clásicos animados de Disney, desde Blancanieves hasta La bella durmiente. Bango demuestra que, lejos de ser solo cuentos infantiles, estas películas incorporan elementos de terror, magia oscura y atmósferas inquietantes, contribuyendo a formar un imaginario colectivo que combina inocencia y sombra.

Jordi Ardid continúa con un análisis de Hitchcock y su relación compleja con el terror, centrado en Psicosis y Los pájaros. A través de su lectura, Ardid muestra cómo Hitchcock descoloca al espectador, rompe reglas narrativas y transforma el miedo en un elemento tan psicológico como visceral, iniciando la modernidad del horror.

Álex Barba, con su capítulo dedicado a William Castle, repasa la historia de las famosas “gimmick movies”. Castle aparece como un creador de experiencias cinematográficas extremas, donde la sala se convierte en un escenario y cada película en un espectáculo participativo. Barba recupera esta figura esencial para entender el terror como entretenimiento puro y exuberante.

Joan Renter aporta una mirada centrada en las películas de George Pal, vinculadas a la fantasía científica y las aventuras de mundos imposibles. Renter analiza cómo Pal combinó imaginación, técnica y espíritu explorador, convirtiendo sus producciones en referentes de la ciencia ficción más optimista y maravillosamente visual.

Javier J. Valencia estudia después un conjunto de películas norteamericanas difíciles de clasificar surgidas antes del auge del gore. Valencia analiza cómo estas obras híbridas —parte thriller, parte terror psicológico, parte drama extraño— anticiparon nuevas corrientes y prepararon al público para los cambios radicales que estaban por llegar.

En un capítulo especialmente sugerente, Jordi Ardid examina cómo grandes cineastas considerados “de autor”, como Bergman y Fellini, también exploraron lo fantástico. Ardid demuestra que el género no pertenece solo al entretenimiento popular, sino que puede infiltrarse en la obra de quienes utilizan lo sobrenatural y lo onírico para indagar en lo humano, lo espiritual y lo metafísico.

Joaquín Vallet Rodrigo ofrece un recorrido por el horror gótico italiano, analizando la estética barroca, el uso del color, la sensualidad y el impacto de directores como Mario Bava. Vallet muestra cómo Italia desarrolló un terror profundamente visual, lleno de atmósfera y arraigado en su propia tradición plástica.

Adrián Sánchez aporta un análisis del cine fantástico japonés entre 1953 y 1968, centrado en los relatos de fantasmas y en el estilo poético del kaidan moderno. Sánchez destaca la fuerza emocional y espiritual de estas narraciones, su relación con la tradición y su capacidad para construir un terror tan delicado como devastador.

A continuación, J.P. Bango examina el cine fantástico del Este y Norte de Europa. Su recorrido traza un mapa de cinematografías menos conocidas, donde el folclore, la alegoría política y la experimentación visual dieron lugar a películas singulares, profundas y estéticamente audaces.

Dario Lavia ofrece una participación internacional con su estudio sobre el cine fantástico mexicano entre 1933 y 1969. Lavia recorre un fascinante universo poblado por luchadores, vampiros, monstruos y leyendas que conforman un fantástico profundamente popular y distintivo. Su contribución enriquece el volumen al incorporar una perspectiva exterior al ámbito hispanoeuropeo y aporta un panorama imprescindible del cine fantástico latinoamericano.

David Salgado regresa para trazar la evolución del cine fantástico español, desde los trucajes pioneros de Segundo de Chomón hasta La residencia. Su análisis muestra un camino irregular pero lleno de inventiva, que desemboca en el Fantaterror de los años setenta, anunciando una etapa dorada.

Sergi Grau culmina el recorrido identificando 1968 como un año crucial para el género. A partir de ese momento, el cine fantástico emprende caminos más radicales, viscerales y socialmente críticos, abriendo las puertas a un horror moderno que transformará para siempre las reglas del juego.

Finalmente, el apéndice de Álvaro San Martín revisa la televisión fantástica de los años cincuenta y sesenta, mostrando cómo las series y programas de la época moldearon imaginarios colectivos y llevaron lo sobrenatural al ámbito doméstico.

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PRESENTACIÓN DE LA NUEVA EDICIÓN DE "ROCAS EN EL CELULOIDE" EN MANZANARES EL REAL"

Presentación del libro "Rocas en el celuloide" que su autor, Víctor Matellano, nos brindará el próximo 16 de noviembre a las 18:00h en la sala El Rodaje en Manzanares El Real.

NOVEDAD DE DIÁBOLO EDICIONES: " SHE-RA. ELLA TIENE EL PODER"

 SHE-RA. ELLA TIENE EL PODER 

JOSE ANTONIO GODOY 

Por el honor de Grayskull... En un universo dominado por guerreros musculosos y castillos místicos, surgió una heroína que rompió moldes: She-Ra, la Princesa del Poder. Carismática, valiente y mágica, se convirtió en mucho más que un personaje: un icono eterno de empoderamiento, aventura y fantasía. Este libro es un viaje épico desde su nacimiento en 1985 hasta su legado actual como figura esencial de la cultura pop. She-Ra: Ella tiene el poder, de José Antonio Godoy, explora su historia, sus batallas, sus personajes inolvidables, sus valores y el impacto que dejó en varias generaciones. Todo está aquí. Para fans de siempre y nuevos rebeldes, porque el poder no entiende de géneros… Ella tiene el poder… y esta es su historia. 

Detalles del producto

ASIN ‏ : ‎ B0FQPGPLXC

Editorial ‏ : ‎ DIABOLO EDICIONES

Fecha de publicación ‏ : ‎ 3 octubre 2025

Idioma ‏ : ‎ Castellano

Longitud de impresión ‏ : ‎ 306 páginas

ISBN-13 ‏ : ‎ 979-1387995027

Peso del producto ‏ : ‎ 1,01 kg

Dimensiones ‏ : ‎ 17 x 1 x 24 cm

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